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La conception des personnages se décline en plusieurs styles, mais ils commencent tous par une esquisse approximative. Souvent négligés dans les didacticiels en ligne, les vidéos de techniques et de processus, ils constituent le fondement de la création de personnages de qualité. Vous trouverez ci-dessous un aperçu des esquisses de certains artistes en création de personnages, avec différents styles et approches..
Ce billet est le troisième jour de notre séance d’illustration du personnage. Sessions créativesCet article offre au lecteur un aperçu des lignes sur papier - et pas seulement de l'illustration finie -, mais également un aperçu du processus de réflexion de ces artistes au stade du croquis approximatif. J'ai demandé à quelques designers de personnages dont j'admire le travail de partager avec nous comment leurs personnages prennent vie. Je vais commencer par mon propre processus, puis continuer à partager le travail inspirant de mes collègues concepteurs de personnages.
J'aime travailler très librement au stade du croquis approximatif. En fait, j'ai commandé des porte-mines en provenance de Russie avec des dérivations de 5,6 mm afin d'éviter de rentrer dans les détails à ce stade du processus. Cela correspond au style de dessin au trait que j'utilise dans mon travail d'illustration..
Comme vous pouvez le constater à partir de l'esquisse de ce personnage de dessin animé que j'ai récemment créé pour un client, l'esquisse initiale est très lâche. Ce que je cherche à atteindre ici est énergie, débit et rythme. Je cherche à trouver des proportions globales pour travailler avec et à voir comment les formes travaillent ensemble, y compris l'espace négatif.
Je vais travailler sur 5-10 d'entre eux pour commencer. Pas de gomme, juste du graphite. Je le fais spécifiquement pour éviter de retravailler l’esquisse ou de trop focaliser sur les détails. Cela vient ensuite.
L'étape suivante consiste à importer l'esquisse dans Photoshop et à tout affiner. Avec une tablette graphique Wacom Intuos4 et la nouvelle fonctionnalité Rotation du canevas de Photoshop CS4, il est beaucoup plus facile d'imiter le processus d'esquisse sur papier, avec l'avantage supplémentaire des calques et de tous les autres outils disponibles..
Une fois l'esquisse finale terminée, elle est utilisée de très près comme modèle lors de la création de l'illustration finale sous forme vectorielle..
George Coghill est un illustrateur et dessinateur spécialisé dans la conception de personnages de dessins animés pour mascottes et logos. Son travail peut être vu sur CoghillCartooning et sur son blog, et vous pouvez le suivre sur Twitter @gcoghill.
Après avoir étudié le mémoire du projet et recherché des références, je commence à griffonner dans Photoshop avec mon Wacom Cintiq. Depuis que je l'ai achetée, j'ai oublié le papier et le crayon et je fais tout numériquement parce que c'est plus rapide. Je peux faire beaucoup de transformations et de corrections que je ne peux pas avec les médiums traditionnels.
La première chose que je fais est d’essayer d’obtenir la bonne pose qui communique l’attitude souhaitée. Pour le Otter Ninja, je recherchais une attitude méchante et énervée, mais toujours mignonne. Je fais le mannequin traditionnel et travaille la pose jusqu'à ce qu'il soit clair, en prenant soin des proportions et des lignes d'action.
Quand je suis satisfait du croquis, je baisse l'opacité, pose un calque sur le dessus et retravaille le croquis encore et encore, en ajoutant de plus en plus de détails jusqu'à l'obtention du dernier croquis..
Lorsque j'obtiens l'esquisse finale, je travaille le dessin au trait final en haute résolution (environ 7 000 x 7 000 pixels) avec Wacom Cintiq et Photoshop. Si nécessaire, j'utilise Illustrator pour vectoriser le lineart et modifier l'épaisseur de ligne..
Sergio Ordóñez est un graphiste et illustrateur espagnol indépendant basé à Berlin et âgé de 31 ans. Découvrez son blog, son portfolio, ses pages Twitter et DeviantArt.
Pratiquement tous mes projets commencent par des croquis au crayon. La plupart de mes travaux portent sur la modélisation 3D, mais je travaille sur la conception des personnages dans un carnet de croquis Moleskine à l'aide d'un crayon HB ou d'un Faber Aquarelle. De temps en temps, je dessine avec Wacom dans Photoshop, mais j'aime bien la sensation décontractée d'un crayon sur papier..
Après avoir reçu le mémoire initial, je passe un peu de temps à jeter quelques lignes de manière très vague en me concentrant sur la forme et la forme et pas grand chose d’autre. Une fois que j’ai trouvé une belle forme ou silhouette qui répond aux besoins du travail, je commence à la peaufiner un peu et j’affine davantage de détails, yeux, caractéristiques, accessoires, etc..
Si le design commence à fonctionner, je ferai quelques redressements approximatifs pour avoir une idée du personnage dans l'espace 3D. Si cela doit être modélisé, je dois penser dès le départ à la 3D. Pour un modèle de personnage, vous pouvez créer un modèle à partir d'images de référence importées dans des fenêtres. Dans ce cas, vous avez besoin d'une image représentant les profils avant et latéraux..
Avec la modélisation par boîte, cela ressemble beaucoup plus à travailler avec de l'argile et vous affinez un personnage à partir d'une primitive de base dans une vue en perspective..
Savoir comment je compte modéliser un projet dicte la manière dont je vais préparer le croquis initial. Avoir un personnage créé en 3D au stade du crayon fait gagner du temps plus tard.
L’exemple que j’ai utilisé ici est celui d’un personnage appelé Spring Heeled Jack et j’ai voulu clouer un grand gars aux cheveux roux et au look de chair de poule. J'ai fait environ cinq pages de formes et deux d'entre elles sont devenues la base de Jack (voir les pages de Moleskine). Je raffermis certains de ses contours et détails, puis avançai et esquissai tout son corps dans quelques poses différentes. J'ai utilisé un contour d'encre forte sur mes traits au crayon.
Glen Southern est un modeleur de personnage indépendant qui travaille depuis son studio à Cheshire, au Royaume-Uni. Son travail est utilisé dans la conception de télévision, de films, de jeux et de jouets..
Consultez-le en ligne sur southerngfx.co.uk, son blog et sur Twitter sous le nom @southerngfx.
Faire un croquis grossier pour moi, c’est comme ouvrir les portes de mon esprit. Certaines des images que je dessine sont appropriées et d’autres ne le sont pas et c’est correct. Sur ce projet spécifique, ma fille est entrée par hasard dans mon studio et elle a également été mise au courant. J'ai tellement aimé son idée que je l'ai déchirée et réutilisée. J'appelle ça "Droit d'auteur génétique."
Sérieusement, j’utilise habituellement un vieux crayon 2B. 2B ou pas 2B, c'est le crayon. Je pourrais aussi utiliser mon crayon mécanique, mais rarement, car à ce stade-ci, il s’agit simplement de capturer des idées et de commencer la formulation de visuels sans les affiner. Au moment de l'inspiration, je m'appuie également sur n'importe quoi, qu'il s'agisse d'un papier ordinaire, de papier à lettres ou d'une serviette. L'inspiration me frappe à toute heure de la journée et je peux rarement la planifier. Je m'assure donc de la capturer dès qu'elle survient..
Je suis aussi un passeur de griffonnage. Même si je dessine quelque chose que je n'utiliserai pas, je le sauvegarde, le range dans un dossier pour pouvoir le référencer plus tard. Je l'utilise éventuellement comme tremplin pour une autre idée. Énergie créative renouvelable, si vous voulez.
On peut trouver Von Glitscka en ligne à GlitschkaStudios.com et twitter en tant que @vonster.
Lors du démarrage d'un projet, j'essaie d'obtenir autant d'informations que possible du client. De là, je commence par de très petits croquis approximatifs. À ce stade, j’essaie juste de comprendre les formes et les gestes rapides du personnage..
Travailler petit me permet de ne pas me perdre dans les détails (ce que j'ai tendance à faire).
Une fois que j'ai un petit croquis qui, à mon avis, fonctionnera bien, je commence à travailler plus gros pour resserrer le geste, ajouter des détails et exprimer. Souvent, cette deuxième étape se transforme en esquisse finale (en fonction de la complexité de la conception du personnage) ou il y en aura une de plus, plus grande et encore plus serré dessin.
Une fois que j'ai un croquis final, je l'envoie au client pour approbation, puis c'est le moment de la couleur! Mes crayons à dessiner préférés sont les crayons bleus Col-Erase de Prismacolor et les crayons mécaniques Bic.
Vous pouvez voir tout ce que Katie aime dessiner sur ses sites Web: katiemcdee.blogspot.com et katiemcdee.com.
Ce ninja a été créé pour la campagne de messagerie d'un client. Il ne guérit pas le son. Comme dans le cas de son travail de guérison non-particulièrement-noisette-et-hippie. Il adore utiliser le chocolat et les ninjas pour expliquer son travail, d'où le ninja et le cookie d'enregistrement..
Habituellement, je vais envoyer à un client des croquis approximatifs avant de plonger dans le dessin final, mais cela dépend aussi de la personne avec qui je travaille. Parfois, les gens peuvent être déconcertés et effrayés par les brutalités. Il est donc préférable d’envoyer de l’art "final" pour peaufiner. Il faut beaucoup de temps pour connaître un client pour prendre cette décision, et les deux peuvent très bien s’ils sont utilisés avec la personne appropriée..
Dans ce cas, tous les croquis que je faisais étaient uniquement dans mon intérêt, alors je travaillais beaucoup plus dur que si je les montrais au client. Comme je travaillais en voyage, j’ai utilisé mon iPhone pour prendre une photo du croquis. Ce projet utilisait la numérisation dans les ghettos et le croquis le plus brutal de tous les temps. Les parties les plus importantes pour moi sur le papier étaient l’énergie et le placement de base des objets. Je voulais aussi créer ce personnage dans un carré afin de donner à mon client le plus grand nombre de possibilités pour l'insérer dans ses courriels et son site Web. J'ai donc dû l'inscrire dans le croquis..
Mon processus dans Illustrator est simple. Je mets l'esquisse sur un calque, réduis l'opacité et le verrouille. Sur un nouveau calque, je commence à créer des formes simples pour décrire la figure. Ensuite, je commence à peaufiner les formes (pas encore de remplissage) pour sculpter le personnage. Dans les dernières étapes, je vais utiliser des coups de pinceau pour créer des accents et des éléments qui nécessitent un certain talent, comme sa ceinture, ses sourcils et ses poignets. Celles-ci nécessitent davantage une technique picturale, ce qui est surtout le cas pour ma tablette graphique. Ensuite, je commence à déconner avec les couleurs, que vous pouvez voir dans ce cas sont minimes.
Apprenez-en davantage sur la façon dont David crée des œuvres d'art pour ses clients sur son site, à l'adresse sparkyfirepants.com..
Je travaille généralement en vrac lorsque je commence le processus de création de personnage. À ce stade, je me concentre sur la forme, les proportions et la recherche d’une silhouette globale qui se lit bien - quelque chose qui capture l’essence du personnage. Le formulaire doit ajouter des informations visuelles qui capturent la personnalité ou la nature du personnage.
Le Minotaure, tel qu'il est décrit dans l'histoire, a été enfermé très tôt dans le labyrinthe. Il était de sang royal, moitié homme et moitié taureau. Il s'est régalé de victimes involontaires qui ont été envoyées dans le labyrinthe. J'ai essayé de renforcer son regard menaçant en dessinant le personnage avec des lignes nettes et anguleuses. La conception de mon personnage est largement influencée par l'animation. Les détails sont minimes au profit de la simplicité.
J'expérimente souvent différentes formes pour la tête et le corps. Pour la tête, en plus de la forme générale, j'aime voir les effets de déplacer la ligne horizontale des yeux vers le haut ou le bas, ou de faire varier l'espace entre les yeux. Ces techniques, utilisées isolément ou collectivement, peuvent créer un caractère radicalement différent. L'objectif global pour moi est de trouver un design qui reflète la personnalité du personnage. Le processus d'exploration est la partie que j'apprécie le plus!
Je laisse tous les détails pour l'étape d'encrage, qui sont effectués numériquement à l'aide d'une tablette Wacom Intuos4 et de Corel Painter X. Les couleurs sont appliquées à l'aide de Photoshop. Dernièrement, mon flux de travail est 100% numérique, avec une tablette, Painter X et Photoshop CS4..
Krishna M. Sadasivam est un illustrateur et caricaturiste numérique indépendant basé à Tampa, en Floride. Son travail peut être trouvé à SivamStudios.
Lorsque je découvre pour la première fois l'idée d'un personnage seul, je suis généralement très enthousiasmé par la photo, le personnage en action pose, faisant toutes sortes de choses hyper folles. Ils me semblent très vivants, même si en réalité je sais très peu à quoi ils ressemblent.
Quand on me demande de créer un personnage pour quelqu'un d'autre, je jette généralement quelques formes approximatives, ou un visage, et je finis par être submergé par le même sentiment d'excitation que je ressens à propos de mes propres idées de personnage. Ils semblent alors très vivants à nouveau et je les vois et les sens bouger et parler.
Mon approche de la phase de croquis approximatif commence par des formes graphiques aléatoires qui illustrent, espérons-le, l'action personnelle ou une action que je vois faire dans mon esprit. Au début, j'essaie de résoudre ce problème très rapidement, en essayant de capter l'énergie du personnage et l'enthousiasme que j'ai pour les dessiner..
Ces formes finissent par être beaucoup de cercles et droit à la courbe formes pour produire un type de conception graphique UPA très plat. Parfois, ces dessins bruts sont les meilleurs dessins que je crée et je passe beaucoup de temps à essayer de les reproduire plus tard dans une version nettoyée avec d'autres détails tels que des vêtements, etc..
Frank est un illustrateur / artiste indépendant vivant dans la région de Los Angeles. Vous pouvez visiter son site ou le trouver sur Twitter.
Ma façon de penser varie beaucoup d'un projet à l'autre. À de nombreuses occasions, une idée de personnage va me passer par la tête et je dois la dessiner le plus rapidement possible. C’est ainsi qu'est née la montagne cyclope mastodonte qui sert de point focal à une œuvre que j’ai baptisée "Sanctuaire".
J'ai créé la pièce spécialement pour une galerie à laquelle j'ai participé en juillet 2009. En gros, je savais que je voulais créer un personnage qui soit une structure vivante, quelque chose de grand, d'allure douce, et je voulais absolument la trompe d'éléphant travaillait po Si je me souviens bien, j'ai fini par dessiner les cornes du corpus original pour ajouter un peu de netteté angulaire et de masculinité (les formes étaient un peu blobées et sûres à mon goût) et d'équilibrer le sommet mince avec la base de la montagne plus large.
Souvent, des concepts bizarres et des mélanges d'éléments peuvent donner des personnages d'aspect assez sinistre et dément, mais je voulais vraiment que ce gars-là ait de la bienveillance envers lui. Je pense que la taille et l'ouverture de l'œil aident à transmettre cela. En outre, le manque d'épaules (c'est une montagne, après tout!) Aide beaucoup. La nature douce de la bête est encore accentuée dans la dernière pièce, où j'ai volontairement donné à tous les autres animaux, à l'exception du lapin, une sorte de regard farouchement ambivalent. Le contraste ajoute un peu plus de sagesse et de sensibilité à l'aspect de la montagne du mastodonte, je pense.
La plupart du temps, lorsque je dessine, c'est simplement pour faire émerger des idées. J'utilise mes croquis comme références pour mon travail final (que je peaufine et crée numériquement à l'aide d'Adobe Illustrator), mais pas de modèles traçables. D'habitude, je pose mon carnet de croquis sur le bureau de mon ordinateur et redessine le brouillon original en faisant des ajustements et des modifications, en ajoutant des couleurs, des ombres, etc..
En conséquence, mes esquisses ont tendance à être très rugueuses et bâclées (c’est un de mes plus jolis, croyez-le ou non!). Au contraire, j'ai tendance à essayer de garder mes dessins vectoriels aussi propres et précis que possible, même lorsqu'ils semblent lâches et libres. Donc, la plupart de mes processus de pensée et de conceptualisation réelle interviennent bien après la naissance de l'esquisse initiale.
Basé à Los Angeles, Chris Leavens travaille principalement comme illustrateur de créatures bizarres et de scènes fantaisistes. Plus d'informations et des images peuvent être trouvées sur son site portfolio, sur Flickr, ou via Twitter.
Je prends en compte plusieurs éléments avant de commencer à travailler sur un personnage. À qui s'adresse cet art? À quel groupe d’âge et à qui devrait-il s’adresser, comment et où sera-t-il utilisé? Toutes ces questions m'aideront à déterminer le type d’art que je devrai produire..
Je commence à ébaucher mes croquis après avoir acquis les bases. Chaque projet est différent, mais dans l’ensemble, le processus est identique. Je travaille tous mes croquis avec un crayon mécanique rouge. C’est là que j’ai corrigé mes erreurs et essayé différentes choses. Ensuite, je préfère un porte-mine de 2 mm.. Remarque: la raison pour laquelle j'utilise le rouge est tout simplement parce que c'est la couleur la plus facile à trouver..
Une fois que le dessin est beau, je le trace en utilisant un crayon graphite 2 ou 3b. La dernière étape consiste à numériser l’illustration et à l’afficher dans Photoshop, où j’utilise les curseurs de teinte et de saturation pour supprimer toutes les lignes de crayon rugueuses. Ce processus me permet de gagner énormément de temps et me permet de présenter un bon crayon propre à mon client pour approbation avant de passer à l'étape de finition..
Je m'appelle Bob Ostrom. J'ai le meilleur travail au monde. Je suis un artiste. Au cours des 21 dernières années, j'ai créé toutes sortes de choses intéressantes: logos, jeux, jouets, créations de personnages de boîtes de céréales et même des jeux vidéo, mais je préfère travailler avec des livres pour enfants. Vous avez peut-être vu certains de mes livres en ligne, à la bibliothèque ou dans votre magasin de livres préféré. Consultez mon site ou suivez-moi sur Twitter @bobostromstudio.
Comme pour toute conception, je commence par collecter des images de référence en utilisant l'un des outils les plus puissants et les plus utiles de ma collection, Google. À la veille de l'avènement d'Internet, l'alternative consistait à parcourir les bibliothèques et les librairies dans une quête coûteuse, longue et souvent futile. Internet me permet de le faire avec une vitesse et une productivité infiniment plus grandes.
Après avoir rassemblé mes références, je commence à mettre mes idées et mes premiers croquis sur papier, généralement en n'utilisant que du papier de copie bon marché que j'utilise également pour mon imprimante. Bien que je possède une tablette graphique Wacom, cette méthode me convient le mieux, car elle est portable et je trouve que les feuilles simples sont plus faciles à organiser, car je peux rechercher une section d’une page que j’aime bien. en utilisant un carnet de croquis.
J'utilise un porte-mine 0,5 mm pour dessiner à l'aide de mines HB. Ceux qui m'ont le mieux servi et duré sont les crayons Pentel P205. L'un d'eux est avec moi depuis le collage et fonctionne toujours parfaitement aujourd'hui, bien qu'il ait été utilisé et abusé par mes deux jeunes fils pour leurs propres créations. J'essaie d'acheter du plomb de qualité décent car des solutions bon marché donnent souvent de mauvais résultats.
Au tout début du dessin, j’ai mon propre briefing mental sur la sensation du personnage, son degré d’illustration graphique ou illustratif et les qualités que je souhaiterais avoir. Toutes mes esquisses commencent avec des formes simples pour construire la forme et la composition et c’est la scène où j’essaie d’obtenir la sensation du personnage. Dans cette conception, j'essaie de montrer le côté maussade et énervé de Monkey, mais aussi de capturer un élément de réflexion dans ses pensées. Genre de bataille d'après-guerre, tourmente intérieure.
Une fois que j'ai réalisé quelque chose que j'apprécie, je passe à l'aide d'un pavé de présentation. Je préfère être des tablettes de format A4 Goldline. Ceux-ci sont fabriqués à partir de papier semi-transparent (50 g / m²) lisse et relativement peu coûteux. Ils prennent également très bien l'encre et les marqueurs et sont parfaits pour les visuels.
Je place le croquis approximatif sous la feuille de mise en page, et c’est le point sur lequel j’affine le croquis et y ajoute plus de détails. peut souvent faire plusieurs visuels, faire des révisions au fur et à mesure, jusqu’à ce que je suis satisfait du résultat. C'est aussi le moment où je commence à réfléchir à la façon dont je vais le convertir en vecteurs. Cependant, rien n’est gravé dans le marbre ici et les choses peuvent souvent changer au cours du processus vectoriel et elles le font habituellement..
Le travail d'illustration de Scott Jackson peut être vu à iamscotty.com.
Ceci est une esquisse et un art final de Futureboy, un personnage que j'ai créé vers 1997. La version originale de lui était un peu maladroite et compliquée, alors l'année dernière, j'ai décidé de le mettre à jour et de le simplifier. Il fut un temps où je dessinais des croquis incroyablement détaillés. Maintenant que je dessine la plupart de mes œuvres numériquement plutôt que sur papier, mes esquisses deviennent plus rugueuses. Ils ressemblent plus à des rappels pour dessiner quelque chose plus tard, comme une note "N'oubliez pas d'acheter du lait".
Pour moi, un croquis grossier me permet d’être plus créatif et spontané lors du dessin final.
On peut trouver le travail de Bob Canada sur Flickr et sur son blog d'illustrations.
Accentsconagua