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En ce qui concerne l'orchestration MIDI, la section des cordes est probablement la plus difficile à émuler. En effet, même si les cordes sont probablement l’une des sections les plus homogènes de l’orchestre, elles présentent des caractéristiques extrêmement difficiles à produire avec des échantillons..
Tout d'abord, les cordes sont des instruments à archet. Cela signifie que les musiciens utilisent un archet pour produire les sons. L'arc peut être déplacé vers le haut ou le bas, ce qui crée différents aspects du son. Deuxièmement, les joueurs sont toujours légèrement désaccordés, principalement au début de la note - en particulier lorsqu'ils changent de position très rapidement et produisent donc un ton trouble. Enfin, un joueur de violon, par exemple, peut jouer une seule note sur différentes cordes et créer ainsi un son spécifique. Si vous parcourez différents types de partitions classiques, vous pouvez voir que le compositeur a intentionnellement écrit «Sul D» au-dessus de la section solo du violon. Cela peut créer un effet spécifique ou accentuer un certain sentiment.
Comme vous l'avez probablement deviné, l'essentiel du travail sur l'orchestration MIDI concerne les mélodies de cordes. Alors, comment pouvons-nous capturer ce son unique? Est-il possible d'obtenir un son de mélodie de violon aussi parfait qu'il le serait s'il était joué en concert? À mon avis, les ordinateurs ne peuvent toujours pas remplacer le sentiment réel que les chaînes peuvent nous donner. Il faut beaucoup de temps et de travail pour rendre les choses plus précises - et même dans ce cas, quelque chose ne va pas! Je veux ouvrir une parenthèse ici et je tiens à vous dire que je n’ai pas les ressources financières pour essayer les bibliothèques d’orchestre les plus chères, par exemple LASS et EWQL Hollywood Strings. Je suis sûr qu'ils seront beaucoup plus faciles à gérer en ce qui concerne les mélodies à cordes.
Donc, avant de poursuivre avec le didacticiel, j'aimerais vous proposer certaines choses que vous devriez considérer, observer et regarder..
Aller à des concerts classiques. Je sais que certains d'entre vous détesteraient cette phrase en particulier, mais en musique classique, vous pouvez observer comment les compositeurs ont utilisé la section des cordes, quels types d'articulations ils ont utilisés et comment les musiciens les jouent. Essayez de répondre à des questions telles que «Comment obtenez-vous l'effet pizzicato?», «À quelle fréquence les joueurs changent-ils l'orientation de leur arc?», Etc..
Écoutez de la musique classique et analysez. Vous ne pouvez pas remarquer visuellement quand les joueurs changent d'archet, mais vous pouvez entendre le son des cordes. Par exemple, écoutez “La Campanella” de Paganini - écoutez d’abord le violon solo puis les cordes. Imaginez comment vous pouvez obtenir exactement ce son legato dans vos orchestrations.
Et mon dernier conseil serait d’acheter des partitions pour orchestre et de parcourir toutes les articulations et les mélodies incluses dans la partition. Je suggérerais à Maurice Ravel l'orchestration de «Images d'une exposition» de Moussorgski. Examinez de près les lignes legato, les accents, etc. Après avoir écouté beaucoup de musique classique, essayez de créer des maquettes de pièces classiques et comparez toujours votre travail avec l'original. Vous pouvez prendre la mélodie de «Montagues and Capulets» de Sergueï Prokofiev dans «Roméo et Juliette» et essayer de capturer cette émotion via des échantillons..
Assez parlé pour le moment - passons à la partie principale du didacticiel - créant une belle mélodie dans des cordes pouvant sembler réalistes. Je vais essayer d'expliquer quelques trucs et astuces pour y parvenir..
C'est la mélodie que nous allons utiliser. Comme vous pouvez l’entendre, j’ai chargé un seul patch de violon de mon orchestre symphonique EastWest Quantum Leap (le nom du patch actuel est: 18V QLeg). J'ai placé de légers changements harmoniques dans le piano pour que vous puissiez avoir une idée de la musique..
Nous allons créer une ligne legato cette fois-ci (dans une astuce précédente, j'avais montré quelques idées sur l'utilisation d'articulations courtes, comme le staccato ou le pizzicato).
D'accord, nous avons une mélodie qui ne semble pas convaincante du tout. Si nous revenons au début du tutoriel, nous pouvons voir qu'il existe ces spécificités lorsque vous jouez d'un instrument à cordes - direction de l'archet, position et léger désaccord au début (de temps en temps, pas sur chaque note)..
Il existe également d'autres caractéristiques: les sons de départ ont une longue attaque, certains des tons moyens ont moins de vibrato que les autres. Par conséquent, je vais charger d'autres échantillons - un pour un début (quelque chose avec une attaque lente), quelque chose avec un vibrato et quelque chose de lyrique (parce que notre mélodie est une sorte d'amour). Rappelez-vous simplement que tout doit provenir du patch exact. Cela signifie que vous ne devez pas utiliser pour un timbre un timbre de 18 violons et pour un autre timbre: un patch de 11 violons..
J'ai chargé ces patchs:
J'ai divisé certains tons en différents patchs. Écoutez maintenant cette démo et découvrez à quel point notre section de violon est différente.
Vient maintenant l’une des choses les plus difficiles et les plus ennuyeuses: l’édition de notes. Nous devons nous assurer que 1) nos violons ne sonnent pas de manière plate et uniforme, 2) toutes les transitions de tonalités sont fluides et subtiles, et 3) la mélodie devient une phrase musicale complète..
Dans mon DAW, j'ai la possibilité de regrouper différentes chaînes et de les éditer ensemble; si vous ne pouvez pas utiliser un outil comme celui-là, cela prendra du temps, mais rassurez-vous, cela ne sera pas inutile.
Je vais commencer par les changements de vélocité. Je veux que la transition entre les tons soit fluide. De plus, j'aimerais créer une sensation legato de la musique, alors je ferais de légers chevauchements de notes à la main. Veuillez noter que je n'utiliserai pas le script intégré «legato», qui se trouve dans EWQL SO.
Les courbes de volume et d'expression peuvent vous aider à obtenir le son fluide d'une section de corde. Vous pouvez modifier le volume de manière à ce que votre échantillon cesse d’être plat et terne et ait un caractère.
La différence entre volume et expression est que les limites de cette expression dépendent du contrôleur de volume. Cela signifie que le contrôleur d'expression peut être très précis, en particulier lorsqu'il s'agit de légers changements dynamiques. Pour illustrer cette affirmation par des chiffres, rappelez-vous ceci: si notre volume est au maximum (127), l’expression peut varier de 1 à 127. Et si le volume se situe autour de 73, l’expression varie encore de 1 à 127. Cela signifie qu'avec l'expression, vous pouvez ajouter des changements très subtils dans votre plage de volume..
Examinons les problèmes de la dernière démo: 1) nos notes finales sont très régulières et 2) le patch de 18 Violin Qleg a sûrement une apparence déplorable. Je vais essayer de modifier certaines courbes et nous verrons ce qui se passera ensuite.
J'ai d'abord édité le correctif Qleg, car il présentait la plupart des problèmes de notre mélodie. Une chose intéressante est que j'ai dupliqué certaines des notes d'expression avec le patch Qleg et les ai baissées rapidement via la courbe de volume..
Le pitch de montage peut être soit la cerise sur le gâteau de votre musique, soit le désastre complet de tout ce que nous avons accompli jusqu'à présent. Tout d’abord, rappelez-vous que dans notre cas «18v Qleg» signifie que 18 violonistes ont joué des sons legato dans un studio de premier ordre. Cela signifie certainement que nous aurons des différences de réglage très subtiles.
Mais en dehors de cela, nous pouvons utiliser de légères modifications de la courbe de tonalité dans notre mélodie, en particulier lorsque celle-ci «saute» vers G et Ab, car si nous imaginons les musiciens, ils bougeront la main sur les cordes et créeront ainsi une subtile effet". Nous allons faire cela dans les deux sens - en utilisant la hauteur et le portamento (le portamento signifie que le musicien glisse rapidement d'un ton à l'autre)..
Le nouveau moteur Est-Ouest, PLAY, possède son propre script Portamento qui peut être déclenché via le contrôleur CC # 65..
L'un des meilleurs livres que j'ai lu sur le sujet est «The Guide to MIDI Orchestration» de Paul Gilreath..
Il suggère qu'un orchestrateur MIDI contemporain devrait avoir au moins deux bibliothèques de chaînes et qu'il devrait dupliquer les mélodies des deux types d'échantillons. Pour les personnes comme moi, qui ne peuvent pas se permettre d'avoir deux bibliothèques à ce moment-là, il existe toujours une solution: doubler la mélodie avec des instruments à vent et même d'autres instruments à cordes. Dans notre cas, je ferai tous les deux.
Commencez par charger un joli patch de flûte. Il serait préférable que la flûte ait un léger vibrato. Placez-le de la même manière avec les violons et baissez le volume de façon drastique. La flûte n'est pas un solo, elle donne simplement plus de taille au son.
Et enfin, nous utiliserons l'aide d'un autre instrument à cordes. J'ai choisi le violoncelle, mais en réalité il n'y a pas de différence ici. J'ai pris quelques notes de basse du violoncelle, mais l'important est que je mette également la mélodie sur le violoncelle, en la plaçant (à nouveau) dans la même plage que les violons. Ensuite, je vais baisser le volume jusqu'à ce que vous ne puissiez plus l'entendre. En fait, à ce moment-là, vous pouvez sentir le violoncelle - l'auditeur ne l'entendra pas jouer dans cette plage, mais il sentira une certaine richesse dans le son..
J'espère que ceci vous aide. J'ai hâte de lire vos commentaires. Vous pouvez entendre le résultat final de notre tutoriel dans cette démo:
Bonne chance!
Accentsconagua