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Un orchestre MIDI n'est pas un véritable orchestre. Cela peut sembler peu utile: vous savez que le MIDI n’est pas un substitut à la puissance et à l’humanité des vrais musiciens. Mais il semble que malgré cette réalité, beaucoup de gens perdent leur temps à essayer de forcer leur musique à sonner aussi "réelle" que possible en obsédant la nuance de chaque note et de chaque temps..
Bien que ces modifications infinies puissent éventuellement donner des résultats, il suffit de quelques techniques simples pour résoudre les problèmes les plus courants qui rendent le son MIDI si artificiel. Si vous utilisez le principe 80/20 de Pareto, vous pouvez affirmer que 20% des techniques que vous utilisez sont à 80% géniales, alors il est logique que nous nous concentrions sur les 20% qui vont réellement faire la différence..
J'ai trouvé que les deux choses les plus importantes qui peuvent donner vie à votre musique sont la dynamique et la variation. La dynamique est le souffle et l'âme de votre musique, tandis que les variations maintiennent l'auditeur intrigué. Une bonne utilisation de la dynamique donnera à votre séquence MIDI le son d’une machine. Un bon équilibre des variations maintiendra votre auditeur alerte et intéressé par la musique, de sorte qu’il ne soit pas trop absorbé par le son du cor anglais synthétisé ou non..
Le premier moyen d’améliorer une séquence MIDI est d’optimiser autant que possible la dynamique. La dynamique fait référence au volume d'une note et peut être abordée à partir d'une échelle de note par note ou d'une vue d'ensemble de votre pièce. Cela inclut tout ce qui va d'un verset silencieux à un refrain bruyant, des crescendos et des decrescendos dramatiques, une variété subtile de vélocité en un seul passage, ainsi que des accents et des articulations.
Le moyen le plus précis de jouer avec la dynamique de votre séquence est de faire varier la vélocité des notes..
Le moyen le plus simple de démontrer les variations de vélocité consiste à utiliser des sons courts et précis. Dans cet exemple, un court extrait de Magnetic Rag de Scott Joplin, nous utiliserons des chaînes pizzicato. Voici les deux premières phrases sans variation de vitesse:
C'est pas mal, mais c'est un peu raide. Cela peut passer, mais je pense que nous pourrions le rendre plus musical. En utilisant la vélocité, nous pouvons y ajouter de la vie subtile. Nous allons commencer très doucement la première phrase et la renforcer en intensité, en accentuant le gros son à la fin de la phrase avant de redescendre pour construire à nouveau.
La différence ne se fait peut-être pas jour et nuit, mais il y a maintenant une certaine excitation qui n'existait pas auparavant. Les cordes ont l’impression d’être furtives au début, avant que les aigus ne s'affichent, puis de revenir à la furtivité. Si vous appliquez cette subtilité à l'ensemble de votre composition, vous constaterez qu'elle deviendra beaucoup plus vive et intéressante..
La percussion est une autre section qui bénéficie grandement des ajustements de vélocité. Les instruments de percussion MIDI peuvent facilement être victimes de l'effet "mitraillette", dans lequel des notes répétées du même échantillon commencent à se sentir mécaniques et abrasives plutôt que musicales. Le réglage de la vélocité peut aider à réduire l'effet de la mitrailleuse, comme illustré dans cet exemple simple de passage de caisse claire:
Cela semble assez faux, mais tout ce que nous avons à faire pour donner un peu de vie et d’amusement à la pièce, c’est ajouter des accents et une dynamique dynamique. Voici l'audio d'une partie de caisse claire beaucoup plus intéressante, utilisant le même motif qu'auparavant, mais épice la vélocité de la note:
Cela ressemble à une partie de caisse claire beaucoup plus convaincante et ressemble plus à une vraie personne pourrait jouer. Le même principe s'applique non seulement à une ligne constante comme cette caisse claire, mais également aux variations subtiles de toutes vos parties de percussion. Si vous utilisez le même échantillon de cymbale toutes les 8 mesures, le moins que vous puissiez faire pour le modifier est de faire varier la vélocité chaque fois qu'il se bloque..
Une autre façon populaire d’utiliser la vélocité pour éviter de ressembler à une machine est d’humaniser. C'est une fonctionnalité particulièrement utile si vous n'êtes pas un joueur très doué au clavier et que vous finissez généralement par avoir à dessiner ou à écrire vos lignes musicales note par note. Dans Logic Pro, vous pouvez accéder à l'outil d'humanisation via la fenêtre Piano Roll, dans le menu Fonctions..
Humanize ajustera de manière aléatoire la position, la vélocité et la longueur des notes que vous avez sélectionnées en fonction des montants choisis (les valeurs par défaut sont 10 pour tous les paramètres). Sélectionnez les notes que vous souhaitez humaniser et choisissez "Utiliser uniquement" pour appliquer la fonction et voir quel type de résultat vous obtenez..
Regardons à nouveau notre section pizzicato. Pour exagérer l'effet, j'enverrai nos valeurs au hasard par 25 au lieu des 10 moins efficaces. Difficile à distinguer, mais si vous écoutez attentivement, vous remarquerez que la version humanisée semble un peu plus lâche et plus variée. Humanize est une autre technique subtile qui ajoute juste une touche de vie supplémentaire.
Notre section pizzicato droite:
La section pizzicato humanisée:
La modulation est un outil utile pour automatiser l'expressivité d'un instrument MIDI. Il est particulièrement utile pour les instruments à notes longues, car il vous permet de contrôler la forme et la façon dont la note est parlée. La modulation est un paramètre par défaut sur de nombreux instruments logiciels aujourd'hui, souvent utilisée pour contrôler le volume, filtrer ou effectuer un fondu enchaîné d'un échantillon dans un autre..
Pour accéder à la modulation dans Logic Pro: ouvrez une fenêtre Piano Roll, cliquez sur le bouton Hyper Draw en bas à gauche, puis cliquez sur le petit triangle pour choisir le type de contrôleur. Sélectionnez la modulation et nous sommes prêts à partir.
Jetons un coup d'œil à une utilisation basique mais courante de la modulation. En utilisant un patch à longues cordes, voici quelques accords joués sans aucun ajustement de la modulation:
Pour la démonstration la plus simple, nous allons passer de 0 à 127 sur les deux premières mesures, puis de 127 à 0 sur les deux dernières. L'effet est un crescendo jusqu'à la sol majeur et une décroissance descente. Sur cet instrument particulier (Sonic Implants Full Strings), la modulation est configurée pour le fondu enchaîné des échantillons. Par conséquent, même si nous commençons avec un échantillon pianissimo, la modulation nous fera passer en mode fortissimo..
C'est plus expressif, mais quand même un peu bizarre. Jouons encore plus avec la modulation pour la rendre plus intéressante.
Cette fois, nous avons utilisé des courbes pour rendre les changements beaucoup plus dramatiques et excitants. Les cordes ont maintenant l’impression de monter dans l’accord majeur et de retomber brusquement avant de s’effacer doucement..
Le moyen le plus évident de contrôler la dynamique consiste peut-être à automatiser le volume. Bien que la modulation soit efficace pour contrôler le son d'un instrument, le volume est plus utile en tant que contrôle général de la sonie. J'ai tendance à utiliser le volume non seulement pour équilibrer un instrument par rapport à d'autres d'un mix, mais également pour contrôler des décalages plus globaux tels qu'un fondu en entrée ou en sortie. Utilisé conjointement avec la modulation, il peut être un outil très expressif.
En utilisant notre passage de chaînes longues comme exemple, je vais automatiser le volume pour obtenir une largeur encore plus dynamique..
Parce que la modulation contrôle la majeure partie de ce que je veux sur le son, j'utilise davantage le volume comme un trait large pour lui donner un coup de pouce supplémentaire. Un autre outil similaire est le contrôleur d’expression, mais j’ai tendance à ne pas l’utiliser. Après avoir rencontré de nombreux instruments qui ne sont pas configurés pour fonctionner avec Expression, il est plus facile de s’appuyer sur le volume en tant qu’outil qui fonctionne avec n’importe quel instrument..
Comme je l’ai dit plus tôt lorsque je parle de vélocité, la fausseté du MIDI est plus évidente lorsque les notes se répètent. Bien que la vélocité soit un moyen de résoudre ce problème, vous pouvez contribuer à garder les choses intéressantes en variant toutes sortes d’autres éléments tels que la hauteur ou la couleur..
Considérons cet exemple de chaîne ostinato. Jouer encore et encore la même note sur le même échantillon, c'est à peu près aussi laid que possible. Nous avons ici "l'effet de mitrailleuse" de se sentir comme nous sommes constamment attaqués par une machine bloquée.
C'est MIDI au pire! Nous pouvons tout de suite commencer à régler ce problème en faisant varier la vélocité pour que chaque note soit au moins légèrement différente. Je vais avoir les cordes crescendo et decrescendo pour un effet ascendant et descendant.
Maintenant, allons un peu plus loin et modifions la hauteur. Ici, j'ai la ligne en alternance entre un D et le A en dessous, ce qui nous libère non seulement de la redoutable mitrailleuse, mais donne également à la ligne une impression de mouvement..
Maintenant, je vais varier davantage le ton en ajoutant une ligne D E F E en montée et en descente dans la partie supérieure. Cela rend la partie de cordes beaucoup plus intéressante à écouter, mais elle n’est pas trop distrayante ni trop voyante pour ce que vous voudrez peut-être ajouter. Notez également l’effet de la variation fréquente de la hauteur: moins vous entendez une note MIDI, moins votre oreille est en mesure d’assimiler la répétition comme identique à la précédente..
Enfin, ajoutons une couleur supplémentaire. Nous garderons les notes et les rythmes exactement de la même manière, mais en superposant une couleur contrastante, notre oreille sera distraite et donnera un autre sentiment de richesse. J'utiliserai un vibraphone comme deuxième couleur, l'attaque douce et sourde étant unique en son genre grâce aux cordes nettes et lumineuses. Le résultat est un son plus complexe, ce qui permet de détourner notre attention de ce qui serait autrement des cordes MIDI très exposées..
Une autre façon de garder une figure répétée intéressante et variée consiste à alterner un aspect spécifique de celle-ci, comme changer le registre ou l'instrument sur lequel elle est jouée. Jetons un coup d'œil à un autre exemple de figure ostinato qui se répète.
Dans cet exemple, nous avons déjà une figure complexe, avec des cordes, des vibrations et un son de caisse claire. Nous utilisons modulation et volume pour donner aux cordes et à la caisse claire une sensation de houle et de vélocité pour contrôler la dynamique des vibrations. Globalement, nous avons déjà ici un schéma à deux mesures assez expressif. Le problème est que, dès la troisième fois que nous entendons cela, nous commençons déjà à nous ennuyer. Avec quelques changements très mineurs, nous pouvons rendre cela beaucoup plus intéressant et musical.
Je ne ferai que deux changements. Toutes les autres mesures, les cordes jouent trois octaves plus haut et je sors le piège. Cela ne semble pas beaucoup, mais écoutez à quel point c'est plus intéressant:
Il n'y a vraiment pas de nouvelles notes ou idées ici, juste une variation de ce qui existe déjà. Mais nous avons réussi à le rendre plus intéressant et avons réussi à transformer seize secondes de musique en seize secondes. Compositeurs de films: souvenez-vous de cette technique la prochaine fois que vous aurez besoin de vampire efficacement une scène!
Juste pour faire passer le message encore plus loin, je vais faire un changement mineur pour les quatre barres suivantes. Je vais tout remonter un tiers mineur. C'est la seule différence, mais maintenant nous avons doublé la longueur de notre musique!
Une seule idée musicale a un potentiel de variation infini (les quatre premières notes de la 5ème de Beethoven me viennent à l’esprit). Avec un ou deux changements, vos idées peuvent évoluer et devenir beaucoup plus intéressantes..
J'admettrai que parler de l'utilisation de musiciens en direct dans un article sur le MIDI est un peu un flic, bien que cela mérite absolument d'être pris en compte. C’est l’un de ces conseils qui est souvent plus facile à dire qu’à faire, mais la moindre touche d’un instrument en direct peut ajouter de l’animation à votre séquence. Le moyen le plus simple de le faire vous-même est d'utiliser des percussions. J'ai toujours un tambourin et un shaker sous la main, et s'il y a une section dans une piste sur laquelle je travaille avec un groove ou un rythme très avancé, j'ajouterai une couche subtile en-dessous de tout avec l'un de ces instruments. Le fait que ma performance ne puisse jamais être parfaite, avec une légère différence dans le volume et le timing, est exactement ce qui ajoute ce contact humain qui est plus ressenti que entendu.
Très probablement, la majorité d’entre vous jouez déjà de la guitare ou de la basse, et si vous ne le faites pas, il est temps d’envisager sérieusement l’apprentissage des bases et de devenir au moins assez compétent pour jouer des rôles simples. La guitare MIDI est l’une des choses les plus laides, et pouvoir jouer vos propres parties peut rendre l’écriture de la piste plus amusante, mais ajoute également de la vie. La basse MIDI n’est souvent ni si mauvaise ni si perceptible, mais si vous avez une chance de jouer vos propres parties, c’est à nouveau ces erreurs humaines subtiles et inévitables qui peuvent faire une grande différence dans la fraîcheur de votre musique..
Il est plus difficile, mais tout aussi avantageux, de trouver des musiciens et des chanteurs qui se produiront sur vos morceaux. Même un solo de flûte en direct avec un arrière-plan MIDI peut sembler génial, grâce à son instrument expressif en direct qui attire l'attention de l'auditeur. Également très utile pour ajouter de la chaleur à une piste MIDI froide, adoucissez vos cordes de synthé avec des joueurs à cordes live. Une ou deux prises d'un violon réel mélangées à une section de cordes MIDI peuvent rendre l'ensemble plus tangible et plus réel..
MIDI n'est pas un substitut pour les musiciens en direct, et faire tout ce que vous pouvez pour incorporer autant de vrais joueurs que possible fera une énorme différence dans la durée de vie de votre morceau..
La dernière chose que vous pouvez faire, et sans doute la plus importante, est de ne pas perdre de vue la perspective. Après avoir écouté la même séquence pendant des heures, vos oreilles et votre esprit épuisés pourraient probablement vous convaincre que n'importe quoi sonnait bien. Donnez un peu de repos à vos oreilles et éloignez-vous de votre chanson pendant quelques instants pour que, lorsque vous y reviendrez, vous ayez une nouvelle écoute et une impression plus réaliste de la sonorité de votre pièce..
Il est très facile de se convaincre que quelque chose sonne bien parce que vous êtes pris au piège de ce que vous êtes censé avoir. Dans votre tête, vous imaginez que les cordes sont pleines et luxuriantes et que votre imagination peut rapidement commencer à compenser les éléments manquants dans la vraie musique. Assurez-vous de rester suffisamment détaché pour être toujours au courant de ce que votre séquence MIDI réellement sonne comme. Il peut être utile d’écouter certains de vos enregistrements préférés dans un style similaire, immédiatement après votre morceau..
Si vous appliquez ces idées de base à vos séquences, vous pouvez commencer à transformer vos compositions en un son de muzak synthétisé en une musique vibrante et expressive..
Accentsconagua