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"Dans l’enregistrement moderne, l’un des plus gros problèmes est que vous êtes dans un monde où les possibilités sont infinies. J'essaie donc de fermer les possibilités au début. Je limite les choix. Je limite les gens à une petite zone de manœuvre. Il y a une raison pour que la guitare les joueurs produisent invariablement une musique plus intéressante que les synthétiseurs: vous pouvez parcourir les options d’une guitare en une minute environ, puis prendre des décisions esthétiques et stylistiques, cet ordinateur pouvant contenir un millier de synthés de mille sons. J'essaie de créer des contraintes pour les gens. "
- Brian Eno
Image Flickr par Eptin
Dernièrement, j'ai beaucoup réfléchi aux limites et aux possibilités en matière de composition. En utilisant des ordinateurs et des progiciels tels que Logic, Cubase, Sonar ou Reason, nos possibilités musicales sont presque infinies. Malgré tout, je me trouve souvent assis devant mon poste de travail, parcourant des centaines de préréglages de synthétiseurs ou d'échantillonneurs au lieu d'écrire de la musique.
Les grands compositeurs ambiants et minimalistes de notre époque comprennent clairement les pièges potentiels de nos options presque illimitées. Leur solution consiste à essayer de créer avec moins - de créer un monde musical complet à tout moment, mais en respectant un ensemble spécifique de règles ou de restrictions. Ces règles et restrictions peuvent varier considérablement d'un compositeur à l'autre, mais heureusement pour nous, l'utilisation de l'une de leurs techniques peut être utile dans presque tous les styles de musique..
Dans ce didacticiel, nous allons examiner quelques techniques simples que vous pouvez utiliser pour composer de la musique, qu’elle soit ambiante, minimaliste, voire rock ou pop. Tout artiste peut tirer profit de l’apprentissage de ces techniques et de leur application pour traverser les blocages d’écrivains, pour contester leur créativité de nouvelles façons ou simplement pour affiner et mettre en pratique leurs diverses compétences..
Comme Brian Eno l'a noté dans la citation ci-dessus, limiter les choix peut être un moyen rapide et facile d'imposer une nouvelle perspective à la composition. En réduisant les possibilités, vous devez penser dans une zone plus petite. Lorsque vous êtes limité à un plus petit ensemble de possibilités, vous devez examiner tous les choix inconscients que vous pourriez normalement faire lors de l'écriture d'une piste donnée..
Image Flickr par Bredgur
Un moyen puissant d'imposer des limites est de changer votre logiciel de composition. Par exemple, pour certains de mes nouveaux morceaux, j'utilise GarageBand - non pas parce que je pense que c'est nécessairement le meilleur outil pour le travail, mais plutôt parce qu'il me présente déjà un ensemble de choix plus limité en ce qui concerne la création sonore et la manipulation est concernée. Tandis que Logic est mon logiciel principal, le vaste éventail de fonctionnalités et de possibilités sonores peut parfois être un embarras de richesse. Pour utiliser GarageBand ici, je dois faire des choix concernant l'exécution, l'enregistrement, l'édition et le traitement, dans un ensemble de possibilités différent et plus petit..
Donc, limiter nos logiciels est un moyen de limiter nos choix. Voici quelques autres moyens de limiter nos choix qui pourraient éventuellement servir nos objectifs de composition..
Lorsque vous commencez à expérimenter de telles techniques, vous constaterez que beaucoup d’entre elles sont inconfortables et ne vous sentez tout simplement pas «bien» pour votre style de composition.. C'est une bonne chose! Ce malaise signifie que vous commencez à développer des muscles que vous n'avez jamais utilisés auparavant. Lorsque nous avons été paresseux et que nous n’avons pas fait d’exercice physique depuis longtemps, nous constatons que nos muscles et nos articulations ont tendance à résister (ou à protester) lorsque nous décidons finalement de sortir pour courir. En fait, notre forme musicale est limitée aux muscles que nous utilisons ou non, entraînez-vous à utiliser toutes vos capacités. Je vous garantis que vous serez surpris par les résultats.
Avec la facilité et la puissance de nos logiciels audionumériques, synthétiseurs synthétiques et échantillonneurs, beaucoup d’entre nous se retrouvent coincés au pays du synthétique. Un moyen puissant de redonner vie à nos compositions musicales est d'exiger que nous passions à une musique organique et que nous utilisions davantage (ou exclusivement) des sons organiques..
Image Flickr de Secret Tenerife
L’intégration de sons organiques peut signifier beaucoup de choses différentes, alors examinons quelques possibilités.
Parfois, les musiciens peuvent être intimidés par leur propre pouvoir d'expression. Exemple: à quand remonte la dernière fois que vous avez fait un chant VRAIMENT puissant, explosif, dur ou grinçant? Alternativement, si vous êtes dans un speed-metal ou un artiste hardcore, à quand remonte la dernière fois que vous avez créé un morceau vraiment cool?
Image Flickr par aussiegall
Vous pourriez vous dire: "Je fais le genre de musique que je fais et je ne suis pas intéressé à faire quelque chose de différent." Encore une fois - considérez cela comme une forme de "pratique", un peu comme jouer de la balance ou apprendre de nouveaux rythmes - et un moyen de faire travailler vos muscles. apprendre à jouer avec le contraste, dans une chanson et avec des chansons dans leur ensemble.
Avec des techniques comme celle-ci, il est important de ne pas se laisser prendre à l'esthétique - ne vous inquiétez pas trop de la sonorité du produit final ni de la préférence de ceux qui l'aimeront. Ceci est une pratique - alors prenez-le comme tel. Jouez avec des contrastes extrêmes de volume, de texture et de timbre. Composez une chanson où chaque piste utilise une forme de distorsion lourde. Vous pouvez également composer une piste où chaque son a une attaque lente et douce. Puis expérimentez en juxtaposant ces deux éléments dans la même chanson.
Un des exemples que je préfère de cette technique est utilisé à bon escient par Peter Gabriel dans sa chanson «Darkness» de l'album «Up». Notez à quel point le passage de l'intro au couplet est dramatique - un arpège doux et assourdi, suivi d'une guitare déformée et brutale. Cette technique se répète dans le contraste du couplet au refrain et au bridge.
Les arbres, même s'ils ne sont généralement pas considérés comme des objets «mobiles», sont rarement immobiles. Il existe un contraste inhérent entre la solidité imminente d’un tronc d’arbre et les légères oscillations des membres, des branches et des feuilles..
Image Flickr par Lincolnian (Brian)
En tant que compositeurs, le pouvoir de la dynamique est l’un de nos plus puissants alliés pour influer sur les émotions de nos auditeurs. Au niveau de la surface, la dynamique peut simplement faire référence à la sonie apparente ou à la douceur d'un élément musical particulier. Plus généralement, toutefois, la dynamique fait référence à l'immobilité ou au mouvement inhérent à une pièce donnée. Cela englobe non seulement les changements de volume, mais aussi le tempo, l'attaque, le maintien et les changements d'un élément donné au fil du temps.
Il existe un grand nombre de façons de jouer avec le mouvement et l’immobilité dans une chanson, mais voici quelques suggestions:
Un excellent exemple de cette technique peut être trouvé dans "Fossil and Fern" de Steve Roach.
Certains styles de musique s'épanouissent dans la création et la réalisation des attentes musicales. Par exemple, les musiques house et trance sont particulièrement efficaces dans les clubs et les raves, car elles télégraphient les accumulations et les pannes musicales à l'auditeur. De cette manière, l'auditeur a une certaine attente et il est récompensé lorsque cette attente se réalise, créant ainsi une sorte d '"expérience partagée" dans la mesure où sa danse correspond à la musique..
Image Flickr de K. Kendall
Parfois, cependant, il est tout aussi puissant de perturber les attentes de notre musique, car cela peut amener l'auditeur à s'asseoir et à en prendre conscience. Voici quelques moyens de défier toute attente dans votre musique.
Ces techniques devraient être, avant tout, considérées comme des «exercices». Considérez-les comme de l'haltérophilie ou de la gymnastique suédoise pour votre musique. Les résultats finaux de ces pratiques ne sont pas nécessairement le meilleur choix musical pour vos compositions finales. Cependant, comprendre ces techniques et les utiliser de manière sélective pour limiter les possibilités infinies auxquelles vous êtes confronté en tant que compositeur ne peut que vous aider dans votre quête pour écrire de la bonne musique..
J'espère que ce tutoriel vous aura été utile et que vous en retiendrez quelques-unes pour les utiliser dans votre propre travail. Si vous le faites, j'aimerais savoir comment ils ont fonctionné pour vous - faites-le-moi savoir dans les commentaires.!
Accentsconagua