Comment créer et gérer une palette de sons

Avez-vous déjà écouté chaque piste individuelle dans un mix et pensez-vous: "Hé, ils sonnent génial!" seulement pour écouter tout le mix et aller "eww?"? Eh bien mes amis, cela résulte généralement d'une absence de cohérence dans votre mix.

Tout comme les couleurs dans une peinture, un mélange doit couler d'une manière qui convient à cette chanson. Les peintures de Da Vinci, Monet et Warhol sont toutes des chefs-d’œuvre, mais le mélange de leurs styles rendrait très probablement quelque chose de moins que souhaitable. La même chose peut être dite pour un mix dans lequel la batterie, les guitares, la basse, les voix, etc. sonnent bien, mais n'ont pas de sens ensemble..

Pour obtenir un bon son, une palette de couleurs saines doit être réunie pour créer un chef-d'œuvre final. Dans ce tutoriel, vous apprendrez les techniques pour sculpter et peindre votre propre chef-d'œuvre sonore de la sélection du micro au mastering .; tout en maintenant la cohérence dans le mix. Si vous êtes prêt, poussez votre fader et laissez la peinture!

Choisissez vos couleurs: pré-production

La toute première étape dans la création d’un mixage cohérent consiste à décider de ce que le mixage final devrait ressembler. Si vous ne savez pas exactement ce que vous voulez que votre mixage final sonne, vous pourriez aussi bien peindre dans le noir! C’est généralement le processus le plus difficile car il définit le son de l’ensemble d’un album dans de nombreux cas;.

Souvent, des mots comme chaud ou froid viennent à l'esprit pour beaucoup de gens, mais ce sont des termes vagues qui ont de nombreuses significations différentes selon les personnes que vous demandez. La définition de warm de l’ingénieur peut être complètement différente de celle des musiciens et de l’opinion des producteurs. Voici une liste de mots que vous devriez probablement éviter si possible?

Warm: De loin le mot le plus abusé et le plus détesté pour tout ingénieur. C'est sur utilisé et vague au-delà de la croyance. Ne l'utilisez pas!
Cool: Tout comme son frère chaleureux, Cool est un mauvais mot. Certaines personnes pensent que cool devrait sembler moelleux et sombre, ce qui pourrait facilement correspondre à la définition de chaud de quelqu'un d'autre. Voyant encore un problème?
Dark: Oui, j'ai utilisé le mot dark pour décrire cool, donc vous devriez déjà voir un problème ici. Sombre pour certains signifie moins de hautes fréquences alors que d'autres pourraient vraiment penser à quelque chose de lourd (pensez à la musique Metal).
Bright: Ironiquement, il n’ya généralement pas trop de mal à utiliser le mot brillant, car la plupart des gens l’accepteront comme signifiant des hautes fréquences plus fortes, mais d’autres pourraient facilement le prendre comme absence de basses fréquences..
Chaud: Aussi mauvais que le mot chaud. Reste loin!

Bien qu'il puisse y avoir des tonnes d'autres mots pervers, ce sont ceux que vous trouverez le plus souvent. Au lieu de penser en ces termes, laissez-moi vous poser quelques autres mots qui pourraient donner une meilleure direction pour déterminer la couleur du son. Voyez ce que vous en pensez?

Clarté ou définition: Lorsque vous pensez à quelque chose de clair, vous pouvez voir à travers et voir ce qui se cache derrière. Quelque chose défini a un point très évident à cela; aucune question n'a besoin d'être posée. En musique, cela pourrait signifier un mélange qui donne sa place à chaque instrument. Le coup de pied et la basse fonctionnent à merveille ensemble, la guitare ne gêne pas le chant, etc. De plus, vous entendez souvent les attaques (attaques) d'un instrument et vous ne vous demandez pas pourquoi l'accord a changé comme par magie. pour apparemment aucune raison (la musique pop alt-rock de la fin des années 90 et du début des années 2000 est connue pour cela).
Ouverture: Ce n'est pas parce que quelque chose est clair que cela doit être ouvert. Lorsqu'un morceau de musique est ouvert, il y a beaucoup d'espace pour que toutes les pistes puissent respirer et être entendues. Le jazz ou la musique classique est souvent un bon exemple de musique ouverte, mais ne peut pas être chirurgicalement clair comme un album punk moderne ou metal. En musique claire, vous voulez généralement entendre un peu l'ambiance de la pièce (ou une réverbération artificielle) pour donner au mix une impression d'espace..
Fullness: Une piste qui a une qualité complète remplit vraiment le spectre sonore. Beaucoup de gens considéreraient que la plénitude d'un instrument se situe dans sa plage moyenne à basse. Un bon exemple serait une guitare acoustique qui donne le corps de la guitare par rapport à une guitare plus bruyante..

Bien que ce soient les trois seuls mots que j'ai fournis, je pense qu'ils sont tout ce dont vous avez vraiment besoin. Si vous traitez chaque mot comme un continuum dans lequel une extrémité correspond à la définition exacte et l'autre à l'exact opposé, vous pouvez maintenant obtenir des degrés d'ouverture, de clarté et de plénitude. Vous pouvez avoir un mélange composé d’instruments très obscurs (pas clairs), mais offrant beaucoup d’espace, ce qui vous permet d’entendre que chaque instrument est obscur à sa manière et qu’il ne s’agit pas d’une simple flaque géante. Ou vous pourriez avoir une piste qui est définie chirurgicalement mais qui remplit tout le spectre sonique.

En règle générale, vous ne disposez que de la place pour deux des éléments ci-dessus dans un mélange. Souvent, lorsque votre mixage a un son plus complet, vous finissez par remplir l'espace. Si vous voulez vraiment ce mixage complet et ouvert, vous devrez probablement sacrifier un peu de clarté dans le haut pour faire de la place à "l'air" dans une réverbération. Vous pouvez bien sûr équilibrer les trois si vous le souhaitez. En tout et pour tout, vous ne devriez pas avoir besoin de plus de deux. Le métal et le rock sont généralement clairs et pleins ou clairs et ouverts (cela dépend de la décennie à laquelle vous voulez aller), le jazz et le classique seront ouverts et clairs, la pop est le plus souvent complète et ouverte ou claire et claire, un son vintage est va avoir généralement une qualité complète et ouverte à elle.

Maintenant que vous avez une meilleure idée de vos options en matière de couleurs sonores, il est temps de choisir vos couleurs. Rappelez-vous que cela dirigera le son du début à la fin. Vous pouvez toujours revenir en arrière et changer les choses si vous en avez besoin, mais il est généralement préférable d'éviter cela à tout prix..

Obtenez vos couleurs: enregistrement

Maintenant que vous avez choisi la palette sonore sur laquelle vous souhaitez travailler, il est temps d’obtenir ces couleurs sonores. Pour qu'un peintre mélange les couleurs afin d'améliorer et de créer de nouvelles couleurs, vous devez tenir compte de vos microphones, de leur emplacement et de vos préamplis pour obtenir les sons de votre choix. C’est de loin l’étape la plus importante du processus pour bien faire les choses, car si ça ne sonne pas comme vous le voulez maintenant, ce ne sera pas le cas lorsque vous mixerez. Afin de nous assurer que nous obtenons le son souhaité, nous devons d’abord prendre en compte la manière dont nous allons placer nos microphones..

Placement du microphone

Tout ingénieur expérimenté vous dira que le placement du microphone est essentiel pour obtenir un bon son. Un ingénieur débutant peut produire un son de microphone de 5 000 $ horrible et un ingénieur expérimenté peut obtenir un son de microphone de 100 $ incroyable (crois-moi que j'ai vu les deux). Avec autant d'instruments dans le monde aujourd'hui, il serait impossible de couvrir chacun d'entre eux et de savoir comment les enregistrer. Au lieu de cela, nous aborderons le placement du microphone dans une perspective très générale et comment il peut jouer sur la clarté, l’ouverture et la plénitude..

Pour un son plus clair sur une source sonore, vous allez vouloir capturer les médiums les plus élevés au plus haut de sa gamme de fréquences. Voici où se trouve la définition de la plupart des sources sonores. Utilisez votre oreille pour trouver d'où provient cette plage et dirigez votre microphone à cet endroit. Vous pouvez même retirer un peu votre microphone pour aider à réduire le boxiness et par rapport rendre le haut se démarquer mieux. Une autre option consiste simplement à orienter votre microphone de manière à ne pas capter également les plages les plus basses (bon truc pour les micros de cymbale).
Pour un son ouvert, vous aurez besoin de retirer votre microphone. probablement un peu plus loin que vous ne le pensez. Cela donnera au son de l'instrument le temps de se développer et aidera à capturer un peu le ton naturel de la pièce. Attention cependant si vous êtes dans une pièce qui sonne mal car personne ne voudra entendre un écho de flottement, etc..
Si vous recherchez le son intégral, alors n’ayez pas peur de vous mettre directement au-dessus des instruments. C'est pourquoi nous enregistrons souvent les guitares avec le microphone sur le gril, car le rock exige généralement que le son de la guitare soit complet. Veillez toutefois à ne pas trop accentuer les graves, sauf si vous êtes sûr de vouloir cette puissante plage de basses..

Sélection du microphone

Si le placement est la clé, le choix du microphone est-il la main qui tourne la clé? (ok bad blague) Il est essentiel de choisir le bon microphone pour le travail. Maintenant, si vous voulez bien m'excuser, je vais monter sur ma tribune.?

CELA N'IMPORTE PAS "QU'IL SOIT UN TUBE, UN ÉTAT SOLIDE, UN CONDENSEUR OU UNE DYNAMIQUE, QU'EST-CE QUE L'IMPORTANCE" CELA-T-IL SONT BON POUR LE TRAVAIL? "

Désolé, maintenant que nous avons éclairci cette question, permettez-moi de développer un peu. J'ai entendu dire que les micros à lampes transforment les choses en micros à lampes et à tubes plus clairs que les micros à semi-conducteurs. Il existe des condensateurs qui ont une excellente réponse dans le bas du spectre et une dynamique qui a un excellent dans le top. Tout dépend du micro et de la manière dont vous le placez. Assurez-vous que votre micro complète le placement et la couleur du son que vous recherchez. Voici quelques lignes directrices mais vous vous en souvenez? IL Y A TOUJOURS DES EXCEPTIONS.

La dynamique ne sera généralement pas aussi claire que les condensateurs mais peut sembler claire en fonction de l'emplacement.
Les micros à lampes ne sonnent généralement pas aussi clair qu'un état solide, mais ils ont beaucoup de caractère (ce qui peut ne pas fonctionner pour votre palette sonore).
Les microphones cardioïdes sont utiles pour obtenir un son défini ou complet, car ils ont un bon rejet du dos. Si vous jouez avec leur effet de proximité (les basses se vantent à mesure que vous vous rapprochez de la source sonore), vous obtiendrez de nombreuses variations dans le son de l'instrument..
Pour ce son ouvert ou plus naturel, je dirais de tout cœur de choisir un microphone omnidirectionnel, car ils capteront toutes les directions. Attention à nouveau si le son de votre pièce n’est pas souhaitable.
Une option intéressante pour la plénitude et l'ouverture est les microphones de la figure 8. Puisqu'ils prennent dans deux directions différentes, un ruban est utile pour obtenir un son complet en ajoutant juste un peu de souffle. Traditionnellement, ils ne sont pas définis comme un condensateur mais conservent tout de même une belle extrémité supérieure lisse.
Une autre considération pour vous aider dans votre son est un microphone à large diaphragme ou à diaphragme. En général, les microphones à diaphragme de petite taille ont une extrémité supérieure plus claire, car il est plus facile pour les hautes fréquences de déplacer une capsule plus petite qu'une capsule plus grosse. Mais comme toujours rien n'est absolu.

Sélection du préampli

La pièce finale du puzzle permettant d’obtenir votre palette sonore comme vous le souhaitez est le préampli. Si votre sélection de préampli est limitée (disons juste une seule interface), alors vous n'avez vraiment pas trop de choses à penser. Cependant, si vous avez un choix de préamplis boutique ou simplement différents préamplis, vous devez maintenant prendre une décision. Il est toujours bon de décider de ce que sont vos préamplis "neutres" afin de pouvoir comparer tout le reste avec eux. Quand il s’agit d’associer un préampli à un microphone, vous avez généralement deux options?

Choisissez un préampli qui améliore le son du microphone. Cela accentuera le son naturel du microphone en rendant son son encore plus évident.
Choisissez un préampli qui contraste avec la sélection de votre microphone pour essayer d’équilibrer le son. Un exemple serait de prendre un condensateur à petite membrane et de l’associer à un préampli à lampe..

Personnellement, je suis un partisan du contraste et de l’équilibrage du microphone dans le préampli, mais il existe de nombreuses situations dans lesquelles vous ne voudriez pas faire cela. Si vous savez que vous voulez ce son grave, vous pouvez utiliser une dynamique à large diaphragme comme un RE-20 et le coupler à un préampli à lampes. Le choix est à vous et à vous seul.

Peindre une image: mélanger

Maintenant que vous avez enregistré vos pistes et acquis votre palette sonore, il est temps de peindre une image sonore. Si vous avez tout bien enregistré, vous constaterez qu'en réglant simplement les niveaux, vous aurez déjà une superbe photo! Vous saurez quand vous aurez bien enregistré quelque chose car il se mélangera pratiquement.

Cependant, même une belle image n'est pas parfaite sans ces petits détails. Il y a beaucoup trop de variables à couvrir dans un seul tutoriel sur la façon de mixer. Cependant, il existe des règles générales et des concepts qui peuvent être appliqués à la plupart des situations de mélange. Voici quelques conseils pour affiner un peu le son?

Lorsque vous utilisez des compresseurs, vous allez inévitablement combler un peu l'espace sonore car vous réduisez la plage dynamique. Plus vous compressez le son, plus celui-ci résonne directement dans votre visage. Gardez également à l'esprit vos temps d'attaque et de relâchement, ainsi que le style de compresseur que vous utilisez. Si vous réduisez les transitoires, vous obtiendrez encore plus de volume, mais vous obtiendrez une clarté et une partie de la clarté de votre mix..
Si vous voulez ce mélange super clair, vous devez faire très attention à la façon dont vous gérez la réverbération. Votre enregistrement très net et propre peut facilement s’effacer. Là encore, si vous recherchez un bon gain d’espace, laissez la reverb voler mais ne nettoyez pas tout. Essayez d’utiliser plusieurs réverbes si vous mélangez du rock, de la pop, etc., mais si vous utilisez Jazz ou un classique, cela semble un peu trop sec, essayez d’utiliser une réverbération de bus subtile pour tout le mixage. Enfin, si vous voulez un son ouvert mais plein, essayez de placer la réverbération dans une plage de fréquences qui n’entre pas trop en conflit avec les instruments; cela donnera l'illusion de plus d'espace que ce qui est réellement là.
En matière d’adéquation, vous aurez beaucoup de choix à faire. Tout comme avec les compresseurs, vous avez des égaliseurs de caractères (entraînent des décalages de phase) et des égaliseurs chirurgicaux (pas de décalages de phases) et vous devez décider ce qui convient le mieux à votre projet. Si vous avez vraiment besoin de ce son clair et ouvert, j’utiliserais un égaliseur chirurgical et éliminerais beaucoup de fréquences inutiles pour libérer davantage d’espace sonique. Cependant, si vous voulez un son riche et luxuriant, un correcteur d’équitation de type caractère sera peut-être plus approprié..
Une autre série d’options est constituée par les gabarits transitoires et les barrières pour ceux d’entre vous qui ont besoin de ce punch précis dans votre mix. Une utilisation judicieuse de ces outils ajoutera une plus grande importance aux attaques de votre mixage et jouera à la baisse. Cependant, vous pouvez souvent utiliser un shaper transitoire à l’inverse pour minimiser les attaques et vous donner plus d’espace pour réaliser un mixage complet..

L'objectif principal du mixage est d'améliorer votre paysage sonore et de créer une œuvre d'art sonore. N'essayez pas de combattre la direction que le mix veut prendre trop. Plus vous vous battez plus vous allez probablement réaliser que vous aurez besoin de re-suivre quelque chose.

Améliorer votre image: la maîtrise

Vous avez créé une palette sonore et peint une superbe image avec votre mix. Maintenant, vous devez vraiment faire ressortir le meilleur de la peinture en ajoutant un peu de correction et d’amélioration des couleurs. Quoi? Cant un tableau passer au numérique pour une correction des couleurs?

La maîtrise est une forme d'art très mal comprise qui est utilisée de manière abusive par ceux qui ne sont pas familiers avec le processus. Plusieurs fois, les gens vont simplement écraser la vie d'un mélange pour le rendre plus fort et l'appeler le mastering. Maîtriser, c'est plus que rendre fort, c'est examiner le mélange dans son ensemble et en améliorer légèrement les qualités (ou parfois réparer ce qui ne va pas, mais vous ne voudriez pas qu'il y ait quelque chose qui ne va pas?).

Lorsque vous maîtrisez, vous utilisez souvent les mêmes techniques que lors de la phase de mixage, mais vous appliquerez vos effets de manière beaucoup plus subtile. Votre objectif est de faire ressortir le son de la chanson et la palette de sons complète sur laquelle vous travaillez. Généralement, à ce stade du processus, vous souhaitez éviter les réverbes, les flangers, les phasers, les chorus, etc. sauf si vous avez une très bonne raison musicale de le faire. Les compresseurs multibandes seront vos amis du mastering, ainsi que les compresseurs à bus solide, les égaliseurs à phase linéaire et (dans certains cas) les saturateurs. La saturation est généralement réservée à un mixeur qui souhaite obtenir le son de la bande mais qui souhaite néanmoins bénéficier de la clarté d'un processus numérique moderne. La saturation est effectuée soit par des plug-ins, en convertissant une bande puis en numérique, ou en réenregistrant le mixage à travers différentes prés.

Certaines personnes pensent que vous ne pouvez maîtriser que dans le domaine analogique, tandis que d'autres voudraient que vous ayez besoin de plug-ins numériques très clairs. La vérité est que vous devez trouver un flux de travail qui vous aide à obtenir le son que vous recherchez. N'oubliez pas votre palette sonore que vous avez travaillée si durement. se tenir fortement aux côtés de l'analogique ou du numérique lorsque votre projet a besoin de l'inverse est une erreur inutile.

Conclusion

Pour créer une chanson finale cohérente et fluide, vous devez maintenir la continuité du son du début à la fin. Si vous êtes vraiment en mesure de reproduire le son que vous recherchez avant de mettre les pieds dans le studio, vous bénéficierez d'une expérience d'enregistrement efficace et agréable..

Je vous recommande de conserver la même palette sonore tout au long d'un album si vous prévoyez d'enregistrer un album entier. Si ce n'est qu'une chanson à la fois, essayez différentes approches et voyez quelle palette vous aimez! Il faudra inévitablement de la pratique pour bien peindre un mélange, mais chaque art exige de la patience et de la pratique..

Maintenant, sortez et laissez-moi entendre vos œuvres d'art! Prends soin!

Musique et audio