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Les premiers enregistrements de chacun - qu'il s'agisse de trois ou de treize ans - se déroulent généralement de la même manière. La date limite approche à grands pas et presque rien n’est fait. Ce qui a été fait ne sonne pas bien. Vos collègues musiciens n'ont aucune idée de ce qu'ils sont censés faire et personne dans la salle n'est vraiment sûr de la prochaine étape du processus..
Pour la plupart des débutants, le développement d'un flux de travail d'enregistrement n'est pas une priorité. Mais les professionnels vous diront que le temps, c'est de l'argent et c'est pourquoi ils ont travaillé si dur pour que leur travail fonctionne. Plus vous pouvez faire votre travail rapidement, plus votre taux horaire effectif est élevé et plus vous pouvez travailler rapidement, moins vous payez pour la location de studios, d'équipements et de personnel. Cela fonctionne du point de vue des dépenses et du revenu.
Voici un aperçu du processus et du déroulement d’un projet d’enregistrement correctement réalisé, avec des conseils pour l’optimiser davantage..
L'écriture est la première phase de tout projet d'enregistrement, même s'il commence bien avant que la décision d'enregistrer la chanson ait été prise. Pendant la phase d'écriture, les paroles et la musique sont créées et affinées jusqu'à ce qu'elles fonctionnent bien ensemble.
Lorsque vous êtes en phase d’écriture, il est important de réfléchir aux réalités de la performance et de l’enregistrement. Si vous écrivez des chansons que vous ne pouvez pas enregistrer ou jouer en live avec votre groupe, elles ne vous seront pas très utiles. À quel point êtes-vous fier de votre travail lorsque vous entrez en studio et réalisez que vous ne disposez pas du matériel, des musiciens ou des instruments nécessaires pour faire fonctionner la chanson??
L'établissement d'un répertoire est important et vous devez être capable de l'exécuter et de l'enregistrer. Même dans le contexte du processus d'enregistrement, il est important de prendre en compte les performances en direct. Sauf si vous n'êtes qu'un groupe de studio, votre travail doit être traduit sur tous les supports..
Avoir quelques restrictions à travailler est propice à la créativité, alors relevez le défi. L'artiste qui dispose de tous les outils du monde est souvent paralysé par choix, alors que le fait de travailler dans un ensemble de limitations peut rendre les décisions créatives beaucoup plus faciles. Pour la plupart des musiciens, il s’agit d’un thème récurrent de l’écriture au mastering, car il peut s’agir de l’une des carrières ou des loisirs les plus coûteux qui soient..
Une fois en studio, vous devrez peut-être travailler avec des musiciens de session qui n'ont pas répété la chanson avec vous ou discuter de certaines sections ou de certains riffs de la chanson avec votre producteur et vos collègues musiciens. Les vocalistes auront besoin de paroles. Ne pas préparer le bon matériel à l'avance sera plus un obstacle que beaucoup ne le pensent! Voici ce que je vous recommande d'apporter à chaque session, au moins quelques copies de chacune:
Bien que cela puisse paraître idiot, la répétition fait partie du processus d’enregistrement. Parce que si vous ne pouvez pas jouer la chanson en tant que groupe, vous ne pouvez absolument pas aller en studio..
Bien que l’enregistrement multipiste, la compilation et la quantification à l’arrière puissent donner l’impression que l’enregistrement d’une chanson est plus facile que de le jouer en direct, la vérité est que la musique enregistrée est vraiment très aléatoire et que tout ce qui comporte plus de deux ou trois pistes nécessite une , équilibre très délicat dans le mix pour éviter que les choses ne tombent en morceaux.
Si vous ne parlez pas bien en jouant ensemble, si vous ne pouvez pas vous enfoncer dans le groove de votre section rythmique et faire de la place pour chaque instrument là où chaque instrument en a besoin, c'est une chose de plus qui fera s'écrouler l'équilibre délicat. Votre enregistrement sera nul avant qu'il ne soit fini.
Vous devez répéter jusqu'à ce que la chanson soit suffisamment raffinée pour que vous pensiez pouvoir installer quelques microphones dans votre salle de répétition et obtenir une prise dont vous pourriez être heureux..
Bien que de nombreux débutants puissent être tentés de hausser ces conseils, voici une considération plus pratique pour vous: les studios coûtent de l'argent. Chaque heure que vous ne répétez pas est une heure de plus que vous payez au propriétaire du studio car il y a tellement de problèmes avec l'enregistrement.
Sérieusement. Répéter.
La méthode la plus courante pour pratiquer une chanson consiste à faire en sorte que le groupe la répète du début à la fin. C'est une méthode de travail particulièrement inefficace, car vous passez tout autant de temps sur les parties de la chanson avec lesquelles le groupe est d'accord que celles sur lesquelles le groupe se débat..
Concentrez-vous sur différents segments de la chanson, ou passez même 20 minutes sur une section à quatre mesures de la chanson s'il est difficile pour tout le monde de rester en phase les uns avec les autres. Ne continuez pas tant que le groupe n'a pas appris à jouer les segments problématiques à la perfection.
Il est important de pratiquer la chanson dans son ensemble sans s'arrêter, mais vous passerez votre temps beaucoup plus judicieusement si vous enregistrez les pratiques directes jusqu'à ce que tout le monde soit satisfait des sections de composants individuellement..
Donc, la chanson a été écrite. Le groupe peut y jouer les yeux fermés, suspendus à l'envers dans leurs sous-vêtements. Maintenant, ils ont décidé qu'il était temps de l'enregistrer.
"Qu'est-ce qu'on attend? Enregistrons! "Dites-vous tous dans votre enthousiasme. Désolé de mettre un frein à votre parti, mais pas si vite. D'abord, vous devez faire un plan.
Que ferez-vous et dans quel ordre? Combien d'instruments seront impliqués? Combien de parties chaque instrument aura-t-il et donc combien de pistes seront nécessaires pour chaque instrument? Combien de temps durera tout le processus? Quand faut-il réserver le studio et le producteur? L'ingénieur en mastering? Le maître joueur de piccolo, toujours insaisissable?
Sans plan, il vous reste deux jours de studio avant que le mixage doive passer au mastering et le seul joueur de piccolo encore en vie de ce côté de l'équateur est réservé pour trois mois d'affilée. Oops.
Un plan doit toujours être sous forme écrite. Je ne parle pas nécessairement de stylo et de papier - cela peut être un document informatique ou une sculpture de roche - mais les plans qui sont stockés dans la tête d'un être humain sont des plans qui sont oubliés dès la fin de la phase de planification..
Votre plan doit être aussi simple et complexe que le projet en cours. Si vous avez besoin d'un aperçu pour vous aider à démarrer, je vous suggérerais quelque chose comme ça:
Les plans peuvent être beaucoup plus compliqués, alors ajoutez-en si vous le souhaitez. Les plans peuvent aussi être assez simples - si vous voulez enregistrer une chanson folklorique de trois minutes avec un rack de matériel de studio standard, avec juste vous-même au chant et à la guitare, et peut-être un overdub de percussion ou deux, vous n'aurez pas besoin du même type de musique. structure.
Pour de nombreux musiciens, la phase de démonstration est l'une des premières phases d'un projet, ce qui signifie qu'ils ne sont pas complètement préparés et prêts à entrer dans le métier. Les premiers jours sont consacrés à la composition du studio, à décider quoi faire et à réfléchir aux divers changements qui pourraient être apportés à la chanson «juste pour le plaisir». Bien que tout cela soit très créatif, ce n'est probablement pas le meilleur moment pour jouer juste parce que vous n'avez pas préparé de plan d'attaque solide, que vous payiez pour du temps en studio ou non..
Avec ce flux de travail, vous avez déjà retiré toute cette expérience et cette incertitude de votre système. Vous savez ce que vous devez faire, vous ne ressentez donc pas le besoin de jouer parce que vous ne savez pas quelle est la prochaine étape..
La phase de démonstration est la partie du projet où chaque musicien enregistre une prise assez bonne pour former un cadre autour duquel le reste du projet est construit. Une fois que la démo est terminée et que vous passez au suivi, tout ce que vous avez à faire est d’échanger les pistes de démonstration pour les pistes finales. La démo n’est pas une piste finale raffinée, mais il est important d’obtenir certains facteurs. La production n'en fait pas partie, mais le timing est sûr.
Je me fiche de votre opinion personnelle sur les pistes de clic - certains élitistes fuient leur utilisation pour une raison ou une autre sans fondement - mais lorsque vous enregistrez une démo, assurez-vous que tout le monde enregistre sur une piste de clic.
Il est difficile de s’habituer aux pistes de clic pour les débutants, alors laissez à chaque instrumentiste, en particulier votre batteur, le temps de s’habituer à jouer avec un. Une fois qu'ils sont habitués, soyez impitoyable. Jeter des pistes qui ne s'alignent pas parfaitement.
La raison en est que le mauvais moment dans la phase de démonstration, puisque la démonstration servira de cadre de suivi, peut ruiner un projet entier et des semaines de travail. Une petite erreur de rythme peut être facilement corrigée pendant que vous enregistrez la démo. À mi-chemin du processus de suivi lui-même, c'est un gros problème car vous devez refaire tout un projet qui a été construit sur cette erreur. Moins vous êtes vigilant et plus vous laissez le problème dans votre projet, plus grand sera le problème..
Il est également important d'être pointilleux. Il n’existe pas de «marché pas trop grave», car quelque chose qui semble être une petite erreur sonnera comme une grosse erreur lorsque tous les autres instruments ont suivi leur exemple..
Version courte: si chaque piste de votre démo n’est pas au bon moment, la démo ne peut pas servir d’épine dorsale à votre pièce finale..
La hauteur n'est pas un problème aussi important que le timing en matière de démonstration, mais vous devez vous assurer que les instruments sont bien réglés avant de les enregistrer et faites de votre mieux pour obtenir le meilleur résultat possible ici..
Cependant, un instrument légèrement décalé peut nuire aux performances vocales dans la phase de démonstration et / ou de suivi. Comme la performance vocale est au centre de l’attention du public, vous devez le faire correctement.
Chaque fois que vous avez fini de suivre un instrument en particulier pendant la phase de démonstration, laissez le chanteur le chanter et assurez-vous que rien ne le blesse. Le problème lui-même peut ne pas être causé par des instruments désaccordés - cela peut être n'importe quoi, y compris un problème de synchronisation - mais quoi que ce soit devrait être traité alors que vous êtes encore dans la phase de démonstration plus flexible et malléable.
Au stade du suivi du projet, vous utilisez la démo comme guide tout en remplaçant chaque piste par la prise appropriée..
Dessinez des diagrammes d'équipement de montage en rack, prenez des captures d'écran des plug-ins, faites ce que vous devez faire pour conserver une copie de vos paramètres dans un fichier. Cela vaut également pour le placement des microphones: prenez une photo ou dessinez-en une, assurez-vous simplement que vous savez comment remettre les microphones dans leur état d'origine..
Et cela signifie au centimètre, alors sortez la règle. La différence d'un centimètre ne nous ressemble en rien, mais d'un point de vue sonore, elle peut être énorme.
Vous devez être pédant sur la tenue des dossiers de sorte que si vous avez besoin de re-suivre une section ou que vous ne puissiez terminer que la moitié du suivi d'un instrument particulier en une journée, vous pouvez reprendre votre travail là où vous l'avez laissé. Sans un son identique, vous devrez généralement commencer à suivre à partir de zéro. Cela peut fonctionner comme un effet ici ou là, mais avoir le ton des instruments change à mi-chemin de la chanson va dérouter votre auditeur.
Vous ne savez donc pas si le U87 ou Classic II est un meilleur micro pour une partie, et vous ne pouvez pas décider. Enregistrez les deux et choisissez plus tard! Il vaut mieux avoir des options que d’être coincé avec un résultat qui ne vous satisfait pas. Le dicton populaire dans l'industrie de la musique est vous ne pouvez pas polir une merde. En général, c’est en référence à la performance, mais croyez-moi quand je dis que les valeurs de production d’une piste peuvent donner un excellent son de performance, à l’instar de la merde proverbiale et impolérable..
Cependant, vous ne pourrez peut-être pas changer d’idée plus tard, c’est le positionnement du microphone (vous avez peut-être soixante-treize SM57, mais très peu de lecteurs auraient plus d’un U87 s’ils en avaient un). Passez du temps sur le positionnement. Bien faire les choses.
Si vous souhaitez utiliser des effets externes tels que l'égalisation et la compression, soyez très prudent et réglez les paramètres aussi subtilement que possible. Utilisez uniquement les effets dont vous avez besoin. Les effets hors-bord sonnent généralement mieux que les plug-ins si vous avez un bon équipement ou si vous êtes dans un studio professionnel, mais vous ne pouvez pas revenir en arrière et changer les choses plus tard. Si vous êtes débutant ou ingénieur intermédiaire, vous vous retrouverez souvent coincé avec une piste que vous ne pourrez pas utiliser après avoir réalisé qu'elle était en ruine une ou deux semaines plus tard. Cela arrive même aux ingénieurs expérimentés souvent.
Comme je l'ai dit à propos du placement du micro, passez du temps sur vos effets externes (ou destructeurs). Obtenez le droit. Et même alors, rendez-les subtiles; si vous n'avez pas suffisamment compressé, vous pouvez corriger les problèmes avec un plug-in. Si vous avez trop compressé, vous êtes foutu.
Le routage n’a souvent pas sa propre phase et il se peut qu’il n’en ait pas besoin pour beaucoup de lecteurs. Si votre genre est un folk minimaliste qui n'utilisera que deux à cinq morceaux par session, vous pouvez le sauter en toute sécurité. La plupart des produits electronica n'ont probablement pas besoin de faire beaucoup d'efforts. Toutefois, si vous enregistrez des tas d'instruments du monde réel et que vous avez de grandes productions difficiles à manier dans Pro Tools ou Logic ou quoi que vous en ayez, le routage est un art à part entière..
Ma phase de routage comporte deux parties:
Si vous ne savez pas comment configurer un sous-mixage de groupe aux ou un effet d'envoi / retour, quelques tutoriels sur Audiotuts + expliquent chaque.
Si vous avez une chanson avec 30 ou 100 pistes dans le projet, c'est trop pour votre esprit à gérer en termes de mixage relatif. Divisez tout en quelques groupes (moins de dix, de préférence moins de cinq) tels que les voix, la batterie et les guitares.
Puis ré-acheminez chacune de ces pistes afin qu'elles passent sur un canal auxiliaire stéréo plutôt que directement sur le maître stéréo. Obtenez un mixage relatif entre toutes les pistes en cours d'acheminement vers l'auxiliaire et consacrez-y un peu de temps pour le rendre parfait. Si le sous-mixage est bon, vous n’aurez peut-être plus à toucher à des niveaux de piste individuels; il suffit de déplacer l'un de vos groupe aux faders pour ajuster le mixage.
Mélanger aussi peu que 20 pistes et quelques centaines est un processus douloureux. Si vous pouvez en faire autant en utilisant entre trois et dix sous-mélanges, vous rigolerez.
Il existe des effets couramment utilisés dans presque toutes les productions: la réverbération et le délai sont les plus courants, et le chorus apparaît dans la plupart des projets. Vous devez configurer les systèmes d'envoi / retour afin que chaque piste envoie une certaine quantité de son signal à un seul processeur qui s'adresse à toutes les pistes du projet. Cela a deux avantages.
Il est très facile de ruiner une chanson avec l'abus d'effets. Même si cela peut encore arriver avec l'utilisation de systèmes d'envoi / retour, il est beaucoup plus facile à contrôler. Différents réglages de réverbération sur différents instruments fonctionnent parfois, mais cela déroutera souvent l'esprit de l'auditeur. L'utilisation d'effets avec les mêmes paramètres, via les mêmes processeurs, permet de lier le mélange et d'obtenir un son plus cohérent..
Avant de commencer, vous voulez vous assurer que tout votre audio est en place, aligné, à fondu enchaîné et généralement prêt à être mixé sans nécessiter de gros changements ni de problèmes structurels. Vous devez être capable de vous concentrer sur les niveaux et les effets utilisés lors de la phase suivante sans vous laisser distraire.
Il est utile de préparer une liste de contrôle de montage que vous pouvez utiliser chaque fois que vous enregistrez quelque chose de nouveau. Vous pourriez utiliser quelque chose comme ceci, bien que ce ne soit en aucun cas complet:
Éditer des régions implique de découper diverses prises et d’aligner la meilleure piste de composition possible. 95% du temps de montage est généralement passé ici, et ce à cause du kit de batterie. Vous devrez parcourir chaque piste de batterie et vous assurer que les transitoires s’alignent avec le temps. Cela peut prendre des heures pour bien faire les choses. Vous devez également effectuer un zoom très rapproché, ce qui ralentit les choses - cela vous empêche de casser les choses en ligne de façon trop mécanique, comme cela se produirait avec un niveau de zoom normal. À un niveau de zoom normal, tous les sons que vous déplacez se déplacent plus loin pour s’aligner sur la grille, créant une performance techniquement parfaite mais vide émotionnellement..
Une fois que chaque région est en place, vous devez créer des évanouissements minuscules sur chaque région pour éviter les bruits de claquement partout et pour vous assurer que chaque épissure entre les prises est en fondu enchaîné..
Une fois que vous êtes satisfait, beaucoup de gens considèrent que la consolidation des régions est une bonne pratique pour faciliter leur travail à partir de maintenant..
Enfin, bien que tout ce qui a trait aux changements de niveau soit généralement considéré comme faisant partie de la phase de mixage, il peut être judicieux d’utiliser l’automatisation pour équilibrer le volume de pistes extrêmement variables avant d’arriver au mixage. Mélanger la première moitié du verset pour découvrir que la seconde moitié a des caractéristiques dynamiques totalement différentes n’est pas amusant et peut nécessiter beaucoup de travail de réparation (la solution simple est de tirer un compresseur très serré sur tout, mais vous voulez sucer la vie du son allez-y!).
Le mélange est un processus simple en théorie et peut devenir compliqué et stressant en réalité. L'idée est d'obtenir chaque son contrôlable et esthétiquement agréable avec des effets et des processeurs, et d'obtenir les bons niveaux. Mon processus va quelque chose comme ceci:
Le mixage est vraiment un gros travail, donc sans plan - même le plus élémentaire que celui que je viens de décrire - vous ne saurez pas par où commencer ni quand vous aurez terminé. Je sais que je finis par en faire beaucoup plus que ce que j'ai énuméré, souvent dans un ordre différent de celui que j'ai énuméré. Mais si vous ne savez pas par où commencer ni comment aborder le travail, votre session de mixage durera beaucoup plus longtemps et vous serez perturbé par des problèmes liés à tout, de votre structure de gain à la tentative de mémorisation de ce que vous avez traité et de ce que vous avez traité. vous n'avez pas.
C'est une partie assez négligée du processus de post-production. Une fois que vous avez obtenu le mixage final, vous souhaitez en créer plusieurs versions et les transférer sur le disque. Chaque version comportera un léger changement qui représente un léger changement de focus sur les instruments de la chanson. Une voix avec une voix principale plus forte, 1 dB, une voix avec une voix principale plus calme, 1 dB, une voix avec une voix d'accompagnement plus prononcée, peut-être une voix avec une batterie plus calme, et la liste s'allonge. Habituellement, les modifications ne seront pas supérieures à 1 ou 2 dB.
Vous faites cela parce que maîtriser change le son du mixage et cela vous donne la possibilité d'écouter rapidement différentes versions maîtrisées sans revenir en arrière, changer quelque chose, le faire rebondir, le maîtriser, puis le comparer. Pensez aux changements les plus probables que vous voudrez faire et préparez-les tous pour pouvoir les maîtriser en une fois..
Si vous ne faites pas le mastering, ce qui est probablement la meilleure idée (à moins que vous ne soyez un ingénieur en mastering avec un studio de mastering), vous devez néanmoins fournir ces options à l'ingénieur en mastering. Ils vous appelleront souvent pour vous demander si vous ne leur fournissez pas pour commencer. Merci à Bobby Owsinski, contributeur d’Audiotuts + Plus, pour ce conseil..
Je ne prétends pas en savoir beaucoup sur le mastering - mon flux de travail consiste à préparer mes multiples versions et à les transmettre à quelqu'un qui prétend connaître. Le meilleur conseil que je puisse vous donner est d’envoyer votre musique à Mastering Engineer. Lorsque je dois le faire moi-même, ce n'est pas du tout une méthode scientifique. Je fais rebondir des morceaux et les importe lors d'une session de mastering d'album, applique les processeurs habituels et essaie d'aligner le mieux possible les volumes de chaque piste..
Cela dit, il est important que le mastering fasse partie de votre plan, car vous devrez trouver un ingénieur en mastering, réserver une partie de son temps et vous rappeler de lui envoyer votre travail..
Si vous tenez absolument à vous maîtriser vous-même, ne manquez pas de consulter le site Web Audiotuts +, qui contient des didacticiels utiles sur le sujet. Si vous n’avez jamais l’intention de faire appel à un ingénieur de mastering, rendez-vous service et obtenez une formation plus poussée dans la matière..
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