Share
Dans les conversations avec les étudiants compositeurs, on me dit régulièrement que leur musique ne semble pas aussi raffinée et vivante que la musique professionnelle qu'ils écoutent. On dirait qu'ils ont de bons thèmes, des progressions d'accords intéressantes et une orchestration solide, mais il manque encore un peu de magie supplémentaire.
Cela a conduit à l'idée d'une "couche de subtilité".
Juste comme cette petite garniture supplémentaire qu'un chef gastronomique ajoute à un repas pour le rendre plus présentable et attrayant, la couche de subtilité est un dernier passage sur votre musique qui ajoute l'épice supplémentaire pour le mettre sur le fil.
La couche de subtilité peut donner à votre musique plus de vie, plus d’intérêt et une touche plus organique. Dans ce tutoriel, nous allons apprendre comment.
La couche de subtilité n'est pas une excuse pour tout jeter et l'évier de cuisine dans votre piste. Tout comme vous ne verseriez pas un shaker entier plein de sel dans votre soupe, toute l’idée derrière le mot subtil est-ce que c'est un toucher doux.
L'une des raisons pour lesquelles nous appelons cela une couche est qu'il est utile de ne penser qu'à une seule ligne supplémentaire de choses qui se passe. Dans ce monde d'échantillons illimités et de suffisamment de RAM, il est facile d'ajouter de plus en plus d'ordures à votre piste..
Si vous avez tendance à en faire trop, imaginez que votre DAW soit responsable de la lecture de la couche de subtilité. Il peut passer instantanément d’un instrument à l’autre, mais il ne peut jouer qu’un instrument à la fois. De cette façon, vous évitez d'avoir dix-sept "couches de subtilité" en essayant d'ajouter une quantité brute d'épice à la fois.!
Mon exemple d’écoute préféré absolu pour illustrer la couche de subtilité est la piste "Up is Down" de la partition de Hans Zimmer à Pirate of the Caribbean: au bout du monde. Vous pourriez passer une heure à écouter les trente premières secondes seulement et à ne pas détecter toutes les petites choses qui se déroulent et qui donnent une texture très riche et complexe..
Prenez un bon casque, montez le volume et écoutez attentivement:
Voici quelques éléments à noter dans la section d'ouverture:
Maintenant que nous avons une idée de ce que la couche est, quel genre de choses est-il approprié de mettre dedans?
L'idée est que votre plat principal est déjà complet, la "viande et les pommes de terre" de votre mélodie, harmonie, groove, etc..
Nous voulons utiliser la couche de subtilité pour des éléments supplémentaires. Des textures, des remplissages et des couleurs qui ne sont pas nécessairement essentiels à l'intégrité de la musique, mais ajoutent de la vie et de l'intérêt à la présentation globale.
Voici une piste simple et douce que nous utiliserons pour notre exemple. Il se compose déjà d'un synthétiseur de guitare, de cordes et de percussions, et à de nombreux égards, nous pourrions l'appeler "done" et l'expédier.
Mais avec juste un peu plus de temps et d'attention, nous pouvons ajouter la garniture et les épices qui lui apporteront un nouveau niveau de finition et de qualité..
Un remplissage nous entraîne dans un rythme important. Presque toujours, cela commence au début d'une nouvelle phrase, mais des remplissages peuvent parfois mener à une nouvelle mesure au milieu d'une phrase ou à tout autre temps sur lequel vous souhaitez mettre l'accent..
Les gens pensent souvent que le batteur est responsable des remplissages, mais ils peuvent aussi utiliser des instruments mélodiques et harmoniques..
À notre exemple de piste, je vais ajouter des remplissages mélodique et percussif..
En utilisant le shaker, je peux augmenter le rythme de la 8ème note à la 16ème pour compléter chaque mesure:
J'ajouterai ensuite un mixage mélodique au piano toutes les quatre mesures (sauf la dernière fois, lorsque la fin est maintenue deux mesures de plus pour l'extension):
Assez simple non? Rien d’innovant à ce sujet, mais le morceau a déjà pris une nouvelle tournure et semble plus organique..
Un autre aspect important de la couche de subtilité consiste à utiliser des couleurs fraîches et intéressantes..
Je vais le faire de trois manières sur notre exemple de piste:
Commençons par doubler la mélodie. Je vais utiliser deux couleurs: un synthé cloche et un double du synthétiseur "guitare". Pour rendre le synthétiseur doublé plus intéressant, je le lirai à travers un plug-in de tremolo afin qu'il tourbillonne de gauche à droite..
Je ne vais pas simplement jouer la mélodie sur lui-même, cependant. Seuls les temps forts et quelques mesures sélectionnées seront doublés et toujours plus d’une octave pour garantir la distinction entre les notes et la note originale..
Voici la double piste sur elle-même:
Et avec la mélodie:
Ensuite, nous allons créer une texture de fond pour améliorer l'harmonie..
Ici, je vais doubler la partie de violon sur un synthé qui a sa propre forme dynamique distincte des cordes. En particulier, j'aime la force avec laquelle les violons jouent un decrescendo sur la dernière note. Donc, même si les deux parties ont pour la plupart fusionné, à la fin, ce sont clairement deux sons uniques.
Voici le synthé seul:
Et maintenant, le synthé et les cordes ensemble:
Ensuite, nous allons varier les instruments pour nos remplissages.
Pour le remplissage mélodique, je vais alterner l'instrument avec harpe et piano, au lieu de jouer uniquement du piano tout le temps.
Je vais ajouter un son de triangle doux pour améliorer la partie de percussion. Sur la moitié de la croche se remplit, je double le triangle, puis dans la section B de la pièce, je l'utilise pour un rythme encore plus chargé. Remarquez qu'il se cache vraiment à l'arrière-plan et n'a pour but que d'ajouter sa petite pièce de clic à la texture la plus large.
Une partie du but de cette attention supplémentaire est de donner à la musique une sensation plus vivante et organique, par opposition au traitement et à la mécanique..
Un excellent moyen de garder les choses fraîches pour éviter la monotonie couper-coller. Habituellement, les motifs ostinatos et les motifs de batterie ne deviennent que des boucles. C’est le moment de passer au crible et d’ajouter de petites inflexions de variété et d’irrégularités pour rendre la musique plus humaine et moins en acier inoxydable..
Pour notre exemple simple, suivre la boucle principale est le shaker avec son motif incessant de 8 notes. En parcourant le shaker, mesure par mesure, et ajoutez rapidement des touches mineures, ainsi chaque note est différente, moins mécanique et plus jouée..
Dans l'image, j'utilise la note F3 pour jouer les petites notes supplémentaires.
Voici la piste finale avec toutes nos petites améliorations:
Je serai le premier à admettre que la différence entre la piste avec et sans les ajouts subtils n’est ni la nuit ni le jour. Dès le début, j'ai su que je commençais avec une piste déjà presque complète.
En utilisant l’idée de la couche de subtilité, cependant, j’ai eu la chance d’explorer la piste minute par minute et de lui donner une touche de vie supplémentaire.
La couche de subtilité est-elle toujours nécessaire, voire appropriée? Je ne pense pas. Parfois, vous voudrez peut-être une déclaration très simple et pure.
La plupart du temps, cependant, ce sont les petits moments d'effort supplémentaire qui ajouteront richesse et professionnalisme à votre travail..
Accentsconagua