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Ce tutoriel est destiné aux personnes relativement nouvelles dans le monde du film. Que vous n'ayez jamais marqué une scène mais envisagé d'en apprendre plus, ou même que vous ayez fait un peu de pointage par vous-même et que vous souhaitiez explorer le terrain, ce tutoriel vous présentera les idées de base. et concepts dont vous aurez besoin pour commencer à écrire de la musique pour film.
Je vais vous présenter une terminologie de base que vous devrez connaître et commenter certaines des premières considérations à prendre en compte pour savoir quand et pourquoi utiliser de la musique. Je vais aussi aborder quelques points concernant le choix du bon équipement pour commencer.
En termes simples, la notation de film est l’art et l’artisanat ou écrire de la musique en synchronisation avec des éléments visuels. Cela signifie écrire de la musique non seulement pour des "films" dans le contexte de longs métrages de courts métrages, mais également pour des émissions de télévision, des publicités, des vidéos industrielles / d'entreprise et tout autre support auquel vous pouvez penser, dans lequel la musique sert de support à un visuel. élément.
La notation de film est un domaine très enrichissant pour un musicien, tant sur le plan artistique que financier. De manière créative, il offre toutes les récompenses d'un engagement total et du plaisir que procure l'écriture musicale, avec le bénéfice supplémentaire que votre musique a un exutoire pour être réellement entendue et appréciée par les autres. Sur le plan financier, c'est l'un des rares endroits où un compositeur de musique instrumentale peut encore espérer gagner sa vie. Chaque année, des millions de projets ont besoin de musique originale. Bien que ce soit un domaine extrêmement difficile et concurrentiel, il peut être très enrichissant pour ceux qui ont déployé les efforts nécessaires (avec une touche de chance supplémentaire)..
Je ne vais pas entrer dans toute l'histoire de la notation de film dans cet article. Si vous avez l’intention de devenir compositeur de film, il est impératif de comprendre à la fois les méthodes de travail et les choix stylistiques de vos prédécesseurs. Ce n'est qu'en sachant comment cela s'est fait dans le passé que vous pouvez aller de l'avant. Pour une histoire en profondeur de la notation de film, je vous encourage à consulter le Guide complet de la notation de film de Richard Davis. Richard était un de mes professeurs à Berklee et son livre sert de manuel au film majeur de Berklee..
Voici une liste non exhaustive de certains termes liés à la notation de film que vous allez rencontrer:
De toute évidence, l’aspect le plus important dans la notation de films est la musique elle-même. Vous pouvez posséder le meilleur équipement du marché et ne pas réussir si votre musique ne tient pas la route.
Malheureusement, beaucoup de jeunes cinéastes n'apprécient pas la valeur de la musique et la contribution que celle-ci apporte à son film. Si vous pensez que lorsque vous regardez un film, vous regardez et écoutez, vous réaliserez que l'audio représente 50% de votre expérience. Cela signifie que la musique est non seulement importante, mais également un élément crucial de tout film..
La musique peut servir à plusieurs fins dans un film, et les utilisations se chevauchent souvent. Quelques raisons pour lesquelles vous pourriez utiliser de la musique dans une certaine partie du film:
Je discuterai de cette idée plus avant avec la section Spotting ci-dessous.
Un score est plus efficace lorsqu'il respecte un ensemble approximatif de "règles" stylistiques. Lorsque vous créez une partition, vous créez un paysage musical et vous devez donc veiller à tout garder ensemble dans le même monde. Si vous avez utilisé la guitare acoustique et les cordes pour toute la partition, vous ne pouvez pas jeter un tuba à mi-parcours parce que vous en avez envie. Le tuba se sentirait comme un élément étranger et, à moins de servir un objectif dramatique spécifique (peut-être un nouveau personnage entré dans le film?), Il trahira le monde établi du film.
Il existe évidemment d'innombrables exceptions, mais il est généralement préférable de définir vous-même une palette d'instruments que vous utiliserez, ainsi que tous les styles mélodiques, harmoniques, rythmiques, etc. que vous utiliserez. Si vous utilisez tous les accords du septième et les harmonies de jazz, cela perturberait probablement l'écoulement de la partition si vous commenciez tout à coup à écrire de façon atone. Ce n’est pas un appel à faire en sorte que chaque son soit identique, mais simplement à garder tout ce qui est cohérent et cohérent..
La chose la plus importante à retenir dans la notation de films est que "Picture is King". Peu importe la qualité de votre composition, si elle ne prend pas en charge ce qui se passe à l’écran, elle n’est pas bonne. Les besoins du drame viennent en premier, les besoins de votre ego créatif viennent en second.
L'un des aspects les plus difficiles du travail peut être un réalisateur qui vous dit qu'il n'aime pas un signal sur lequel vous avez travaillé pendant des jours. Vous avez versé votre coeur et votre âme dans cette musique, comment pourraient-ils ne pas l'aimer? Le directeur se fiche de votre contrepoint astucieux ou de la façon dont vous modulez à l’aide d’un 6ème accord augmenté ou quelque chose comme ça. Le réalisateur se soucie de savoir si la musique soutient le drame.
Vous devez apprendre à développer une peau dure et à comprendre que le réalisateur ne critique pas votre valeur en tant que compositeur, mais seulement la façon dont ils sentent que la musique interagit avec leur film..
Le repérage consiste à décider quand et comment utiliser la musique. Généralement, un compositeur et un réalisateur se rencontrent pour une "séance d'observation" au cours de laquelle ils regardent tout le film et discutent de leurs idées sur la manière dont la musique peut servir le film..
Les séances d'observation peuvent durer quelques heures, voire quelques jours, en fonction du niveau de détail à traiter. Certains réalisateurs aiment faire quelques commentaires généraux, mais laissent les idées créatives au compositeur. D'autres viendront à une séance de repérage avec des idées très précises sur ce qu'ils veulent que la musique fasse et sont parfois aussi précis que les instruments qu'ils veulent à certains moments. Tout dépend du style et de la personnalité du réalisateur, mais vous pouvez généralement vous attendre à ce que cela prenne quelques heures et à ne discuter que des points généraux..
En plus de discuter du moment d'utiliser la musique, il est également important d'avoir une conversation sur les raisons de votre utilisation de la musique. La performance des acteurs manque-t-elle un peu? Avez-vous besoin d’aider à établir le cadre dans l’esprit du public? Peut-être qu'une scène doit être plus drôle ou plus sérieuse. C’est une des choses dont vous voulez parler avec le réalisateur lorsque vous regardez le film..
Il est également important de comprendre la "perspective" de la partition. Parce que la musique est si intangible, elle nous relie souvent à un niveau plus psychologique et émotionnel qu'autre chose. Il est important d'établir des directives pour ce que la musique représente dans le film. Voulez-vous rester toujours dans la perspective du public, ne rien révéler tant que nous ne le verrons pas nous-mêmes? Ou peut-être souhaitez-vous adopter un point de vue spécifique, tel que celui du héros, et la musique reflétera toujours les réactions et les sentiments sous cet angle. Établir une compréhension de base de la perspective prise par la musique dès le début vous aidera à résoudre de nombreux problèmes de scoring plus tard..
À moins que la musique ne soit utile, elle n’a probablement pas besoin d’être présente. Une règle de base importante à garder à l'esprit est que plus vous avez de la musique dans un film, moins elle aura d'impact. La musique d'un mur à l'autre est très inefficace, car nos oreilles finissent par en avoir assez d'être obligées de suivre le rythme de la musique, même si nous n'en sommes pas complètement conscients. La tendance devient de l'ignorer. Si vous voulez que votre musique ait un impact, vous devez être prudent quant à son utilisation..
Frapper ou ne pas frapper?
Quand vous commencez à étudier le cinéma, l'une des meilleures choses à faire est d'étudier de superbes partitions dans le contexte du film. Écouter une bande son peut vous aider à en apprendre davantage sur l'orchestration et la mélodie, mais ce n'est qu'en regardant une belle partition dans son contexte que vous commencerez vraiment à comprendre comment la musique réagit et influence le drame..
Choisissez l'un de vos films et partitions préférés et étudiez-le avec un bloc-notes à la main. Vous ne pensez peut-être pas que vous devez écrire dans vos pensées, mais en vous forçant à le faire, vous accorderez encore plus d’attention et en apprendrez davantage. Regardez les mêmes scènes plusieurs fois de suite pour vous assurer de ne rien manquer.
Du point de vue des points d’attraction, il faut tenir compte de trois choses pour chaque morceau de musique d’un film:
Vous développerez le sens du repérage avec le nombre de films que vous marquerez. En combinant bientôt une étude des maîtres avec votre propre expérience, vous trouverez des questions sur les entrées et les sorties, ainsi que sur les points critiques à reconnaître qui deviennent une seconde nature..
"Ne laissez jamais votre femme vous empêcher d'acheter de l'équipement. Une maison n'achètera pas de synthétiseur, mais un synthétiseur peut acheter une maison." - Hans Zimmer
Audiotuts est une ressource fantastique pour apprendre la technologie de la musique. Je ne mentionnerai ici que quelques points simples à prendre en compte lorsqu’on commence dans la perspective du film..
Une question commune que les gens se posent au début est la suivante: "Quel type d’ordinateur devrais-je acheter?". Malheureusement, la bonne réponse est l'ambiguïté "Le meilleur que vous pouvez vous permettre."
Plus votre ordinateur est rapide et puissant, plus vous pourrez travailler rapidement. Vous pouvez toujours écrire de la musique incroyable avec un ordinateur bas de gamme. Cela prendra simplement plus de temps, car votre ordinateur plantera plus souvent, les échantillons prendront plus de temps à charger, vous devrez peut-être figer les pistes lorsque votre processeur ne peut pas vous suivre, etc..
Les deux exigences qui ont le mieux fonctionné pour moi sont:
L'exception à cette règle pourrait être la situation que j'ai rencontrée avec ma dernière mise à niveau, dans laquelle mon ordinateur tombait dans un tel désarroi qu'il semblait probable que la chose pourrait mourir avant que j'aie fini avec mon travail actuel. Dans ce cas, je ne pouvais pas me permettre de ne PAS passer à un ordinateur plus fiable.!
La partie la plus importante du choix d’un logiciel DAW est de vous assurer qu’il est facile de synchroniser votre musique avec une vidéo. Logic, Digital Performer, Cubase et Pro Tools sont tous des standards de l’industrie pour la notation de films et vous devriez probablement choisir l’une de celles-ci plutôt que certaines des solutions moins courantes. Pro Tools est idéalement conçu pour les ingénieurs et les personnes travaillant principalement avec l'audio. Si vous avez l'intention d'écrire beaucoup de données MIDI, vous serez probablement mieux servi avec l'un des trois autres..
D'après mon expérience, il est moins important de choisir quel logiciel audio numérique et surtout de n'en choisir qu'un et de devenir un expert. Ce ne sont que des outils différents pour faire le même travail. J'ai constaté que la plupart des compositeurs à Los Angeles utilisent Logic ou Cubase, mais Digital Performer dispose également d'une base d'utilisateurs solide. Choisissez-en un et préparez-vous à l'apprendre complètement à l'intérieur et à l'extérieur. Le pointage du film est un domaine très chargé et la dernière chose que vous souhaitiez est de passer 4 heures à couper et épisser le son pour découvrir que votre DAW a une fonction comme "Strip Silence" qui fera le travail pour vous instantanément..
Connaissez vos outils!
Il y a plus de librairies d'échantillons que je ne pourrais même en mentionner. La chose importante à savoir à leur sujet est que les différentes bibliothèques ont des forces différentes. Le meilleur conseil que je puisse vous donner est de commencer avec les échantillons d'usine de votre station de travail audio numérique et de les développer à mesure que votre budget le permet.
Lorsque vous décidez quelle section d'instruments mettre à niveau, vous devez déterminer quelle est votre section la plus faible actuelle et ce que vous utilisez le plus..
Si vos instruments d'orchestre fonctionnent bien mais que vous n'avez pas un bon son de piano, il est probablement temps de placer le piano en haut de votre liste. Mais si vous utilisez de gros échantillons de batterie épique sur 90% de votre musique, vous aurez peut-être intérêt à continuer à investir dans les meilleures bibliothèques de batteries disponibles..
L'important est que votre musique sonne bien. Si votre échantillon de flûte sonne faux et ringard, ne l'utilisez pas! Veillez à ne pas croire que c'est passable, à moins que ce ne soit vraiment le cas. Rien ne tue plus rapidement un bon morceau de musique qu’une mauvaise performance, et c’est exactement ce qu’est une maquette MIDI stérile et factice..
Ceci est simplement une introduction au monde de la notation de film. Chacun de ces sujets mérite une discussion beaucoup plus approfondie et si vous voulez vraiment devenir compositeur, vous devrez consacrer beaucoup de temps et d'énergie à tous les aspects du domaine. Si vous connaissez le monde de l'écriture de musique en images, ce tutoriel devrait vous guider..
Maintenant que vous avez les bases à votre actif, quels aspects de la notation de films souhaitez-vous en savoir plus? Continuez la conversation en m'envoyant un courrier électronique et laissez-moi savoir ce que vous voulez apprendre.
Accentsconagua