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Counterpoint est l’une des textures musicales les plus enrichissantes et les plus enrichissantes. Un bon contrepoint est beau, intéressant et stimulant intellectuellement. Les grands compositeurs à travers l'histoire, de Bach et Mozart, Debussy et Stravinsky, John Williams et Jerry Goldsmith partagent tous le trait commun d'une maîtrise du contrepoint.
Nous allons suivre un cours intensif sur les concepts de contrepoint. Nous allons apprendre les bases de la consonance contre la dissonance, les différents types de mouvement entre deux voix et les consignes générales pour écrire un contrepoint efficace.
Le problème avec la plupart des livres et des cours de contrepoint est que la seule chose qu'ils savent faire est de vous apprendre à écrire quelque chose comme ceci:
Malheureusement, peu de gens écoutent vraiment une telle musique. Bien sûr, c'est une écriture brillante et ça sonne bien, mais c'est démodé (et je veux dire vraiment démodé. Même les gens à la fin des années 1700 le considéraient comme démodé!). Pouvez-vous imaginer essayer de marquer une scène d'action avec quelque chose comme ça? Ou si les Black Eyed Peas sortaient ça avec leur dernier single? Pendant un bref instant, ils peuvent être considérés comme "brillants", mais cela ne durera pas plus longtemps qu'une mode..
Après avoir appris aux gens à écrire de la musique datant du milieu du XVIIIe siècle, la plupart des personnes qui tentent de jouer au contrepoint abandonnent. Ils en viennent à la conclusion que les méthodes sont obsolètes et déconnectées, que leur musique ne devrait pas être soumise à toutes ces "règles", et qu'étudier l'art du contrepoint n'a pas de sens..
Eh bien, je suis ici pour dire que le contrepoint est une compétence absolument cruciale pour tout compositeur / auteur-compositeur / créateur de musique en herbe qui doit apprendre, assimiler et intégrer sa musique. Et cela ne nécessitera pas que vous preniez quelques semestres dans un conservatoire pour comprendre. Quelques directives de base suffisent pour commencer.
Ce que j’ai trouvé, c’est que, bien que les règles et méthodes spécifiques du contrepoint traditionnel constituent un obstacle à l’apprentissage de la plupart des élèves, si vous comprenez certains des concepts les plus élémentaires, vous serez sur la bonne voie pour écrire un contrepoint dans votre musique. efficace et significatif.
Counterpoint fait référence à deux mélodies indépendantes ou plus qui sonnent bien lorsqu'elles sont jouées en même temps. Le contrepoint est aussi souvent appelé polyphonie..
Voici un exemple de ce que nous sommes ne pas contrepoint appelant:
Oui, il y a deux lignes indépendantes, mais la figure dans la main gauche est simplement un motif d'arpège qui sert d'accompagnement et est subordonné à la mélodie de la main droite. N'oubliez pas que dans le contrepoint, l'accent est mis sur l'indépendance. Même si une ligne est plus intéressante et attire plus l’attention (ce qui est très souvent le cas), l’autre ligne devrait quand même sonner bien par elle-même..
Dans ce tutoriel, nous allons travailler avec de la musique tonale. Le chromatisme est volontiers le bienvenu, mais en général, je suppose que la plupart d’entre vous qui lisez cet article préfèrent plutôt Michael Giacchino et Coldplay que Shoenberg et Varese..
Dans ce tutoriel, nous allons parler principalement de contrepoint à deux voix ou à deux voix. Bien que vous trouverez de nombreux exemples de voix à 3, 4 voix et plus, le contrepoint à 2 voix est le plus simple et le plus important à apprendre..
Une "voix" ne désigne pas littéralement une voix humaine, mais une seule ligne mélodique. Si vous avez deux mélodies en même temps, vous devez avoir des voix distinctes.
Une voix:
Deux voix:
Quatre voix:
Le nombre de voix d'un morceau n'est pas le même que le nombre d'instruments. Vous pourriez avoir 100 joueurs d'un orchestre massif jouant exactement la même mélodie et ce serait considéré comme une seule voix.
Avant d'aller plus loin, il est essentiel de bien comprendre les intervalles. Vous devriez pouvoir faire la différence entre un 5ème parfait et un 5ème diminué, un 3ème mineur et un 3ème majeur, etc. Si le concept vous est nouveau ou si vous avez besoin d'un rappel, je vous suggère de vous arrêter maintenant pour lire ce tutoriel. La majeure partie de ce que nous allons faire consiste à analyser les intervalles entre les deux voix. Il est donc primordial de pouvoir le faire facilement et sans effort..
L'un des principaux concepts que nous allons aborder est celui de consonance contre dissonance.
De thefreedictionary.com:
En termes simples et bruts, les consonances sonnent bien et les dissonances sonnent mal. Plus élégamment, les dissonances ont tendance à sembler cruelles et tendues tandis que les consonances ont tendance à sembler agréables et reposantes.
Les intervalles qui sont consonant et ceux qui sont dissonants sont en grande partie une question de goût et de contexte, mais le consensus général dans la musique tonale est le suivant:
Les dissonances peuvent alors être décomposées encore plus loin:
Les composés (intervalles supérieurs à une octave) sont traités de la même manière que leurs équivalents plus courts (c.-à-d. Que les 9ièmes sont traités en tant que deuxièmes, les 10ièmes en tant que troisièmes, etc.)
En contrepoint, il existe trois types de mouvement:
Mouvement parallèle: les deux voix se déplacent dans la même direction. Du Sacre du Printemps:
Mouvement contraire: les deux voix se déplacent dans la direction opposée. Du prélude de Wagner à Die Meistersinger von Nürnberg:
Mouvement oblique: une voix se déplace tandis que l'autre reste constante. Du Rondo en ut mineur de Beethoven:
Il est à noter que les méthodes traditionnelles divisent généralement l'étude du contrepoint en 5 "espèces". Chaque espèce fait référence au nombre de notes d'une voix qui jouent contre le nombre de notes de l'autre voix. Par exemple:
Maintenant que j'ai parcouru et expliqué tout cela: je ne vais pas passer en revue une espèce à la fois. Un système méthodique de construction d'une complexité sur une autre est parfaitement logique, mais il s'agit d'un cours intensif et nous avons des notes à écrire! Au lieu de cela, les directives que je décris devraient être prises en compte pour tous les types de contrepoint, quel que soit le nombre de notes que vous avez par rapport au nombre de notes que vous avez. Les puristes parmi vous ne l’aimeront peut-être pas, mais nous n’écrivons pas notre thèse pour un maître en composition. Nous essayons juste de nous approcher suffisamment pour le jazz.
Maintenant que nous avons les concepts de base de consonance contre dissonance et les 3 types de mouvement, nous pouvons commencer à établir des lignes directrices pour un bon contrepoint. Je les appelle des "lignes directrices" car il n'y a évidemment pas de règles dans un art créatif comme la musique. Mais si vous voulez savoir comment rendre votre contrepoint efficace, il est vivement conseillé de respecter les consignes jusqu'à ce que vous puissiez choisir consciemment et à bon escient de vous en tenir à cela..
Le but principal du contrepoint est d’avoir deux mélodies distinctes mais égales jouées simultanément. Séparer signifie qu'ils atteignent leur sommet et leur vallée à des endroits différents et qu'ils se déplacent à des moments différents. Equal signifie que ce sont deux lignes intéressantes en soi, que si elles étaient jouées seules, elles auraient un sens suffisant du contour mélodique et de l'intérêt..
Ces deux lignes proviennent du prélude de Debussy à l'après-midi d'un faune:
Écoutez seulement la voix la plus haute:
Et maintenant, juste la voix basse:
Notez que, bien qu'ils travaillent bien ensemble, ils sont également intéressants en eux-mêmes. Notez également le contraste du mouvement. Quand les violons ont des notes 16e, les vents ont des notes quart et 8e. Quand les violons se reposent les vents deviennent plus actifs.
Nous avons vu précédemment qu'il existe trois types de mouvement entre les voix: contraire, parallèle et oblique. Le contrepoint fort utilise une balance des trois types.
En général, la motion contraire est la plus préférée, car elle crée la plus grande indépendance.
Le mouvement oblique est très efficace lors de l'alternance entre les voix, mais doit être utilisé avec parcimonie si vous maintenez la même hauteur constante d'une seule voix. Vous vous retrouvez avec une voix et la seconde semble beaucoup moins importante et moins intéressante..
Voici une utilisation efficace des mouvements obliques alternés de Beethoven:
Comme nous le verrons plus bas, le mouvement parallèle devrait généralement être réservé aux 3ème et 6ème. Les mouvements parallèles créent un très bon contraste entre trop de mouvements contraires et obliques, mais vous devez faire attention à ne pas en avoir trop ou à perdre de l'indépendance entre les voix..
Remarquez comment, dans cet exemple tiré des Fêtes de Debussy, bien qu'il y ait 5 voix distinctes, parce qu'elles se déplacent toutes en parallèle de manière constante, elles donnent l'impression d'une seule unité:
Pour créer une véritable indépendance entre les voix, par opposition à un seul bloc fonctionnel, nous devons mélanger l'utilisation du mouvement. Les lignes pour clarinette et basson de Firebird de Stravinsky partagent des motifs similaires, mais ont clairement une indépendance de direction:
Notre prochain examen sera un équilibre entre consonance et dissonance. Trop de consonance peut être moelleuse et terne:
Trop de dissonances peuvent être laides et difficiles à comprendre:
Décider quel est précisément cet "équilibre" sera totalement à la hauteur des intentions et des goûts du compositeur.
Prenons deux exemples de styles différents et comparons leur équilibre consonance / dissonance. Le premier provient de l'album for the Young de Schumann:
Le deuxième exemple est tiré de Mikrokosmos de Bartok:
La chose intéressante à propos de ces deux expressions très différentes sur le plan stylistique est qu’elles présentent un rapport dissonance / consonance raisonnablement similaire (7h25 dans le Schumann, 8h21 dans le Bartok). Le Bartok, cependant, a nettement plus de dissonance (20% chez le Schumann contre 28% chez Bartok). Les deux exemples ont tendance à s'appuyer principalement sur des intervalles de consonnes, les dissonances étant utilisées comme "épices". Notez aussi comment les dissonances sont espacées les unes des autres.
Tout comme vous avez besoin d'équilibre dans tous les autres domaines, un équilibre de types d'intervalles aide à garder vos lignes intéressantes.
Écoutez cet exemple tiré de la 4e symphonie de Mahler et notez le mélange complet de types d'intervalles (c'est aussi un brillant exemple de rythmes indépendants):
C'est l'une des règles les plus difficiles à suivre pour les débutants, car à première vue, cela n'a pas beaucoup de sens. La règle est que lorsque deux voix se déplacent dans la même direction, elles ne doivent pas se déplacer dans un intervalle de 5ème ou d'octave..
Le raisonnement derrière cette règle est que l'octave et la cinquième sont des intervalles primaux. Avoir deux voix uniques qui se déplacent parallèlement à l'octave ou à la cinquième place donne l'impression qu'elles forment en réalité la même mélodie. Donc, si vos deux voix bougent en parallèle à la 5ème ou à l'octave, vous violez essentiellement l'idée même de contrepoint qui consiste à avoir deux voix indépendantes et séparées..
Le problème rencontré par les étudiants est qu’il est très difficile d’entendre les quintes et octaves parallèles avec une oreille inexpérimentée. Mon seul conseil est de suivre cette règle avec foi, car au fur et à mesure que vos oreilles et vos aptitudes au contrepoint se développent, vous allez éventuellement apprendre à entendre les 5èmes et octaves parallèles et ils vous sembleront faux..
Je suis sûr que vous trouverez cette règle "brisée" dans de nombreux exemples. Une des principales exceptions à cette règle est que les quintes et octaves parallèles à la fin d'une phrase (cad. Dans une cadence) sont considérés comme acceptables, probablement parce que la ponctuation de la cadence rend l'effet beaucoup moins gênant..
En général, un intervalle dissonant devrait se résoudre en un intervalle de consonne. Cela signifie que si vous utilisez une dissonance pour créer un peu de piquant et que vous créez une tension, cela ne sera vraiment efficace que si vous relâchez cette tension. Sinon, vous aurez probablement l'impression que vous avez joué une fausse note!
Pour résoudre une dissonance, le moyen le plus simple consiste à maintenir une hauteur constante et à déplacer l'autre hauteur dans un intervalle de consonne. Regardons l'exemple de Beethoven que nous avons utilisé précédemment pour montrer un mouvement oblique:
Remarquez comment chaque dissonance est d'abord introduite sous forme de consonance, puis une nouvelle note rend l'intervalle dissonant et se résout enfin en consonance. Si vous écoutez l'écriture sur cordes de Harry Gregson-Williams, vous entendrez cette technique être utilisée partout..
Le contrepoint en deux parties est génial et tout, mais la plupart des vraies musiques utilisent plus de deux voix. Si vous commencez à utiliser plusieurs parties, la chose la plus importante à prendre en compte est le contrepoint entre les voix externes. Les voix du haut et du bas sont celles qui vont être les plus écoutées. Vous devriez donc vous concentrer sur ce que vous devez faire lorsque vous écrivez de bonnes lignes. Le reste des voix peut ensuite être utilisé pour "remplir les espaces" de l'harmonie.
Écoutez cet exemple de la 4e symphonie de Brahms:
Écoutez maintenant les voix du haut et du bas:
Nous avons toujours essentiellement le même effet musical. Les 1ers violons avec la voix supérieure et les violoncelles et les basses sur la voix inférieure créent un contrepoint intéressant et efficace. Les deuxièmes violons et altos servent alors à compléter les accords, avec moins d'emphase pour les rendre indépendants et intéressants..
Se sentir submergé? Ce serait compréhensible, je viens de jeter beaucoup d'informations sur vous! Revenez-y morceau par morceau, prenez votre temps et jouez avec chaque concept. Ecrivez vos propres exemples et veillez à les écouter. Cherchez un contrepoint dans votre musique préférée et séparez-le intervalle par intervalle pour voir ce qui fonctionne..
J'espère que vous traitez ce cours intensif en contrepoint comme une introduction à l'art. Pour bon nombre d'entre vous, ces concepts de base suffiront à ajouter un peu plus de sophistication à votre musique. Pour les autres qui souhaitent approfondir leurs connaissances, je suggérerais qu’il est maintenant temps d’ouvrir un des manuels plus traditionnels sur le sujet et de commencer une étude sérieuse..
Le livre le plus recommandé est "The Study of Counterpoint" de Johann Joseph Fux. Les gens adorent ce livre car il existe depuis toujours et on dit que même Mozart a appris le contrepoint à partir de celui-ci. Le problème, c'est qu'il approche les 300 ans. Sérieusement! Bien que tous les principes soient là, il peut être difficile de lire tout au long de.
Je recommanderais un texte plus contemporain, tel que "Counterpoint" de Kent Wheeler Kennan ou "Counterpoint in Composition" de Felix Salzer. Les manuels peuvent être coûteux, mais vous devriez pouvoir trouver un exemplaire usagé sur Amazon ou Ebay..
Le contrepoint peut être une étude de toute une vie, mais c’est sans aucun doute une quête enrichissante..
Accentsconagua