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Charlene Chua (également connue sous son surnom Sygnin) est une illustratrice basée à Toronto et une artiste numérique. Elle a travaillé comme graphiste, productrice Web et chef de projet interactif avant de se lancer à fond dans les illustrations. Charlene a un style d'illustration commercial varié et efficace.
Elle a réalisé des projets pour divers médias, tels que la publicité, les éditoriaux, les livres pour enfants, etc. Son travail a été publié dans les revues "Illustration West 43 et 45" et "Exotic 4 de Ballistic Publishing" de Los Angeles, ainsi que dans plusieurs autres livres d'art. Nous avons profité de l'occasion pour parler avec cette artiste talentueuse de son travail et de ses expériences en tant qu'illustratrice..
1. Bonjour Charlene, bienvenue sur VECTORTUTS! Donnez-nous une petite biographie de vous-même; dites-nous d'où vous venez et ce qui vous a poussé à poursuivre les arts numériques.
Salut! Merci pour l'interview VECTORTUTS! Je m'appelle Charlene Chua et je suis illustratrice à plein temps à Toronto. Je suis né à Singapour et y ai vécu jusqu’à ce que j’ai déménagé au Canada avec mon mari en 2007. Mon parcours est varié, mais il a toujours été axé sur les arts appliqués; J'étais un graphiste, un concepteur web, un producteur web et un chef de projet interactif avant de me lancer dans l'illustration en tant que carrière à plein temps. L’illustration a toujours été ma préférence (bien, à moins que vous ne comptiez dans vos rêves d’enfance de paléontologue), bien que les choses soient comme en Asie, ce n’était pas une perspective très intéressante à cette époque.
Samurai Duel
2. Quels sont vos souvenirs de votre tout premier pinceau avec illustration vectorielle? Avez-vous reçu une formation formelle? Combien penses-tu que ton art a évolué depuis??
Je me souviens de la première fois que j'ai utilisé un programme vectoriel. J'étudiais les communications visuelles dans une école à Singapour et une partie de notre cours était une introduction aux logiciels graphiques. C'était en 1997 environ et les logiciels graphiques commençaient à prendre le contrôle de l'industrie, mais ils étaient encore très primitifs par rapport aux versions actuellement sur le marché. Je pense que certains des ordinateurs de laboratoire ont peut-être encore des versions de Photoshop qui n'ont pas de couches, et nous avons tous travaillé avec une simple annulation (ce qui était encore mieux que l'absence de bouton d'annulation), je pense. Ou peut-être que je souffre de sénilité précoce et que je me souviens de choses qui ne vont pas!
Quoi qu’il en soit, l’un des cours était une introduction à Freehand. Freehand était le standard de l'industrie Couteau suisse à Singapour - il a été utilisé pour tout, de la création de logo aux brochures en passant par les emballages. Comme beaucoup de gens, ma réponse initiale à l'outil Plume était qu'il s'agissait d'un outil horrible et déroutant qui semblait avoir sa propre idée. Un autre élève de la classe, plus familiarisé avec le programme, a dû me montrer comment utiliser l'outil Plume pour créer des courbes de Bézier avec des points d'ancrage et des poignées. Il m'a fallu un certain temps pour m'y habituer et au début, je n'utilisais guère Freehand pour autre chose que la mise en page..
Mais finalement, j'ai commencé à aimer travailler dans Freehand, car je me suis rendu compte que c’était parfait pour obtenir les résultats qui me plaisaient (qui, à l’époque, consistaient en des couleurs plates et des dégradés uniformes et lisses). En tant qu'amateur raté au pinceau, Freehand m'a aidé à faire ce que je voulais avec l'aérographe sans tous les maux de tête, au sens figuré et au sens littéral. Avec le temps, j'ai commencé à finir les œuvres avec le programme, et cela a évolué dans la façon dont je travaille aujourd'hui.
Ma façon de travailler a bien évidemment beaucoup changé depuis que j'ai commencé à travailler avec Freehand, en partie depuis que je suis passé à Illustrator, qui propose un sac à outils beaucoup plus grand que Freehand (qui est pratiquement mort depuis longtemps). Je travaille beaucoup plus vite maintenant, grâce à des années de pratique de travail de mes images dans mon style, mais en même temps, j'aimerais penser que je suis toujours en train d'évoluer et d'essayer de trouver de nouvelles choses à faire en vectoriel.
Plongeur asiatique
3. Vous avez commencé avec Freehand, qu'est-ce qui vous a amené à Illustrator? Quels sont certains des avantages et des inconvénients de travailler dans Illustrator pour vous? Quels sont les autres programmes ou logiciels que vous utilisez??
D'une part, cela m'a rendu fou de constater qu'il n'y avait pas de calibrage des couleurs entre Freehand et Photoshop à la fois. Les couleurs seraient très différentes et je ne pourrais jamais dire lequel était le plus correct. Je suis sûr que ma configuration n'a pas été calibrée aussi bien que maintenant, mais malgré tout, la variation de couleur m'a vraiment dérangé.
Le tournant fut cependant lorsque j’ai eu besoin d’exporter un morceau particulier que j’avais fait dans Freehand MX en tant que fichier TIFF haute résolution. L'image concernait la taille d'une lettre et j'essayais de l'exporter à 300 dpi. J'avais utilisé pas mal de flous et d'effets d'éclairage (j'oublie comment ils s'appellent exactement mais ils fonctionnent fondamentalement de la même façon que les modes d'éclairage). L'exportation, qui semblait accrocher mon ordinateur, a pris plus de 5 heures. Exaspéré, j'ai essayé d'ouvrir le fichier dans Illustrator et de l'exporter à partir de là. Illustrator a pris moins d'une minute pour faire la même chose.
Maintenant, j'ai peut-être fait quelque chose de mal dans Freehand - peut-être y avait-il une commande quelque part pour aplatir l'image ou quelque chose que je ne connaissais pas. Mais voici l’autre chose: lorsque j’ai essayé de trouver de l’aide en ligne, il n’y avait pratiquement aucune information sur Freehand, à part des éléments marketing et des critiques générales de produits. Illustrator, en revanche, disposait déjà d'une base d'utilisateurs en bonne santé, qui avait apporté une aide considérable à ses utilisateurs via des forums, des tutoriels et des sites tels que vous-même..
Donc, mon commutateur était pratique. J'avais besoin de quelque chose qui fonctionnait plus vite et le support supplémentaire en ligne ne me faisait pas mal. Il a fallu un certain temps pour s’habituer aux commandes dans Illustrator, mais je suis très heureux d’avoir effectué le changement. Overall Illustrator est un logiciel beaucoup plus artistique que Freehand. Ses capacités de calibrage avec d'autres programmes Adobe facilitent grandement son travail. Certains contrôles moins artistiques de Freehand me manquent parfois - il disposait des outils de mesure les plus robustes, ce qui le rendait excellent pour la conception de conceptions très précises. Il était plus facile de contrôler la courbure des angles arrondis et sa fonction de duplication ou de clonage était plus agréable à utiliser que Copier et Coller d'Illustrator devant / arrière. Freehand vous a également permis de créer plusieurs documents, ce qui était très pratique pour la conception de brochures, etc. Couteau suisse alors qu'Adobe vous oblige à apprendre et à utiliser deux programmes ou plus pour faire la même chose.
Vraies femmes au foyer de new york
4. Expliquez-nous la création d'une œuvre d'art typique. Quelle part de votre processus de création se déroule selon les méthodes traditionnelles? Quelle est la première étincelle qui vous amène à commencer sur une pièce?
Euh, bien souvent la première étincelle est la promesse d'être payé à la fin d'un travail!
Mais sérieusement, je travaille sur mes pièces personnelles et commerciales de différentes manières. Pour les pièces commerciales, je prends un brief du client et une fois que nous avons convenu d'un prix, je me mets au travail. Parfois, cela implique de créer des vignettes de concept très approximatives pour donner quelques idées générales sur ce qu'il faut faire pour l'image. D'autres fois, ce n'est pas nécessaire et je vais directement à la création d'un croquis. J'ai tendance à faire mes croquis à l'ancienne, avec des crayons et du papier. Dernièrement, j'utilise plus souvent Photoshop pour effectuer des retouches de dessin et de composition, mais la plupart du temps, je dessine toujours des choses à la main sur du papier..
Quoi qu'il en soit, une fois l'esquisse terminée, elle est envoyée au client qui l'approuve ou suggère des modifications. Il est rare qu'un client refuse totalement un croquis - je ne sais pas si c'est particulier à moi ou si c'est le cas de la plupart des illustrateurs. Mes derniers croquis sont toujours dimensionnés aux dimensions correctes d'une pièce, ou du moins proportionnels (c'est un peu indiscipliné d'avoir un croquis de la taille réelle d'un panneau publicitaire). Dans la mesure du possible, j'insère des éléments tels que des boîtes de mots et des lignes de gouttières pour que le directeur artistique puisse plus facilement voir s'il y a des modifications de dernière minute à apporter..
Une fois l'esquisse approuvée, je la numérise et l'importe dans Illustrator. Ensuite, je commence le rendu en fonction de cela. Normalement, je ne planifie pas ma palette de couleurs à l’avance. J'ai une palette de couleurs générale dans la tête et je choisis mes couleurs au fur et à mesure. Le bon côté de travailler dans Illustrator est que si une couleur ne fonctionne pas comme vous le souhaitiez, vous pouvez la changer facilement jusqu'à ce que cela fonctionne pour vous. Le rendu prend généralement plus de temps que de dessiner l'esquisse, mais d'un autre côté, je trouve que c'est la partie la moins stressante de la création de l'illustration. Le travail principal pour moi vient de générer des idées et d'équilibrer les choses dans un croquis.
Poussin de roche
5. Vous ne faites pas que des arts vectoriels, bien qu'ils constituent la majorité de vos œuvres. Vous utilisez également d'autres médias. Donc, une fois que vous avez une idée, ce qui détermine si cela devient une pièce vectorielle, une peinture numérique ou même?
Depuis que j'ai déménagé au Canada, je me suis sentie plus en paix avec moi-même et mon travail et, pour la première fois depuis de nombreuses années, j'ai parfois l'impression d'avoir besoin de m'exprimer sans le fardeau d'essayer de communiquer quoi que ce soit en particulier..
Je pense que vous avez remarqué les morceaux d'encre sur mon site, sous le yume section. Ce sont mes nouvelles pièces personnelles, faites par moi et, en grande partie, pour moi. Bien que j'aime travailler dans Illustrator, il est bien marié à la partie monstrueuse du contrôle. En tant que tel, lorsque j’y travaille, j’ai tendance à être obsédé par la précision des choses et cela va à l’encontre du plus expressionniste, peut-être arty une partie de moi.
Les morceaux d’encre et de supports naturels sont donc une solution. J'imagine que la règle générale dans ma tête actuellement est que si c'est pour le travail, ce sera Illustrator plus Photoshop. Si c'est expérimental ou promotionnel, alors ça peut être un mélange de numérique et traditionnel, mais finalement numérique parce que je vendrais toujours mes services en tant qu'illustrateur numérique et non traditionnel. Si c'est pour moi alors il peut être numérique et traditionnel, avec un accent plus important sur les techniques et applications traditionnelles.
Fille de l'espace
6. J'ai vu ton vidéo démontrant le rendu d'une Spacegirl dans Illustrator et votre rapidité et la précision de ces lignes nettes et époustouflantes me fascinaient. Vous maîtrisez parfaitement les outils Illustrator. s'il vous plaît nous donner un aperçu sur la façon de développer de telles compétences. J'ai aussi remarqué que vous avez retourné votre illustration horizontalement à un moment donné avant la conclusion, pourquoi?
Merci de le regarder! C'est rapide capricieux up, évidemment, mais toujours un rendu assez rapide. Je pense que la vidéo est en réalité 48min. J'ai pris des pauses entre (ordre du docteur!).
Vitesse, tout est toujours question de montrer votre maîtrise de quelque chose. La clé est de savoir comment vous faites ce que vous faites. Il existe de très nombreuses façons de travailler dans Illustrator et tout ce que je montre, c’est vraiment la façon dont je travaille avec mes méthodes à une vitesse presque optimale. J'ai dans ma tête une série de touches de raccourci et de raccourcis mémorisés pour que je n'ai plus besoin de regarder le clavier pour les activer. Et il y a des routines qui sont semi-automatiques pour moi juste parce que je les ai répétées pendant des années. J'ai aussi des palettes personnalisées, ce qui me permet de gagner beaucoup de temps, car je n'ai pas à remixer encore et toujours les nuanciers couramment utilisés..
Le truc de retournement est un vieux truc que la plupart des enfants qui veulent être des dessinateurs de bandes dessinées dans les années 80 doivent savoir. Il provient d'un vieux livre intitulé "Comment dessiner des bandes dessinées à la manière des merveilles". Selon le livre, retourner l'image vous aide à repérer plus facilement les erreurs. Ma théorie est que vous devenez habitué à voir les choses d'une manière, donc lorsque vous les retournez, vous pouvez voir les choses avec un œil plus impartial. Encore une fois, c’est quelque chose que je fais depuis des années, avec du papier calque, une boîte à lumière et maintenant l’ordinateur. Cependant, ne le faites pas trop souvent, sinon vous vous habituez à voir votre photo des deux côtés et vous ne pouvez plus raconter les erreurs.!
Tween party
7. Quel est votre outil, astuce et technique Illustrator préférés? Utilisez-vous habituellement des effets spéciaux ou des astuces que vous voudrez peut-être partager??
Mon outil Illustrator préféré est probablement les modes d'éclairage. C'est la même chose que dans Photoshop - définir quelque chose sur Multiplier et tout ce qui devient blanc devient immédiatement transparent. Je l'utilise beaucoup sur les ombres. Bien que j'entende dire que CS4 fonctionne avec les dégradés d'une manière nouvelle, cette astuce est sur le point de devenir obsolète!
Maux de tête au bureau
8. Vous avez fait beaucoup de travail en entreprise. Que faites-vous pour que le client obtienne ce qu'il veut? Aimez-vous le faire autant que votre travail personnel?
En ce qui concerne le travail du client, j'ai toujours le brief en tête et j'essaie de le réaliser de la meilleure façon possible. Parfois, cela signifie que je dois être très précis dans la représentation des choses, et parfois je dois proposer des idées intéressantes. J'ai une gamme dans mon style et je considère que c'est le mieux à utiliser en fonction de la nature de l'image, du budget et du temps dont je dispose pour travailler sur quelque chose. En fin de compte, je veux faire quelque chose qui satisfasse le client et j'espère que je pourrai être fier de l'avoir fait aussi.
J'apprécie le travail de mes clients, bien que légèrement différent de mes propres œuvres. Le travail des clients est un défi car je dois considérer l'illustration dans un contexte plus large. Donc, j'aime le défi de faire quelque chose, étant donné les restrictions d'un morceau. Quand il s'agit de mon travail personnel, j'aime m'amuser avec des idées ou des techniques, ou dessiner quelque chose que j'aime encore et encore.
Tim à l'école
9. Vous écrivez aussi pour les magazines Photoshop Creative et Official Painter, veuillez nous en dire un peu plus à ce sujet. Quels sont les types d'articles que vous avez écrits? Vous avez également un site Web qui sonne, Vectortutes.com, avez-vous l’intention de rédiger des tutoriels??
J'ai écrit différents types d'articles pour les deux magazines. Les rédacteurs en chef (les deux très gentilles dames) me contactent généralement avec une idée d'article déjà à l'esprit et me disent combien de pages cet article est censé être. Ensuite, c’est à moi de créer le tutoriel et de rédiger l’article. Les articles que j'écris ont tendance à être destinés aux lecteurs débutants à intermédiaires, et j'essaie de créer des tutoriels pouvant être réalisés. Je déteste quand je lis un tutoriel qui contient des illustrations brillantes, mais lorsque j'essaie de suivre le tutoriel, je ne peux tout simplement pas obtenir les mêmes résultats car les instructions sont trop vagues..
Par coïncidence, j'ai acheté vectortutes.com à peu près au même moment (je pense) que vous aviez commencé avec VECTORTUTS et les autres sites. J'espère que cela n'a pas causé beaucoup de confusion! Au départ, je voulais faire des tutoriels sur les vecteurs et les mettre sur le site, mais je n’ai tout simplement pas eu le temps d’en écrire de bons. Peut-être finirai-je éventuellement par en faire plus, bien que je préfère écrire un livre ou quelque chose du genre si c'était le cas.
Pochette Julie Black Belt
10. Vous avez un large éventail de styles, des illustrations pour enfants aux portraits, de l’art abstrait à la séduisante femme séduisante. Dans quelle mesure est-il facile ou difficile de passer du dessin à l’autre? Quels sont les éléments que vous gardez à l’esprit lorsque vous vous adressez à un public aussi varié??
Ce n'est généralement pas un gros problème pour moi de basculer entre mes propres styles. Si un client dit qu'il aime l'aspect d'une pièce en particulier, je sais comment je l'ai dessiné et je peux lui donner quelque chose de similaire. Jusqu'à présent, le seul problème réel a été le conflit entre les photos de filles sexy et le travail de mes enfants. Évidemment, les deux ne vont pas très bien ensemble du point de vue thématique, bien que ce qui est étrange, c’est que j’ai eu des emplois dans lesquels la cliente aimait mes photos de filles mais voulait faire quelque chose pour les enfants.
Quoi qu'il en soit, pour réduire la confusion, j'ai supprimé la plupart des images féminines de mon site actuel. J'ai relancé sygnin.com (le nom de mon site d'origine et le surnom que la plupart des gens qui aiment mes photos féminines me connaissent grâce à DeviantArt) en tant que site distinct pour héberger les images de pin-up.
Les avocats
11. Vous aimez dessiner, tentatrice et belle femme sensuelle. Pourquoi donc? Wcomment saviez-vous que vous pouviez les dessiner aussi bien? Comment cela a-t-il évolué?
J'aime juste dessiner ces femmes. Qui sait, c'est peut-être juste une expression de ce que je veux vraiment être ou de quelque chose. Mes femmes pensent toujours à quelque chose, mais elles ne vont pas simplement vous dire ce qu'elles veulent ou pourquoi. C'est un jeu de chat et de souris. C'est ce que je pense quand je les dessine quand même.
Quand j'étais enfant, j'ai ramassé un exemplaire de "Conan le barbare" et c'était un beau morceau illustré par Ernie Chan où figuraient Conan, Red Sonja et Valeria. J'ai juste aimé la façon dont les personnages féminins étaient si capables dans l'histoire et ils avaient l'air beaucoup mieux que Conan. Quelques années plus tard, je pense (assez embarrassant) que je regardais le premier dessin animé X-Men des années 90 à la télévision et que j'aimais juste les personnages féminins. J'ai pris quelques copies de X-Men, y compris celles de Jim Lee, et pendant un moment, j'ai essayé de dessiner comme tous les autres grands auteurs de bandes dessinées des années 90.
Le problème principal était que, même si j'aimais dessiner les filles, je détestais dessiner de gros mecs musclés en collants. Puis un jour, j’ai remarqué un magazine de manga et j’ai vraiment préféré le look des gars là-bas. Et il semblait plus facile de dessiner de toute façon. Mon style a donc évolué pour incorporer des éléments de manga et d'anime, dans l'espoir d'équilibrer les garçons et les filles. Ca n'a pas vraiment marché pour les gars puisque je préférais toujours dessiner les filles.
Pendant un certain temps là-bas, j'étais obsédé par le dessin de la fille parfaite et, pour être honnête, je pense l'avoir fait avec les images Goth Girl et Basque. C’est ce que je voulais dessiner et, après les avoir réalisées, il m’était plus difficile de créer de nouveaux dessins de pin-up qui me satisferaient. Je me suis aussi un peu lassé de dessiner des filles sans arrière-plan. Je dessine toujours des filles (elles sont particulièrement bonnes pour les sketches d’échauffement) mais ma liste n’est pas aussi haute qu’avant et maintenant vous savez pourquoi. C'est cool de faire cette pièce de temps en temps, mais il en faudrait beaucoup pour que je commence une grande collection à ce stade..
Talwyn-Apogee
12. Avez-vous une pièce préférée que vous avez créée? Et si vous le faites, pourquoi est-ce votre préféré?
Oooo… c'est une question difficile! C'est comme demander lequel de vos enfants vous préférez!
Eh bien… je pense assez souvent que la dernière chose que je fais est ce que je préfère. Et puis je fais autre chose et cela devient ma pièce préférée. J'ai un vieil art de mes 16 ans que j'aime beaucoup. J'en suis toujours très fier, non pas parce que ça a l'air génial, mais parce que je me souviens de l'avoir fait par amour et par frustration à l'époque. Je me souviens aussi de l'avoir montrée comme un élément du portfolio pour entrer dans les écoles et pour obtenir des réponses tièdes de la part des enseignants, car ce n'était pas une peinture de nature morte ou une sorte d'art classique asiatique. Une image est celle d'un chevalier avec une bordure de type celtique et l'autre est une sorte de fille fantastique indifférente portant une épée sur sa poitrine (qui a été un motif courant avec moi au fil des ans).
Candy - Halloween'04
13. Pensez-vous que les choses changent pour la communauté du design? Les choses s'améliorent-elles globalement et localement? Quels objectifs avez-vous pour vous?
J'aurais bien peur que la communauté du design ne change pas toujours. Je veux dire, le design existe pour répondre aux besoins de la société, et la société devrait se transformer constamment.
Je pense qu’à l’heure actuelle, il existe beaucoup de chevauchements entre bon nombre des arts du design grâce à la technologie. Les outils sont devenus plus accessibles et les connaissances circulent beaucoup plus librement sur Internet. Là où il y a vingt ans, vous auriez un maquettiste, un designer et un illustrateur, ces jours-ci, une personne pourrait faire le travail des trois. Il y a évidemment un bon et un mauvais côté à cela. Je pourrais faire une liste des bons et des mauvais, mais je pense que cela durerait très longtemps! Peut-être pourrions-nous garder cela pour un autre article à l'avenir?
Pour ce qui est des choses qui s'améliorent ou pas… encore une fois c'est une très longue liste de oui et de non. À l’heure actuelle, avec l’économie mondiale en plein essor, j’ai le sentiment que l’ambiance générale aura un impact sur le secteur du design. Je pense que la perception est qu'il y aura moins d'emplois en circulation, ou des emplois avec des budgets réduits. Je ne suis pas en désaccord avec cela, mais je ne pense pas que ce sera un désastre pour l'industrie. Les choses finiront par rebondir.
Mes objectifs… hm, je ne sais pas vraiment. J'ai des objectifs permanents qui sont assez ennuyeux, comme essayer d'obtenir de nouveaux clients, explorer mon art. Oh oh je sais! Mon grand objectif est d'être heureux! Ou… ne soyez pas malheureux!
La vie de travail
14. Charlene, merci beaucoup pour l'interview! Tout conseil ou mot pour quelqu'un qui souhaite faire carrière dans l'illustration et l'art numérique?
Merci de m'avoir interviewé! C'était très drôle.
Des conseils pour ceux qui veulent être illustrateur? Comme toujours - ayez de l'argent à dépenser! Comme pour tout emploi indépendant, le revenu n'est généralement pas une certitude et il peut falloir un certain temps pour constituer une clientèle. Soyez réaliste: économisez de l'argent, habitez chez vos parents ou trouvez un deuxième emploi pour rester en vie le premier peu. Soyez patient et continuez d'essayer. Construire un portefeuille avec un style fort et cohérent.
Plongeur
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