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Dans un précédent tutoriel, j'avais introduit la règle de trois, un concept largement utilisé dans les arts visuels, et discuté de la façon dont elle pourrait être appliquée à la musique pour composer des mélodies. C'est une règle très efficace pour équilibrer le principe musical de répétition et de variation.
Cette fois-ci, je démontrerai que nous pouvons également utiliser la règle de trois sous un angle différent et l'appliquer à l'orchestration et aux arrangements. Lorsque vous simplifiez une partition à ses éléments de base, vous constaterez que la musique dépasse rarement la texture à trois couches..
Il est important de noter que le seul lien entre ce tutoriel et le précédent est l’idée que "3" est un chiffre très utile pour la musique, ainsi que pour l’art en général. Mais la façon dont la règle de trois a été appliquée à l'aspect mélodique de la composition musicale n'a aucun rapport avec ce que nous faisons ici..
Malgré son nom, la règle de trois n'est pas vraiment une "règle", mais plutôt une ligne directrice pour aborder votre travail. Il y a beaucoup des fois qu’un seul calque, deux calques, quinze calques, etc. sont des choix légitimes et excellents. Nous allons examiner ici comment utiliser un principe de base pour produire des résultats cohérents. À partir de là, vous pouvez utiliser votre discrétion artistique pour décider comment et quand l'appliquer..
Une terminologie universelle n'existe pas vraiment pour ces concepts et différentes personnes auront des noms différents pour les choses. En général, je vais faire référence à une "couche" ou à un "élément" en tant qu'idée musicale unique.
Par exemple, une ligne mélodique solo est un élément:
Et pour nos besoins, une texture en cordes ou un groupe d'instruments agissant comme une seule unité unifiée sera également considéré comme un élément:
Deux mélodies distinctes en contrepoint seraient deux éléments ou deux couches (pas que la basse soit une mélodie, juste en octaves):
Un accompagnement mélodique et harmonique peut également être composé de deux couches:
Et même une texture complexe peut être décomposée en trois couches: une mélodie harmonisée en tiers (violon I et alto), un contre-ligne (cor anglais) et un accompagnement harmonique (cordes graves).
Le principe de la règle de trois en ce qui concerne l’orchestration est le suivant: Trois est le nombre parfait d’éléments à avoir à la fois pour obtenir un son complet intéressant mais qui reste relativement simple. Au-delà de trois, la texture commence à devenir trop complexe et vos idées perdent de plus en plus en clarté à chaque couche que vous introduisez..
Pour une personne novice en orchestration, une partition orchestrale complète peut sembler incroyablement accablante et décourageante à comprendre:
Mais si vous regardez un peu plus près, vous pouvez réduire les unisons, les octaves et les instruments qui fonctionnent comme une unité en une poignée d'idées différentes..
Cette page couverte dans les notes ne contient en réalité que trois idées:
Beaucoup de débutants pensent qu'un son massif nécessite un grand nombre d'idées à la fois, mais ce n'est pas le cas. Sauf si vous essayez intentionnellement de créer un sentiment de chaos (comme dans les textures complexes du Sacre du Printemps), si vous souhaitez que vos idées soient entendues, vous devez les rendre aussi claires et ciblées que possible. Et c'est là qu'intervient la règle de trois.
Pointe: Si vous voulez prouver qu'un son orchestral énorme peut être obtenu avec seulement quelques couches, suivez la partition jusqu'au premier mouvement de la 4ème symphonie de Tchaïkovski tout en écoutant un enregistrement. À quelques exceptions près, le mouvement complet de 17 minutes peut être réduit à deux couches en tout temps!La suite de Casse-noisette de Tchaïkovski est l'une des pièces d'orchestre les plus célèbres de l'histoire et est généralement considérée comme un modèle de grande orchestration. Même les gens qui disent ne pas aimer la musique classique aiment Casse-Noisette!
En tirant pratiquement sur n'importe quelle page de la partition, nous vous montrerons que trois couches suffisent pour créer un son riche et complexe, toujours clair et équilibré..
L'ouverture commence par une couche: une mélodie de violons essentiellement harmonisée dans une texture chorale à quatre voix. Les violons et les altos fonctionnent comme une chorale, chaque ligne étant rythmée par la mélodie, agissant essentiellement comme une seule unité..
Dans la barre 9, la texture se divise en deux couches:
La barre 17 est l'endroit où nous obtenons notre première texture à trois couches:
À la barre 25, nous sommes revenus à deux couches:
À la lettre de répétition "B", nous avons notre section la plus importante à ce jour. Presque tout l’orchestre joue en même temps et le volume est à moi, le plus fort que nous ayons entendu dans la pièce. Les choses doivent devenir complexes maintenant, non? Mais non, nous sommes toujours sur une texture à deux couches!
Après ce point, tout, à l'exception de la répétition de la section à la mesure 17, correspond à deux couches. La texture à trois couches est aussi complexe que celle-ci pour plus de 30 instruments, et rarement quand même.!
Tout comme l'ouverture, ce mouvement s'ouvre sur une mélodie harmonisée dans un style choral, ce qui nous donne essentiellement une idée musicale unique..
À la barre 4, lorsque la mélodie est déplacée vers les violons, nous avons une texture à trois couches:
L’accent dans la mesure 8 est tout simplement cela, un moment d’accent qui, comme nous le savons maintenant, n’est qu’une idée simple bien qu’il soit joué par la quasi-totalité de l’ensemble de vents.
Ces deux textures alternées constituent les 32 mesures suivantes de la musique, soit par répétition, soit par variation..
Trepak est une pièce fantastique pour l’étude car c’est une démonstration parfaite d’un son plein et passionnant pour orchestre qui peut être divisé en trois couches au plus, et très souvent deux.
Je veux continuer à marteler à la maison la leçon principale de cet article, à savoir que complexité et richesse ne sont pas obtenues en engloutissant autant d'idées différentes que vous pouvez tous en même temps!
La pièce s'ouvre avec une texture à deux couches:
À la barre 5, nous passons à une texture à trois couches:
Ces huit mesures répètent.
Maintenant, cela devient intéressant car nous avons répété ces 16 premières mesures, mais cette fois-ci chez fortissimo (ff). Le son est devenu beaucoup plus gros, plus excitant et plus complet, mais les couches de base restent exactement les mêmes!
La texture à trois couches devient maintenant:
Faites attention à la façon dont la percussion est utilisée! Les timbales et le tambourin ont tous deux des accents et des rythmes qui existent déjà dans les autres couches. Si vous venez comme moi de la pop / rock / jazz, vous avez peut-être l'habitude de lancer une boucle de batterie ou l'équivalent d'un "ensemble de batterie" très occupé..
Mais ce n'est pas ainsi que les grands orchestrateurs du passé ont pensé à la percussion. Au lieu de cela, ils l'utilisaient avec parcimonie et pour la couleur, pas pour compenser un manque d'énergie ou de motivation dans les autres parties.
Pour le dernier exemple, j'aimerais examiner un autre exemple de trois couches: un ostinato, une mélodie harmonisée et une contrelodie à une ligne..
Dance of Merlitons s'ouvre sur un motif pizzicato ostinato sur altos, violoncelles et basses.
C’est un type de figure typique de Oom-Pah (note de basse main gauche, accord de main droite) et, bien que chaque instrument ait un rythme unique, quand ils jouent ensemble, ils fonctionnent clairement comme un tout cohérent. La figure d'ouverture est juste la cinquième et cinquième racine, mais au fur et à mesure que la mélodie se développe, elle devient encore plus simple et ne représente qu'une basse à une seule ligne avec des octaves brisées..
Les flûtes sont harmonisées en trois parties. Encore une fois, les trois joueurs jouent tous une mélodie unique, mais nos oreilles les groupent évidemment en une seule..
Enfin, notre troisième couche est ajoutée pour ajouter de la couleur et de la variation à la deuxième phrase de la mélodie composée de quatre mesures, un contre-titre legato au basson..
Une des fonctions majeures de cette partie de basson est d’aider à donner du corps au crescendo..
Et ça ne devient jamais plus compliqué que ça.
Bien qu'il y ait jusqu'à sept notes en même temps sur un temps donné, la manière dont elles sont regroupées en fait une texture à deux couches. Cela va presque sans dire, mais évidemment, le fait que chaque couche soit un timbre unique les rend beaucoup plus faciles à entendre comme une seule au lieu de plusieurs (flûtes seulement, par opposition aux flûtes et altos).
En général, lorsqu'un calque est en harmonie, les autres sont à l'unisson ou à l'octave. Ceci est dû au fait qu'une texture en accords est pleine et qu'un trop grand nombre de sections harmonisées risqueraient non seulement d'être conflictuelles, mais également de devenir très troubles et trop épais..
La force provient des marquages dynamiques et de l'utilisation d'un plus grand nombre d'instruments pour soutenir un élément, non pas en obligeant chaque instrument à faire quelque chose de différent..
Casse-Noisette fait partie de la musique orchestrale la plus belle et la plus résonnante jamais écrite, et ne contrevient jamais à la règle de trois! Que ce soit pour des moments de calme intimes ou des gestes excitants et énergiques, la page apparemment complexe couverte de notes noires peut être réduite à une poignée d'éléments. Et comme nous l'avons vu, ces éléments respectent la règle de trois et ne deviennent jamais plus complexes que nécessaire..
Qu'est-ce que tu penses? Avez-vous entendu cette idée de trois couches utilisée dans d'autres styles et genres? Pouvez-vous combiner des instruments apparemment disparates en une seule idée (par exemple, basse électrique et batterie)? Qu'en est-il des exceptions à la règle qui fonctionnent à merveille?
Laissez un commentaire avec vos réflexions sur la façon dont vous pouvez appliquer cela à votre propre musique!
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