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L'un des éléments clés pour que votre mix fonctionne correctement en tant qu'entité unique est de ménager un espace suffisant pour chaque élément. aidez vos lignes de synthé à s'asseoir avec le reste de votre instrumentation.
J'ai construit un petit projet fictif et écrit pas à pas un récit de la manière dont j'ai épousé la nouvelle partie de haut niveau avec les autres instruments de la piste. Je ne m'attends pas à ce que la musique remporte un prix ici, mais j'espère que cela aidera à démontrer combien il est facile de transformer quelque chose de moyen en quelque chose d'utilisable.
J'ai utilisé Reason 4 ici mais vous devriez être capable de traduire facilement toutes les techniques utilisées en n'importe quel autre logiciel majeur. Comme d'habitude les commentaires et les questions sont plus que bienvenus.
Ok, alors voici la boucle originale que nous allons utiliser. Il est construit en utilisant environ quatre parties différentes: batterie, percussions, clés et basse. Cette combinaison permet d'obtenir un spectre sonique assez complet et la balance est suffisamment décente pour produire un résultat agréable..
À ce stade, une direction de synthé constitue un accompagnement parfait et une excellente alternative au solo de guitare ou à vents. Il est également beaucoup plus pratique d’enregistrer et d’éditer les top lines du synthétiseur, étant donné que la plupart d’entre nous mixons entièrement «in the box». Tout cela étant dit, il est important de consacrer suffisamment de temps à la préparation de notre nouvelle partie afin qu'elle se marie bien avec le reste du mix..
Évidemment, les étapes suivantes ne représentent qu’une façon de produire et de mixer un lead de synthé, ce n’est certainement pas destiné à être un guide définitif en aucune manière..
La boucle en action.
La boucle sans synthé top line encore introduite.
La prochaine étape a été de choisir un son lead et j'ai décidé de choisir un préréglage de l'excellent synthétiseur 'Thor' de Reason. Avec le nouveau patch en place, j’ai enregistré une partie principale très simple et approximative. À ce stade, les sons ne semblent pas trop chauds, tout est assez important, mais le timing est un peu bâclé et le son ne tient vraiment pas bien dans le mix.
Passons à autre chose et cherchons des moyens d'améliorer la situation.
Le motif MIDI de base de la ligne supérieure que j'ai enregistré.
La ligne supérieure dans son état brut, sonnant plutôt rugueux!
Avant d'ajouter un traitement au son, il est préférable de porter une attention particulière à son timing. Comme je l'ai mentionné plus tôt, mon jeu était plutôt bâclé et laissait beaucoup à désirer, non seulement cela semble désordonné, mais la séquence se démarque du reste du mixage..
Bien sûr, parfois, vous voudrez appliquer un groove et un swing à votre partie. C’est une préférence vraiment personnelle et cela peut aussi dépendre du groove avec lequel vous travaillez déjà. Cependant, dans ce cas, tout était déjà bien droit dans la mesure du groove, alors j’ai pensé qu’une simple quantification au 1/16 aiderait vraiment..
Bien que ce simple geste aide à ranger les choses, j’ai aussi jeté un œil à la façon dont la séquence a été programmée (ou dans ce cas jouée!). Je voulais m'assurer que la séquence coulait et se sentait fluide. Cela impliquait simplement de changer la longueur des notes jusqu'à ce que je sois à l'aise avec la sensation générale. Comme j'avais réglé le Thor sur le mode 'legato' et le portamento automatique, tout chevauchement créé un bel effet de glisse ici.
Le motif de ligne du haut maintenant quantifié et édité.
La séquence semblait maintenant un peu plus serrée et plus proche de ce que j'avais initialement envisagé, mais le caractère sonore réel de la partie manquait encore et l'ensemble semblait un peu terne. Regardons ce que j'ai fait ensuite pour lutter contre ce problème.
Un peu de quantification et d'édition appliquée.
La péréquation est l’un des processus les plus importants pour persuader un son de s’inscrire dans son propre espace. Lorsque vous traitez des sons situés dans la partie supérieure de la gamme de fréquences, telle que cette ligne supérieure, nous devrions envisager de filtrer toutes les fréquences graves. En fait ici, j'ai tout enlevé d'environ 300 Hz.
Cette technique a vraiment deux effets: premièrement, le son n’entre plus en conflit avec les fréquences fondamentales des autres instruments, ce qui le rend plus clair et mieux défini. Deuxièmement, en supprimant les basses fréquences et en augmentant le niveau sonore, vous augmentez efficacement les aigus tout en rendant le son plus brillant..
L'équilibrage MClass de Reason supprime les graves.
Pour être honnête à 100%, les égaliseurs de raison sont légèrement limités, dans la mesure où ils ne disposent pas de filtres passe-haut et passe-bas variables. Mais en disant cela, Thor dispose d'excellents filtres à états variables. Dans ce cas, j'ai utilisé un mélange d'intégrité constitué de l'égaliseur MClass et du modèle de filtre passe-haut de Thor. Vous pouvez entendre à partir de l'exemple que ce traitement a vraiment aidé le son à venir..
Puissant filtre à état variable de Thor en mode passe-haut.
La ligne du haut avec eq et filtrage appliqués.
Avec les bases du timing et de l’égalisation en place, nous sommes prêts à ajouter quelques touches décoratives à notre son. Avant de commencer à ajouter des effets, j'ai légèrement modifié le patch pour ouvrir un peu le son. J'ai ajouté un relâchement supplémentaire à l'étage de l'amplificateur pour rendre sa réponse un peu plus douce et j'ai également adouci la section du filtre. Cela rend généralement le son plus facile à écouter.
L'enveloppe d'ampli de patchs de synthé a été adoucie…
… Comme c'était les paramètres de filtre.
Le patch édité.
Je suis ensuite passé à un traitement. J'ai opté pour une chaîne d'effets complets qui commence par une saturation des soupapes générée par le processeur Scream 4. Cela ajoute du grain et aussi un peu de volume.
Ensuite, j'ai utilisé une unité unisson simple pour une largeur supplémentaire (celle-ci est précédée de l'égaliseur de l'étape 4). L'unisson est ensuite introduit dans une réverbération et un délai. Celles-ci sont toutes les deux mélangées en très petites quantités et ajoutent de l'espace et de la dimension au son, une sorte d'élément essentiel pour un synthé à mon avis!
La chaine d'effets utilisée.
Pour couronner le tout, j’ai ajouté au patch des données de modulation très légères. Ceci a été réalisé en enregistrant de petits mouvements de la molette de modulation à des moments clés de la séquence. Comme le patch était déjà configuré pour créer un effet de vibrato quand il recevait ces données, le processus était plutôt simple. Cet effet de performance supplémentaire ajoute une touche agréable et rend le tout un peu plus varié.
Du vibrato a été ajouté en utilisant la molette de modulation.
Le patch avec effets et modulation.
Notre son est maintenant beaucoup mieux dans le mix que lors de son premier enregistrement. Certains peuvent penser que le son est un peu trop affecté, bien sûr, cela est subjectif et très goûteux. Si vous souhaitez mieux contrôler les qualités directes et sèches du fil d’origine, vous pouvez utiliser la superposition..
J'ai simplement copié le motif MIDI sur un nouveau canal, créé un nouveau synthé, choisi un patch de synthé relativement sec et mixé en petite quantité. Cela ajoute une certaine profondeur au son et récupère une partie de la définition une fois que tous les traitements ont été appliqués à notre patch principal..
La partie MIDI dupliquée.
Le patch en couches…
… Et en vase clos.
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