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Vous avez passé des heures, voire des jours, sur une illustration. C’est le seul vecteur dont vous êtes incroyablement fier, mais quelque chose ne va pas. Quelque chose ne va pas bien et vous n'avez aucune idée de ce que c'est. Tant que vous savez que quelque chose ne va pas dans votre illustration, vous êtes à mi-chemin pour l'améliorer..
Dans cet article, je vais vous parler des sept péchés vectoriels. Péchés dont vous pouvez être coupable et pourquoi vous le faites mal. Plus important encore, comment se mettre sur la voie de la sainteté vectorielle. Je vais vous donner quelques exemples d'échecs vectoriels épiques, grâce à certains de mes travaux beaucoup plus anciens sur lesquels je peux maintenant regarder en arrière et faire face à la paume de la main. Cet article pourrait bien vous donner un coup de pouce pour faire passer votre travail au niveau supérieur, alors allons-y de l'avant.!
Commençons par probablement le plus difficile à résoudre. Si vous avez des problèmes de couleurs, vous aurez probablement besoin de quelques leçons de théorie des couleurs. Apprendre à équilibrer les couleurs et à les utiliser efficacement pour véhiculer votre concept et toute émotion est un art en soi.
En parlant d’équilibrage des couleurs, j’ai passé une phase horrible à mettre des dégradés aléatoires dans l’arrière-plan de mes portraits, car je ne savais pas trop quelles couleurs allaient bien avec quoi. J'échantillonnais donc deux couleurs du portrait (ci-dessous des yeux et du fard à paupières) et remplissais simplement l'arrière-plan. Bien sûr, cette méthode n’était pas toujours efficace et je me retrouvais avec des couleurs contrastées… des lèvres rouge vif avec ce fond? Vraiment? Vous pouvez frémir, mais ce ne sera pas la dernière fois dans cet article que vous le ferez.
Il n’ya pas de solution simple à ce problème, car vous devrez peut-être vous inciter à changer votre approche de la couleur… Je devrais le savoir, c’est quelque chose que j’ai eu du mal à faire moi-même. Il existe de nombreux tutoriels sur la théorie des couleurs et sur la manière d’appliquer votre art. Par exemple, nous en avons beaucoup sur Tuts +: la théorie des couleurs dans l'illustration, la théorie des couleurs dans la conception Web et même sur notre site Mobiletuts +, qui informe les lecteurs de leur introduction à la théorie des couleurs. Ce n'est pas quelque chose que vous pouvez simplement lire dans un article et c'est tout, vous êtes le gourou du design de couleurs de l'année. Vous devez mettre ces compétences en pratique afin de les perfectionner. Ça viendra avec le temps.
Si vous êtes anxieux et avez besoin de résoudre vos problèmes de couleur pronto, vous pouvez vous aider de plusieurs manières, notamment dans Adobe Illustrator. Je vous recommande de consulter mon article sur l'utilisation Adobe Kuler, qui passe également en revue les ressources de couleur d'Illustrator.
Cela va sembler extrême, mais savez-vous comment j'apprends à équilibrer les couleurs? Je me colore les cheveux en couleurs vives. Cela me force à coordonner mes vêtements, mon maquillage et mes cheveux. C'est une chose superficielle à faire et bien sûr, j'adore avoir les cheveux rose vif ces jours-ci, mais cela m'a obligé à être littéralement face à face avec quelque chose que j'ai besoin d'apprendre correctement et en toute confiance..
Relatif aux couleurs, mais pas strictement quelque chose que vous pouvez modifier en apprenant à les utiliser correctement. Cela concerne davantage la façon dont nous examinons les différents domaines d’une illustration. Vous avez souvent un processus pour une surface d'une illustration, puis un processus différent pour une autre surface. Ces processus peuvent impliquer différentes manières de choisir les couleurs que vous appliquez à votre illustration ou il se peut que vous ayez adopté le processus de quelqu'un d'autre comme le vôtre. Vous n'avez donc pas eu le temps de le modifier pour qu'il corresponde au style auquel vous êtes habitué. Laissez-moi vous montrer un exemple de mon passé, peut-être pouvez-vous voir ce que je vais vous indiquer.
J'ai vexifié ce portrait d'Alyson Hannigan il y a environ 10 ans. Mis à part les problèmes de rendu, ce portrait présente des problèmes de contraste. Je n’ai pas ajouté assez de contraste à la peau, mais j’ai réussi à ajouter du contraste aux cheveux. Vous pouvez clairement voir à la droite du portrait qu'il y a une ombre sous ses cheveux et il y a une ombre à la racine et un éclat aux cheveux. Cependant, il y a peu de contraste dans la peau, ce qui la fait paraître comme si elle n'avait pas de nez et que sa mâchoire manquait de définition. Ce n'est pas très flatteur?
Premièrement, vérifiez les paramètres de votre moniteur, assurez-vous que vous voyez bien le contraste. Cela semble idiot, mais cela peut vous faire économiser beaucoup de frustration et de temps!
Il y a une solution rapide si vous avez des problèmes de contraste dans toute l'illustration. Vous pouvez mettre une forme sur l’ensemble du plan de travail, la remplir de couleur puis jouer avec Dodge couleur et Modes de fusion des couleurs, puis ajustez le Opacité. Cela vous aidera à ajuster votre contraste en quelques clics..
Avec mon portrait d’Alyson, en regardant en arrière, je pourrais reproduire la forme de la peau entière et la placer sous les couches pour les yeux et les lèvres. Je pourrais ensuite le remplir de couleur puis jouer avec Brûlure de couleur - Color Burn donnant la possibilité d'assombrir les couleurs. Alors regardons ce que cela peut faire.
Comme il s’agit d’un fichier très ancien et que je n’ai plus le fichier source original, je ne peux pas y entrer et l’ajuster avec précision. Cependant, j'ai mis un peu de # 156d86 au-dessus de tout le portrait et réglez-le sur Mode de mélange Couleur Brûlure, Opacité 16%. Cela a fait ressortir le contraste dans les ombres du visage.
Cependant, nous ne devrions pas toujours nous fier à des solutions rapides et il peut être nécessaire de sélectionner toutes les formes créant la peau et d'utiliser Recolor Artwork pour créer le bon équilibre de contraste. Sinon, observez la manière dont vous choisissez vos couleurs ou effectuez le rendu de chaque zone. Y a-t-il des différences dans la façon dont vous le faites? Si tel est le cas, envisagez de rendre votre processus uniforme pour éviter les problèmes de contraste..
Quand je crée des portraits ces temps-ci, je rencontre encore des problèmes d'ombrage pour la peau. Par conséquent, je m'assure que lorsque je termine une zone de contraste élevé, telle que les cheveux, je retourne à la peau et j'aide à équilibrer le contraste en utilisant des dégradés pour forcer davantage d'ombre et de zones claires pour équilibrer le contraste. Vous pouvez voir cela se produire dans mes tutoriels de portrait. Il n’ya rien de mal à "finir" une zone et à la revisiter ultérieurement pour garder la cohérence tout au long de.
Ainsi, après avoir parlé de la cohérence des contrastes, examinons la cohérence du style. Vous avez peut-être ajouté trop de détails dans une zone et que vous n'en avez pas inclus assez dans un autre… le résultat vous donne un style incohérent et donne aux zones l'apparence que vous avez copiée et collée d'un vecteur dans un autre..
Cela se produit de la même manière que les problèmes de contraste… vous avez peut-être appris une zone d'une source et ne l'avez pas adaptée à votre propre style. Ou peut-être que vous manquez de motivation pour rendre un domaine supérieur à un autre ou même, vous n'êtes pas aussi confiant pour rendre ce domaine?
Revenons donc à l'un de mes moments de paume au visage et voyons si vous pouvez souligner le problème de cohérence de style ici…
L’incohérence dans ce vecteur a suffi à Marilyn pour resserrer sa cravate tellement que son œil est sorti de son orbite. Oui, moi aussi j'ai eu une phase de Marilyn Manson, mais comme vous pouvez le constater, le visage est "détaillé" dans son style de rendu, de même que les cheveux ... mais il semble que je n'ai pas encore décidé d'ajouter ce même style ... ajouté un petit détail à la main, mais pas assez pour le rendre aussi clair que le détail dans le visage! Vous pouvez même souligner que la main manque de contraste.
Alors pourquoi est-ce faux? Je veux dire que vous pourriez faire un morceau qui est détaillé dans un domaine mais pas dans le reste, mais à quoi ce portrait ressemble-t-il est à moitié fini. J'aurais pu l'améliorer en m'assurant que les formes créées pour les zones "simples" étaient plus raffinées, donnant ainsi une impression de détail. J'aurais pu faire des efforts pour rendre la main correctement. La vérité, c’est qu’il s’agit d’un portrait à moitié fini et que je ne l’ai pas fini, c’est parce que j’ai trouvé les mains difficiles et que je trouvais que rendre des vêtements était ennuyeux. Et cela montre. Douloureusement.
Vous pouvez aborder celui-ci de différentes manières:
Consultez mon tutoriel sur la gestion d'un style cohérent sur une série de portraits vectoriels pour plus de conseils..
Les images et les références sont géniales… Je suis un grand fan. En effet, bien que je sois capable de dessiner, j’ai besoin d’aide d’images de référence. Bien que je n’en dépende plus autant aujourd’hui (je m'éloigne souvent d’eux et je ne les utilise que comme guide), il y a de nombreuses années, j’avais l'habitude de tracer littéralement une courbe pour une courbe, une couleur pour une couleur et le résultat final une version vectorisée d'une photographie. Il n'y a rien de mal à utiliser des images de stock, il suffit d'apprendre à les utiliser efficacement.
Le problème est qu’une image de stock peut constituer un excellent guide, mais vous pouvez également détecter des artefacts non naturels dans l’image ou une qualité insuffisante pour que vous puissiez saisir les détails dont vous avez besoin. Ce dernier finit par créer ce que nous voyons couramment est des taches de couleurs indéterminées qui n’ont aucune pertinence pour l’illustration..
Je suis un pro de ce problème… alors laissez-moi vous montrer un exemple où je me suis trompé. Il vous faudra peut-être un moment pour le reconnaître, mais je me blâme pour sa stupidité..
Oui, c'est ce jean! Les taches de couleur ont effectivement créé un aspect flou sur les vêtements. La ceinture a des arêtes de couleur vives et dans une certaine mesure, tout comme le visage… mais en raison de l'image de Kelly Osbourne, les lignes du jean ne sont pas aussi nettes qu'elles devraient l'être. Cependant, le péché vectoriel est encore plus grand ici. Voyons voir si tu l'as remarqué…
Oh la honte! L'image que j'utilisais comme référence était en niveaux de gris… et il y avait une sorte de filigrane sur le jean qui était gravé dans le papier. J'ai en fait dessiné les formes de cela. Rétrospectivement, c’était probablement le chiffre "35" pour une raison quelconque. Je grogne tellement à celui-ci. Je vais le nier autrement que dans le champ commentaires de cet article.
En plus d'apprendre réellement à dessiner, celui-ci se résume à une expérience et à beaucoup de pratique. Plus important encore, vous pousser à aller au-delà de votre zone de confort. Si vous vectorisez chaque forme, vous allez détecter toutes les imperfections d'une image. Prendre le temps de reconnaître les motifs et les textures peut vous aider à éviter les problèmes de rendu des jeans, mais également à la manière dont les objets sont construits..
Vous n’avez pas toujours la meilleure qualité d’image, surtout si vous restituez un visage célèbre. Cependant, en vous assurant que vous pouvez vous attendre à des formes et les dessiner avec confiance, peu importe ce que dit la référence, cela donnera à votre illustration un aspect professionnel..
Mon expérience personnelle m'a amené à créer des illustrations vectorielles comme passe-temps pendant des années et à ne pas être rémunéré pour cela. Pour pouvoir expérimenter et jouer avec les portraits que j'ai faits. Je me suis rendu compte à un moment où je réalisais que je copiais au carbone et que je ne tirais aucun profit de ces images. Je me suis donc promis qu'à chaque nouveau projet vectoriel que je commencerais, j'allais dévier de l'image stock et ajouter quelque chose de nouveau ou le modifier. De là, j'ai acquis la confiance en moi nécessaire pour pouvoir créer des styles de cheveux loufoques, des vêtements et même des expressions changeantes. Si vous n’avez pas confiance dans le dessin, appuyez-vous à chaque illustration pour aller au-delà de ce qui se trouve juste devant vous..
Être capable de rendre des dessins au trait d'aspect professionnel n'est pas une tâche facile. Apparemment, certaines personnes oublient de vérifier les choses les plus simples, telles que les limites d'onglet et finissent par voir leurs erreurs affichées à la télévision. Je ne peux plus jamais regarder ce spectacle de la même façon…
L'émission d'humour de John Bishop au Royaume-Uni… avec un coin louche dans le coin supérieur gauche Les jointures en onglet, les lignes qui se croisent et le poids de trait ne sont que quelques-uns des domaines sur lesquels vous devrez peut-être porter plus d'attention. Si vous ne créez pas de graphique de style esquisse, vous devrez faire attention à vos dessins au trait. Ne pas passer du temps à les perfectionner donnera à votre dessin au trait une apparence bâclée, précipitée et réduira considérablement la qualité de votre travail..
En supposant que vous ne créiez pas un graphisme de style d'esquisse, où il est essentiel d'être désordonné, vous devez prêter attention à certains points clés:
Vous pouvez obtenir d’excellents conseils pour affiner votre dessin au trait en consultant mon tutoriel Funky Line Art Portrait et mon tutoriel Vintage Scooter..
La tendance de la conception à plat est bien engagée et ne semble pas ralentir, mais il n’ya pas que ce style qui repose sur des courbes lisses et précises. Pour de nombreuses illustrations qui reposent sur un aspect simple et minimaliste, les courbes sont un aspect décisif du design..
Bien que la majorité de mon travail ait impliqué beaucoup de détails, le symbole de la Horde qui me concerne me hante. Ces courbes… oh mon dieu, elles font baisser la qualité de ce portrait.
Examinez de plus près les points du symbole autour de sa tête… et ses courbes extérieures. On dirait que c'est assez négligé, vous ne trouvez pas? Eh bien, imaginez que vous travailliez sur une pièce qui repose sur ce style même, pas seulement sur un élément. C’est un accident de voiture vecteur en attente d’arriver.
Si vous travaillez principalement avec des formes simples et un design minimal, et pas seulement dans cette tendance du design plat, alors oubliez l’utilisation de la Outil stylo, la Outil Pinceau ou même le Outil Crayon. Il est temps d'apprendre de l'ancienne école et de former vos illustrations à partir de formes de base, de lignes droites et d'effets. Apprendre à utiliser Chemin de décalage, Effet> Warp et Effet> Distorsion et transformation. Il est certainement temps de se familiariser avec le Éclaireur panneau pendant que vous y êtes.
Ces outils et effets de base feront ce qu’il est dit sur l’étain, ils garderont ces lignes et ces formes de base. L'outil Plume (et d'autres outils) ne permet pas de créer les formes que vous recherchez et la précision est la clé pour créer des courbes lisses..
Si vous aimez ce style, je vous recommande vivement les tutoriels de l’auteur Andrei Marius de Vectortuts +. Il est un artiste vectoriel hautement qualifié et crée la majorité de ses dessins sans utiliser l'outil Plume. Cela signifie qu'il utilise les principaux outils nécessaires à la création de courbes lisses. Un excellent exemple de "faire les choses correctement" serait son excellent tutoriel sur la création d'un briquet détaillé sans utiliser l'outil Plume.
Chaque fois qu'un artiste vectoriel utilise Enregistrer sous… pour créer un fichier JPG, un point d'ancrage perd son guidon. J'ai souvent vu cela et je suis reconnaissant que ce ne soit pas une de ces choses dont je suis tombé amoureux. Vous avez fait tous ces efforts pour donner à votre art vectoriel un aspect fantastique. En fait, vous ne ratez aucun des six autres péchés vectoriels, mais vous tombez au dernier obstacle. J'ai vu des gens qui sont même allés aussi loin que la capture d'écran de leur travail, le coller dans Adobe Photoshop et le sauvegarder là-bas, juste pour obtenir la résolution souhaitée. Je ne plaisante pas.
Pourquoi est-ce une si mauvaise chose? Eh bien, la manière dont Adobe Illustrator affiche votre travail en temps réel n’est pas nécessaire. Elle sera affichée si vous l’enregistrez correctement et à la résolution souhaitée. Cela est particulièrement vrai lorsque vous utilisez des dessins au trait, des effets raster en direct et des maillages en dégradé. Si vous n'enregistrez pas correctement vos fichiers d'image Web, tout le temps que vous avez consacré à la création de cette image vectorielle parfaite est un échec..
Il n'y a qu'un moyen… utiliser Fichier> Enregistrer pour le Web et les périphériques (ou Enregistrer pour le Web dans les versions ultérieures). De plus, si vous utilisez Adobe Illustrator CS4 et les versions ultérieures, utilisez votre Outil d'artboard (Maj + O) efficacement comme un outil de recadrage et définir la zone de votre composition. Ensuite, lorsque vous enregistrez pour le Web, vous pouvez spécifier vos résolutions Hauteur largeur et Clip to Artboard enregistrer uniquement dans cette zone… Simples!
Nous avons tous un point commun: nous étions tous des débutants à un moment donné de notre vie de vecteur. Ce n'est que lorsque nous avons commis ces erreurs et appris de celles-ci que nous savions la bonne direction à suivre. Il m'a fallu plus de dix ans pour arriver là où je suis maintenant et parfois je commets une faute à l'un des péchés, mais en étant conscient de cela, je peux les empêcher de voir le jour..
Ne vous en faites pas et rappelez-vous que les règles sont faites pour être enfreintes. Vous vous améliorerez si vous êtes passionné par tout ce que vous faites et vous irez mieux. Nul doute que si vous continuez à suivre le contenu impressionnant ici à Tuts +, vous y arriverez plus rapidement et pourrez peut-être nous montrer une chose ou deux!
L'aperçu a été créé à l'aide d'un pack Premium Tuts +: Devil Heads..
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