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Déposez vos crayons et votre papier, éteignez le scanner et oubliez Live Trace, il est temps d'illustrer avec des vecteurs. Ce didacticiel vous expliquera le processus de création d'une illustration - du concept au produit fini - entièrement dans Illustrator..
Mauvaise nouvelle: il n'y a pas de secret pour créer des œuvres entièrement dans Adobe Illustrator. Si vous êtes à la recherche d'une pilule magique pour vous débarrasser de l'approche de scanographie, je vous dirai tout de suite qu'il n'y en a pas. Cela dit, Illustrator offre aux artistes une multitude de possibilités de création artistique étonnantes. Si vous souhaitez dessiner à l’aide de vecteurs, vous disposez de nombreux avantages et gains de temps qui vous accrocheront à jamais aux courbes et aux points bezier. Ce qui suit n'est pas tellement un trucs et astuces Didacticiel; c'est un processus pas à pas de mon processus créatif avec des techniques, des idées et des opinions tout au long du processus.
Vous pouvez trouver les fichiers source dans le répertoire intitulé «source» qui figurait dans les fichiers que vous avez téléchargés. Vous voudrez peut-être les parcourir brièvement avant de commencer..
Mon travail est né à 100% de l'imagination, je n'utilise donc pas trop souvent des modèles, des photos ou des objets comme référence. Cela signifie que je dois commencer à dessiner mes idées puis à les raffiner une fois les versions brutes terminées. Illustrator est l'outil idéal pour cela, car vous pouvez modifier vos objets et réorganiser les couleurs et la composition librement et sans limites. Vous n'avez jamais besoin de sortir un nouveau morceau de papier pour redimensionner un personnage ou déplacer une maison. Il est interchangeable sans cesse, offrant à l'artiste une panoplie d'idées et de variations.
Une fois que j'ai eu une idée (dans ce cas, un grand cyclope est en train de manger et un lapin résident décide de prendre position en libérant un lapin de fumée monstrueux de sa cheminée), je commence à la dessiner sur un document vierge, en veillant à ce que pour isoler des objets primaires ou des groupes d'objets seuls soigneusement étiqueté couches.
En général, j'efface tous les panneaux (échantillons, styles, pinceaux) pour faire de la place pour mes éléments créés sur mesure. De plus, même si j'utilise un bloc-notes Wacom, j'ai tendance à utiliser l'outil Plume pour dessiner la quasi-totalité de mes objets, car j'aime la précision et la possibilité de passer facilement des lignes courbes aux lignes droites. Voici ma première version approximative de l'illustration en question.
Comme exemple de la façon dont je commence une image comme celle-ci, regardons la création des cyclopes. À l’aide de l’outil Plume, je dessine la forme rugueuse de base du corps, pratiquement sans détail. Cela me donne une idée de l'apparence du personnage et indique l'emplacement et la taille des appendices, des fonctionnalités, etc..
Il est très important de noter que la création d’objets comme ceux-ci dépend fortement de votre style personnel. Mon style est un mélange de précision et de volonté de ou des lignes en désordre. Certaines personnes sont vraiment bien rangées, certaines sont vraiment lâches, mais rien n’est vraiment incorrect en ce qui concerne le style. Ce sont vos choix qui font de votre art le vôtre.
De retour aux cyclopes, après avoir fini le corps, j'ajoute des bras et leur donne une couleur totalement différente. Je les unifierai plus tard, mais pour l’instant, j’utilise une couleur contrastante pour les faire ressortir, en définissant leurs limites. Plus tard, quand l'ombrage entre en jeu, le jaune-orange aura disparu.
Maintenant que j'ai une idée plus concrète de mon parcours avec ce personnage, je peux ajouter quelques détails pour améliorer sa personnalité. Pour la couleur de la blanc de l'oeil, je goûte l'orange du corps et baissez le, ou le rendre plus léger, dans le panneau de couleur. Pour ce faire, voir l'image ci-dessous.
La raison pour laquelle je crée la couleur en utilisant cette méthode est simplement pour le contrôle. Créer constamment de nouvelles couleurs à partir de zéro peut conduire à une palette vraiment difficile à manier, alors que fonder de nouvelles couleurs sur des couleurs anciennes peut apporter un niveau de contrôle et d’uniformité à une image. En substance, c'est un choix stylistique, mais je dirais que c'est une très bonne pratique, en particulier pour les personnes qui ne sont pas à l'aise avec les couleurs. De plus, j'ajoute presque toujours de nouvelles couleurs au panneau d'échantillons, juste au cas où je devrais les obtenir facilement plus tard. Même pour les artistes les plus fous et les plus farfelus, l'organisation est vraiment utile.
Je sais qu'il va devenir un cyclope et que le danger approche d'en haut (sous la forme d'un lapin de fumée géant). Ainsi, après avoir dessiné la forme de l'œil, je crée un iris tourné vers le haut. Bien que j'utilise un masque d'écrêtage pour incorporer complètement l'iris dans l'œil, je le laisse libre pendant que je continue à dévaliser le monstre. Cela facilite le repositionnement et accélère les premières étapes du dessin..
J'ajoute une bouche (couleur basée à nouveau sur l'orange du corps, cette fois avec du noir (K) ajouté dans le panneau de couleur). Enfin, j'ajoute un morceau de maison semi-morcelé derrière les mains. Pour placer rapidement les mains au-dessus du morceau de maison, je sélectionne les deux bras et appuie sur les touches Commande + Maj + Support gauche (amener à l'avant) du clavier. J'ai tendance à utiliser le clavier autant de choses que possible pour réduire le nombre de clics, car cela ralentit vraiment le flux de travail..
Monster a fini… pour le moment. Je répète cette méthode pour tous les objets principaux de mon concept, en essayant de définir les couleurs souhaitées lors de la création de nouveaux objets. La couleur est vraiment importante pour l’atmosphère de mes œuvres. Quand je sens que j'ai un concept entièrement formé et que je suis satisfait des couleurs, il est temps de passer à autre chose et de donner corps à la composition..
Une fois que je suis satisfait du concept, de la composition de base et de la direction de l’œuvre, j’ajoute et modifie des éléments en prévision du travail de détail. Dans ce cas, je n’étais pas satisfait de la forme des nuages et je voulais ajouter plus maisons brisées pour compléter la composition, ajouter de la profondeur et renforcer le sens de la désolation. J'essaie d'éviter de copier et de coller des éléments pour donner à mes illustrations un aspect plus dessiné à la main. Encore une fois, le look que je vis repose sur des irrégularités, donc l'uniformité du copier-coller n'est probablement pas la meilleure option..
Habituellement, pendant que je travaille, je vois des opportunités d'ajouter des éléments supplémentaires qui amélioreront le sentiment du travail. Dans ce cas, j’ai pensé qu’il serait agréable d’ajouter un lapin caché, déguisé en buisson, alors je l’ai attiré sur sa propre couche. Afin de retirer correctement l'addition, j'ajoute également des arbustes à la couche "végétation" de l'image.
Certaines des maisons cassées sont au-dessus du monstre cyclope. Ils doivent être sélectionnés, coupés et collés sur un nouveau calque situé derrière le monstre (ce calque est appelé "maisons derrière")..
Voici un aperçu de la composition entière avant de passer à l'étape suivante..
Il est maintenant temps de creuser, d'ajouter des détails et des améliorations. J'aime travailler toute l'image en même temps si je le peux, sans trop me concentrer sur un détail ou une zone. Cela dit, j’attaque les choses avec un plan. Je commence généralement par la couche la plus haute, en ajoutant à peu près le même niveau de détail à chaque élément au fur et à mesure que je parcours la liste. Cela aide à conjurer l'ennui et donne vraiment à une pièce l'impression de prendre vie. Dans le cas de cette illustration particulière, la couche la plus haute est "lapin caché", la couche contenant le lapin déguisé en buisson.
Le premier détail que je vais ajouter à cet élément est constitué par des formes de petit croissant pour donner à la brousse une idée de, enfin, de la broussaille. Je dessine les croissants à l'aide du stylo et j'utilise une couleur vive et éclatante pour les distinguer de la brousse..
La couleur vive aide non seulement les croissants à se démarquer, mais les rend également facilement sélectionnables. J'en sélectionne un, vais en haut de l'écran et choisissez Choisir la même chose> Couleur de remplissage. J'utilise beaucoup au cours d'une illustration.
Après avoir sélectionné tous les croissants, j'utilise la pipette pour choisir une couleur précédemment utilisée pour les nouvelles formes. Je choisis la couleur du buisson, ce qui peut sembler étrange au départ, mais je change le mode de fusion en Multiplier dans le panneau Transparence. Cela permet aux croissants d’utiliser une belle variante de la couleur de la brousse, semblable à une ombre..
Il est maintenant temps de mettre en drapeau les objets afin d'adoucir les bords. Il existe une multitude de façons d’adoucir les contours et les ombres, mais la mise en drapeau est ma préférée car elle est rapide et facilement quantifiable. La quantité de douceur correspond directement à un nombre, il est donc facile de changer et de contrôler et il est logique.
Tout au long de ce didacticiel, je vais mettre en drapeau des objets, alors soyez-y prêt. Dans ce cas, je règle la quantité de plume à 0,75 pixels, rendant les bords des croissants légèrement flous:
Si vous êtes organisé et pensez-y pendant que vous créez, faites ce que j'ai fait et ajoutez l'apparence d'un des croissants au panneau Styles. Cela accélérera le processus d’illustration, d’autant plus que vous devez toujours appliquer des détails similaires aux autres arbustes..
Un autre élément que j'utilise très souvent dans mes œuvres est le masque d'écrêtage. Je sais que certaines personnes préfèrent l'élégance de la trajectoire, mais les masques d'écrêtage ont quelque chose de vraiment génial qui les rend supérieurs, à mon avis: ils sont entièrement non destructifs et les éléments à l'intérieur restent modifiables. Dans Illustrator CS4, coupé les objets agissent comme des objets ordinaires (les zones coupées sont complètement cachées des yeux) et votre curseur), ce qui les rend encore plus puissant.
Dans le cas de ce lapin, je vais masquer l'iris des yeux, en unifiant tout l'œil en un seul objet (ce qui m'aidera plus tard lorsque je nuancerai les yeux). Pour ce faire, je sélectionne le blanc de l'œil, le copie (Commande + C), le colle devant (Commande + F), l'envoie au premier plan de la pile (Commande + Maj + Support droit), et permute le couleur de l'élément, en changeant le remplissage et le trait (Commande + X). Je maintiens alors la touche Maj enfoncée pour sélectionner les deux autres éléments oculaires (l’original). blanc et l'iris) et appuyez sur Commande + 7 pour créer un masque d'écrêtage. Cela peut sembler être un processus complexe, mais une fois que vous avez compris le processus, il est très rapide et ne prend que quelques secondes..
Les oreilles sont masquées de la même manière. En gros, je parcourt le reste des calques en ajoutant des détails et en collectant les objets, puis en composant des éléments de détail (yeux, oreilles, fenêtres, etc.) dans des masques de découpage. Je laisse l'ombrage et la texture pour la fin, car ils ont tendance à être les éléments de la conception les plus gourmands en processeur..
En descendant dans la liste des couches, j'arrive à la couche "fumée", qui contient le lapin monstrueux. Je voudrais rendre cet élément un peu plus semblable au nuage. Je retire donc l'outil de confiance Stylo et ajoute ces objets verts au-dessus de l'original..
Une fois dessinés, je leur donne la même couleur que l’objet de fumée à l’origine et je les fusionne tous (à l’exception des petits nuages) en utilisant le Unir bouton sur le panneau Pathfinder. Je vais aussi entrer et dessiner des petites dents fumées et un œil sinistre.
Même si j'ai déjà ajouté des détails aux arbustes, je n'ai pas encore détaillé les pins. Afin de suggérer les pointes des pins, j'aime utiliser un simple pinceau d'art triangulaire. Je dessine un triangle, le remplis avec 100% de noir (K) et laisse le trait vide. J'utilise rarement le trait car mon style ne l'exige pas vraiment. Une fois dessiné, je le glisse dans le panneau des pinceaux et crée un nouveau pinceau. Les paramètres sont indiqués ci-dessous.
Remplir le triangle de noir et définir la méthode de colorisation du pinceau sur Teintes permet au pinceau d'art d'hériter de la couleur que vous avez choisie pour le trait, ce qui le rend vraiment polyvalent. Basculement Les verrouillages proportionnels intègrent l'intégrité proportionnelle du pinceau, réduisant et développant ainsi toute la forme pour l'adapter à la taille de votre trait..
Il est maintenant temps de brosser les triangles. Je les applique à chaque arbre, en effectuant de petites touches de haut en bas. J'essaie d'éviter de donner aux marques un aspect trop net ou uniforme. Je varie les tailles et même subtilement courbe mes traits pour mélanger les choses. Quand j'ai fini ça ressemble à ça.
Après avoir tracé tous les triangles, je les sélectionne simplement (sélectionnez-en un, puis sélectionnez Sélection> Même trait) et changez la couleur, en utilisant une couleur identique à celle utilisée pour les arbres eux-mêmes, en réglant le mode de fusion sur Multiplier, puis en tournant l'opacité à 70%.
Au fur et à mesure que je continue à ajouter des détails à l'image, j'affine également des zones et change des choses que je n'aime pas. Dans le cas des cyclopes, j'ajoute des détails de fourrure de la même manière que j'ai ajouté des détails semblables à ceux d'un nuage au lapin fumé, j'ajoute des dents, affine l'œil et ajoute quelques morceaux de maison pour plus de précision. Je change aussi les pieds et remodèle un peu les jambes pour les rendre plus à mon goût. Ici, rien d’extraordinaire, principalement des travaux de plume et quelques masques de coupure.
L'ajout de détails supplémentaires aide vraiment à élever une illustration et je pense que les modifications apportées ici la rendent assez évidente..
Je déteste vraiment laisser de grandes zones vides et plates dans mes illustrations vectorielles. L'aspect épuré de l'art vectoriel peut parfois sembler trop stérile et technique. Certaines personnes importent des textures ou ajoutent des éléments dans Photoshop. J'aime ajouter des détails vectoriels qui suggèrent des éléments abstraits et améliorent l'ambiance. Dans le cas des montagnes, j'ajoute des lignes déchiquetées et des casquettes de neige:
Comme vous pouvez le constater, le contraste est faible en utilisant des variations de couleur et des transparences subtiles. Une fois qu'ils sont tous entraînés, je les incorpore à la chaîne de montagnes à l'aide d'un masque d'écrêtage (méthode identique à celle utilisée ci-dessus à l'étape 3C)..
Au fur et à mesure que j'ajoute des détails, je peaufine les couleurs et déplace légèrement certains éléments pour améliorer la composition avant de commencer l'ombrage. Voici un aperçu de l'illustration après la phase de détail.
Shading est de loin l'une de mes étapes préférées dans la création d'une illustration. C'est quand je sens que la pièce prend vraiment vie. Il existe des milliers de méthodes et de combinaisons de méthodes différentes que les artistes vecteurs utilisent pour ombrager leurs objets et il semble que tout le monde aime leur chemin. J'utilise une combinaison d'objets en dégradés, de dégradés et de masques d'écrêtage, mais si vous utilisez une méthode d'ombrage différente, vous préférez utiliser ce qui vous convient le mieux. Ma méthode fonctionne pour moi parce que c'est rapide, qu'elle est basée sur l'ombrage d'objets (j'ai tendance à décomposer mes images en objets) et qu'il est vraiment facile de les modifier..
En suivant la même procédure que lorsque j'ai ajouté des détails à mon image, je commence par le calque le plus haut, qui est le lapin caché. C'est un bon objet sur lequel se concentrer pour cette étape car c'est assez simple.
Je vais commencer avec une oreille. Lorsque j'ai créé ce personnage, j'ai utilisé des masques de découpage pour envelopper tous les éléments (oreille et oreille interne) de chaque oreille. Cela aide énormément avec le processus d'ombrage, car tout ce que j'ai à faire, c'est d'entrer dans le masque d'écrêtage (un double-clic sur l'une ou l'autre oreille fera l'affaire). Après mon entrée, je dessine la forme de mon objet d'ombre.
Comme auparavant, je garde mes couleurs simples en utilisant une version multipliée de la couleur de l'oreille d'origine. Cela fait une très belle couleur d'ombre bleu profond. Remarquez également le large objet d'ombrage supplémentaire en dehors des limites du masque d'écrêtage. J'aurai besoin de ça pour bien tirer le drapeau.
Une fois l’ombre choisie, j’abaisse Effect> Stylize> Feather. J'ajuste le niveau de lissage jusqu'à ce que tout se passe comme prévu, en veillant à bien cliquer sur l'option Aperçu pour pouvoir voir ce que je reçois..
Une fois que j'ai fini d'ombrer une oreille, j'ajoute l'aspect de l'objet ombré au panneau Styles (il reste encore trois oreilles de lapin). Si je veux modifier le niveau de mise en drapeau, je peux toujours accéder aux paramètres de mise en drapeau de l'objet dans le panneau Apparence..
Outre les objets ombrés, j'ajoute presque toujours un dégradé à l'objet de base d'origine. Par exemple, j'ajoute ici un dégradé à la brousse dans laquelle se cache le lapin.
Dans ce cas, il y a déjà un objet d'ombre au-dessus de l'objet de base (le buisson), de sorte que le dégradé ne fait que le renforcer, ajoutant à l'illusion de profondeur et donnant à l'objet un autre élément esthétique qui aide à éviter les effets redoutés. trop propre regarder des images vectorielles peuvent avoir. Un conseil pour les utilisateurs de dégradés: la subtilité. Gardez les gradients bas contraste comme contraste élevé extrême les dégradés peuvent souvent conduire à une sensation d'amateur.
J'ajoute aussi des objets d'ombrage à des objets plus petits comme les yeux et les pieds, mais j'aime mélanger les choses et les laisser sans plumes. La raison? C'est un choix stylistique. Pour beaucoup, les ombres et les ombres ont tendance à donner à l'image un aspect un peu vaporeux et parfois (mais pas dans ce cas) même un peu trop réaliste. L'ajout de nuances dures et définies apporte une impression de sensations que j'aime vraiment.
De nouveau, je travaille à travers les différentes couches de la même manière, en ajoutant des ombres et des dégradés..
Pour le lapin de fumée, j'ai utilisé une version légèrement modifiée de la technique des objets d'ombrage à plumes décrite ci-dessus. Fondamentalement, j'ai créé un style graphique (remplissage bleu clair, jeu de fondu à multiplier, dégradé - comme indiqué ci-dessous dans le panneau Apparence), puis ajouté dans le panneau Styles, sélectionné le style et utilisé le nouveau pinceau Blob d'Illustrator CS4 à appliquer. il. Le pinceau blob ajoute une touche vraiment naturelle à l'ombrage. L'intégration d'un style à plumes crée une nouvelle approche plus naturelle de l'ombrage dans Illustrator..
Les maisons ne méritent vraiment pas beaucoup de temps, car ce sont des formes vectorielles assez simples. Je les dessine en 3D, l’ombrage est donc très tôt en place. Hormis l'ajout de dégradés et d'ombrages de petits détails (sous les avant-toits et autour du sommet de la cheminée), il y a un autre élément que j'ai ajouté: les rayures. Les rayures peuvent sembler sans importance, mais je pense qu'elles ajoutent vraiment au style et à la convivialité de la pièce. Leurs formes et leurs couleurs irrégulières ajoutent au dynamisme et aident à justifier la perspective délibérément imparfaite.
De telles techniques ont été popularisées au milieu du 20e siècle, lorsque des illustrateurs ont emprunté à l'infini au mouvement de l'art moderne. Les artistes de Google comme Jim Flora et Mary Blair pour voir ce que je veux dire. Ils sont une source d'inspiration sans fin.
Le grand monstre cyclope est sans aucun doute le personnage le plus complexe à ombrager, surtout compte tenu de la situation de son bras. Il est temps d'intégrer pleinement ses bras au reste de lui. Avant de le faire, j'affine ses mains en ajoutant des points avec l'outil Plume et en manipulant ces points..
Et ajoutez des détails et des fenêtres à la partie de la maison qu'il tient.
Je copie et colle les bras dans un nouveau calque appelé "bras supplémentaires". Je vais les utiliser un peu, mais pour le moment, je les cache. Je sélectionne les bras du calque "Big Monster", les envoie à l'arrière (touche Commande + Maj + Gauche du support) et utilise le panneau Pathfinder pour les unifier au reste du corps..
Puis j'ajoute un subtil dégradé au corps.
Ensuite, je montre à nouveau la couche "bras supplémentaires". En utilisant la gomme, je Couper les mains loin des bras faisant ce qui ressemble à des gants.
Et je sélectionne et supprime les bras.
J'applique un dégradé à chaque main pour les aider à les séparer et à les mélanger avec le reste du corps. J'utilise Illustrator CS4, je choisis donc de mélanger les mains en rendant un côté du dégradé complètement transparent (Opacité 0%).
Enfin, je verrouille le calque "bras supplémentaires" et ajoute des objets d'ombrage à plumes aux cyclopes de la manière décrite ci-dessus. Je nettoie aussi tous les détails ou incohérences que je remarque.
Voici un aperçu de l'image après l'ajout des dégradés et des dégradés.
Habituellement, pendant que je travaille, je modifie les couleurs et ajoute même des éléments qui, selon moi, amélioreront l’image. Dans ce cas, je pensais que les montagnes avaient besoin de plus de profondeur et je voulais approfondir certaines nuances, en particulier celles du lapin fumé..
Nous avons beaucoup d'ombres, mais aucune ombre n'a été projetée? Il est temps de régler ça.
Juste au-dessus du calque "routes", j'ajoute un nouveau calque appelé "ombres". Je dessine des formes d'ombre vagues dans trois couleurs vives différentes, faciles à distinguer. La raison pour laquelle j'utilise trois couleurs différentes pour mes ombres est simple: je vais créer trois styles graphiques différents et les appliquer à l'aide de Sélectionner> Même remplissage..
Vous remarquerez peut-être que j'ai créé des œuvres d'art en dehors des limites du Art Board. Je le fais presque toujours lorsque je crée des œuvres destinées à des murs ou à des expositions. Cela permet une certaine souplesse lors de l’impression, en particulier si vous devez redimensionner ou laisser un certain chevauchement. Par exemple, j'avais déjà dû imprimer des images sur une toile et j'avais besoin d'un fond perdu supplémentaire pour que l'image s'enroule autour des barres d'étirement sans compromettre la composition d'origine. Si vous avez besoin de nettoyer vos contours pour un client, il existe de nombreuses façons de le faire, mais lorsque je crée de l'art pour le plaisir de l'art, les contours négligés ne feront aucun mal..
Je pense que vous connaissez maintenant mon approche de la couleur: variations de couleurs déjà existantes dans l'image. Dans ce cas, je vais utiliser une sorte de couleur d'argile rouge, une variation plus sombre des couleurs utilisées pour le sol. Comme je l'ai mentionné précédemment, je créerai des styles graphiques pour chaque région de couleur. Fondamentalement, chaque style aura une couleur de remplissage avec le mode de fusion défini sur Multiplier, une opacité légèrement réduite et l'application de la coloration atténuée. Semble familier? C'est la même manière que j'ai créé l'ombrage. Je prévisualise toujours les styles avant de les appliquer en masse à un groupe d'objets à codage couleur. Comme le montre l'image ci-dessous, les ombres à l'arrière sont des versions assourdies de celles à l'avant, contribuant à établir l'illusion de profondeur..
Le moment est venu pour le dernier ajout majeur: la texture. Je crée toujours mes propres textures dans Illustrator, principalement à l'aide de pinceaux. Afin de simuler une "texture" de fourrure, je vais utiliser un pinceau d'art triangulaire personnalisé comme celui utilisé pour décorer les pins à l'étape 5, les mêmes paramètres de pinceau et tout le reste. Après avoir créé le pinceau, j'entre dans le masque de découpage d'un personnage et lui applique le nouveau pinceau, en utilisant des couleurs vives et discernables pour désigner la direction dans laquelle le pinceau est appliqué. Cheveux sont pointant.
Je sélectionne l'une des marques de pinceau et sélectionnez> Même course. Notez le contenu du panneau Apparence indiqué ci-dessous.
Ensuite, je développe l'apparence et dissocie complètement les objets. Le panneau Apparence doit les afficher comme chemin, pas comme groupe..
À ce stade, je sélectionne un seul cheveux et l'utiliser pour définir un style graphique pour le reste des cheveux se déplaçant dans la même direction. J'applique un dégradé bicolore, les deux couleurs étant définies sur la même teinte orange clair (surprise, une variation de l'orange d'origine utilisée pour le corps), mais je règle l'un des arrêts du dégradé sur une opacité de 0%. Cela aide les cheveux à se fondre. J'applique le dégradé à l'objet, en ne couvrant que la partie du cheveu que je veux mélange dans le corps. J'ajoute ensuite la nouvelle apparence au panneau Styles graphiques..
Je sélectionne ensuite l'un des objets violets, sélectionnez> Remplissage identique et applique le style que je viens de créer..
Je répète cette technique pour les autres couleurs, en utilisant le même dégradé, mais en modifiant la direction en fonction de la direction des cheveux.
Une fois que tous les cheveux ont été coiffés (har, har), je remarque que la fourrure du côté gauche du monstre a une couleur trop semblable à celle du corps du monstre. Je veux l'alléger, mais je dois d'abord sélectionner tous ces cheveux. Pour ce faire, je clique sur l'un des cheveux et sélectionnez Sélection> Même remplissage. Ceci, bien sûr, sélectionne tous les cheveux, alors je passe à l’outil Lasso (Q), je tiens la touche Alt enfoncée et je trace un lasso autour de tous les cheveux que je ne veux pas changer. Cela les soustraira de la sélection.
Ensuite, j'édite les couleurs du dégradé pour les objets toujours sélectionnés, en optant pour une couleur orange plus claire..
Comme auparavant, je répète ces étapes pour les autres objets ayant besoin de fourrure (les deux lapins).
Le dernier élément de texture que je vais ajouter est celui du ciel et du sol. Je vais les chatouiller avec un pinceau à dispersion. Je commence par dessiner un cercle noir de forme irrégulière et à le réduire à une taille vr
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