Share
Il est facile de penser que pour obtenir un bon mix, il suffit simplement de pousser certains faders, d’obtenir un équilibre raisonnable, d’ajouter des effets et d’avoir terminé. Bien sûr, cela peut fonctionner pour un mélange approximatif, mais il y a beaucoup d'autres choses qui entrent dans la fabrication d'un excellent mélange qui va bien au-delà de la question fondamentale de l'équilibre. Ce sont des choses qui demandent généralement une expérience ou un mentor à réaliser. Bien que ce soit tellement plus facile de regarder et d’écouter pendant qu’un excellent mixeur fait son travail, permettez-moi de souligner un certain nombre d’actifs incorporels qui sont d’une importance vitale pour un bon mélange. La prise de conscience est toujours la première étape de l'apprentissage. Voici donc quelques points à considérer avant de commencer à déplacer les faders..
Il est très facile de se perdre dans la partie audio d'un ingénieur, mais à moins que vous ne réfléchissiez sérieusement à la manière dont la musique est assemblée (en supposant que c'est ce que vous êtes en train de concevoir, bien sûr), votre produit final ne sonne probablement pas. super, peu importe à quel point vous êtes bon pour équilibrer les pistes.
Je suis sûr que quiconque ayant un peu d'expérience a découvert que cet arrangement est généralement le principal problème non audio d'un mixage. À l’époque des morceaux illimités, il est très facile d’empiler de plus en plus d’éléments musicaux, ainsi que des doubles, des triples et tout ce que vous pouvez imaginer. Vous pouvez facilement vous retrouver avec une centaine de pistes à parcourir, ce qui vous confère une tâche impossible: faire en sorte que le son ressemble davantage à une bande de contenu audio dense. Un bon producteur donnera généralement un sens à l’arrangement, en réduisant au minimum les éléments jugés raisonnables, mais c’est parfois le producteur qui exige tout, mais l’évier de la cuisine doit être ajouté. Et si l'auteur-compositeur n'a pas un sens inné de l'arrangement (beaucoup le font, heureusement), vous avez un désordre sur les mains.
C'est pourquoi il est important que l'ingénieur de mixage soit au courant des principes de base de l'arrangement musical, car le fait d'être un ingénieur de mixage consiste en grande partie à savoir quand mettre en sourdine les choses et à savoir quels éléments ont préséance sur une certaine partie du morceau..
Un bon équilibre commence en réalité par un bon arrangement, il est donc important de comprendre cet arrangement, car le mélange est en grande partie soustractif par nature. Cela signifie que la disposition, et donc la balance, est modifiée par le simple acte de mise en sourdine ou d'abaissement du niveau d'un instrument dont la partie ne correspond pas bien à une autre. Si les instruments s'emboîtent bien dans les arrangements et ne se combattent pas, votre vie en tant que mixeur devient immensément plus facile. Mais que signifie exactement "se battre les uns contre les autres"?
Combattre signifie que deux éléments du mix exigent une attention simultanée.. Il se peut que les rythmes se heurtent, que les plages de fréquences de l'instrument soient les mêmes ou que les sons généraux soient trop similaires. Quoi qu'il en soit, votre oreille ne sait pas quoi écouter, car chacune demande de l'attention, elle est donc confuse. Lorsque votre oreille devient confuse, elle se fatigue aussi, et quand elle se fatigue, elle perd tout intérêt. Vous venez de vaincre l'intention du mélange en premier lieu, qui est attirer l'attention, ne pas la perdre.
Comment contourner deux instruments qui se «combattent»? Tout d’abord, c’est un arrangement bien écrit qui empêche les instruments de se gêner dès le début. Les meilleurs auteurs, arrangeurs et producteurs ont une idée innée de ce qui fonctionnera au niveau des arrangements et il en résultera un arrangement qui s'assemblera automatiquement sans grande aide. L’expérience aidera également un écrivain ou un arrangeur à savoir assez rapidement ce qui fonctionne ou non..
Mais il n’est pas rare de travailler avec un artiste ou un groupe qui n’est pas sûr de l’arrangement (très commun), ou qui veut expérimenter tous les sons qu’il trouve, ou permet simplement à un instrument de jouer dans toute la chanson au lieu de la section prévue, créant ainsi de nombreux conflits. C'est là que le mélangeur a la possibilité de réorganiser la piste en conservant ce qui fonctionne et en mettant en sourdine ou en abaissant le ou les instruments en conflit. Non seulement le mixeur peut-il influencer l'arrangement de cette manière, mais également la dynamique et le développement général de la chanson.
Pour comprendre comment les arrangements influencent l’équilibre, nous devons d’abord comprendre les mécanismes d’un arrangement bien écrit..
La plupart des arrangements bien conçus sont limités dans le nombre d'éléments qui se produisent en même temps. Un élément peut être un seul instrument, comme une guitare solo ou une voix, ou un groupe d'instruments comme la basse et la batterie, une ligne de guitare doublée, un groupe de choeurs, etc.. Généralement, un groupe d'instruments jouant exactement le même rythme est considéré comme un élément. Exemples: une guitare à deux voix ou une voix doublée est un élément unique, de même qu'une voix principale avec deux harmonies supplémentaires chantant la même mélodie. Si la basse joue très fort avec le kick et la caisse claire, cela peut aussi être un élément isolé. Deux guitares principales jouant des rôles différents sont cependant deux éléments. Une guitare principale et une guitare rythmique sont également deux éléments distincts. Alors, quel est un élément alors?
Il y a 5 éléments dans chaque arrangement.
Le plus gros problème avec la plupart des arrangements qui ne fonctionnent pas est qu’ils ont trop d’éléments se déroulant en même temps. Vous ne pouvez pas avoir 4 éléments de percussion, 5 éléments de guitare, 3 éléments de clavier, une section rythmique et des voix principale et de fond, et ne vous fatiguez pas à l'écoute car il y a trop de choses à faire!
L'esprit aspire inconsciemment à la simplicité et récompense un arrangement simple avec attention, ce que nous souhaitons bien entendu. Mais qu'est-ce que la simplicité signifie?
Vous ne devriez jamais avoir plus de 4 éléments en même temps. Vous pouvez vous en tirer avec 5 de temps en temps, mais 4 est généralement le maximum. «Mais habituellement, plus de 4 instruments jouent dans la plupart des choses que j'écoute de nos jours», dites-vous? Oui, mais ils jouent généralement les mêmes rôles. Par exemple, si vous avez une partie de guitare doublée avec une troisième piste jouant la même partie une octave plus haut, vous obtenez 3 instruments qui ne jouent qu’une partie, ce qui compte pour un seul élément. Si une guitare double une ligne de basse, il n’ya qu’un élément. Si vous avez une voix principale doublée d'une voix supérieure d'une octave, il ne reste que 1 élément. Un orchestre symphonique peut avoir 120 instruments, mais lorsque vous le décomposez, ils ne font que jouer un nombre limité d'éléments. Finalement, tout se résume à 4 des 5 éléments mentionnés ci-dessus.
Voici quelques exemples de la façon dont les éléments de l'arrangement fonctionnent dans diverses chansons. S'ils semblent familiers, c'est que j'ai utilisé certains de ces exemples dans le manuel de The Mixing Engineer's Handbook, mais ils constituent une bonne critique, même si vous les avez déjà lus..
Dans le standard radio de Bob Seger La nuit bouge, les instruments utilisés sont la basse et la batterie, la guitare acoustique, le piano, l'orgue Hammond, la voix principale et la voix de fond. C'est comme ça qu'ils sortent.
Habituellement, une guitare acoustique fait partie de la catégorie Rhythm car le pianotage pousse le groupe et crée de l'excitation. Dans "La nuit bouge”, Cependant, la guitare acoustique est retirée au niveau du mixage afin de se fondre dans la section rythmique et de devenir ainsi partie intégrante de l'élément Foundation. C'est ainsi que le mixeur peut influencer le mix par balance quand il est conscient de l'arrangement.
Alanis Morissette Merci contient plusieurs bons exemples de rythme et de pads. Ce qui est différent, c'est qu'il y a deux ensembles de chacun; un pour l'intro et le refrain et un ensemble différent pour les couplets.
Bien sûr, il y a tellement plus de choses dans cette chanson piste par piste, mais toutes les pistes supplémentaires remplacent ou doublent les éléments ci-dessus. Le nombre d'éléments reste constant.
Gnarls Barkley's Crazy est une chanson très dépouillée comportant très peu de couches, mais les quatre éléments principaux sont toujours là..
Cette chanson est inhabituelle en ce que la basse avec la ligne de guitare doublée fait avancer la chanson et devient le rythme. Assez inhabituel, mais efficace!
What Hurts The Most de Rascal Flatts est un exemple de la «nouvelle» musique country, qui ressemble beaucoup à la musique pop superposée, à l'exception des instruments traditionnels (guitare, banjo, violon).
Cette chanson est inhabituelle car elle n’a pas de ligne de signature, ni d’élément Fill, ni dans l’intro ni dans l’outro, et une vraie Fill uniquement à un endroit pour chacun. La basse est également mixée très fort et prend beaucoup de place dans le mix.
Cette chanson est différente car il n'y a pas de vrai Pad au sens traditionnel du terme, mais la guitare steel jouant doucement en arrière-plan joue bien le rôle et montre qu'il est possible pour des instruments non traditionnels de jouer ce rôle..
Il existe quelques règles faciles à retenir qui permettront toujours de gérer même le plus dense des arrangements..
Comme indiqué précédemment, il ne devrait pas y avoir plus de quatre éléments jouant en même temps. Parfois, trois éléments peuvent très bien fonctionner. Très rarement cinq éléments simultanés fonctionneront. Ceci est votre objectif numéro un en tant que mixeur. Indiquez au producteur et à l'artiste à quel point le mixage sera meilleur avec moins d'éléments au lieu de plus.
Maintenant, si quelqu'un (comme l'artiste) est marié à une partie, il n'y a aucune quantité de mendicité, de plaidoyer ou de spectacle qui changera son esprit, vous pouvez donc contrôler l'équilibre des instruments incriminés. Si 2 éléments ou plus se battent, ils ne peuvent tout simplement pas vivre au même niveau, alors préparez-vous à en faire un personnage de soutien. Parfois, un élément retiré du mélange peut se fondre dans un autre élément et le rendre plus intéressant, mais uniquement si le point suivant est observé.
Cette règle est si importante qu'il convient de la souligner. L’accord s’intégrera mieux si tous les instruments se trouvent dans leur propre gamme de fréquences. Par exemple, si un synthétiseur et une guitare rythmique jouent les éléments du compteur dans la même octave, ils entrent généralement en conflit. La solution consiste à changer le son de l’un des instruments afin qu’ils remplissent différentes gammes de fréquences, qu’on joue une fois dans une octave différente ou qu’ils jouent à des moments différents mais pas ensemble..
Lorsque deux instruments ayant essentiellement la même bande de fréquences jouent au même volume au même moment, le résultat est une lutte pour attirer l’attention. Pense-y de cette façon; vous n'entendez généralement pas un chant principal et un solo de guitare en même temps, n'est-ce pas? C'est parce que l'oreille humaine n'est pas capable de décider laquelle écouter et devient confuse et fatiguée à la suite.
Les guitares se battent souvent pour être entendues. Cela se produit généralement lorsqu'un joueur de guitare empile des parties utilisant la même guitare et le même amplificateur, ou en situation réelle lorsque vous avez deux guitaristes dotés du même type de guitare et d'amplificateur (deux Les Pauls et deux Marshall utilisant les mêmes réglages de prise de son serait le scénario de cauchemar, par exemple).
En studio, la première chose à faire est de convaincre le guitariste que c'est vraiment à son avantage d'essayer de jouer certaines de ces superbes parties avec une guitare, un amplificateur ou une enceinte différente, voire avec tout ce qui précède. Cela rendra les parties ou les piles simplement plus intéressantes sans même avoir à toucher un bouton d'égalisation. C'est plus facile à dire qu'à faire, car un guitariste se marie parfois avec son son ou sa guitare et refuse de changer (en tant que race, nous, les guitaristes, sommes comme ça). Il est maintenant temps d'atteindre le correcteur d'égalisation. Soit dit en passant, le changement de pédale n’est pas pris en compte dans cette situation, car il ne sert généralement qu’à amplifier le gain et ne modifie peut-être pas beaucoup l’équilibre des fréquences de l’instrument. Une pédale de modulation peut fonctionner si elle modifie le spectre tonal de l'instrument.
S’agissant d’un groupe jouant en concert ou en studio avec des guitaristes utilisant les mêmes modèles d’amplis et d’amplis, c’est le moment de leur apprendre la raison pour laquelle les commandes de tonalité ont été placées sur des amplificateurs. En règle générale, la plupart des musiciens ne savent pas comment utiliser quoi que ce soit qui règle les bandes de fréquences de leur instrument. Il y a 3 raisons générales pour utiliser l'amplificateur EQ:
1. De nombreux instruments (comme la basse et la guitare) ont des points morts sur l'instrument où quelques notes peuvent chuter de niveau.. Un peu d'égalisation peut aider à aplanir les choses si vous pouvez vous concentrer sur la bande de fréquence des notes en cours de décrochage..
2. Vous devez compenser un large retard de fréquence.. Cela pourrait signifier une situation dans laquelle une strat risque de ne pas avoir assez de fond lorsqu’elle est jouée lors d’un jubilé Marshall. Vous devez donc ajouter des graves avec des commandes de tonalité pour compenser. D'autre part, une Les Paul passant par le même ampli est peut-être trop lourde pour vous permettre de soustraire du fond. Et puis cette même Strat pourrait avoir juste un milieu de gamme qui ressemblerait à un pic à glace à travers les tympans de certaines notes, alors vous reculeriez un peu sur le milieu de gamme et retirez le médiator des oreilles..
3. Et enfin, dans nos deux scénarios Les Paul - deux Marshall où deux joueurs utilisent le même modèle d’instruments et d’amplificateurs. Afin de bien cadrer les fréquences, un joueur ajusterait son timbre pour avoir un peu plus de basses et éviderait peut-être les médiums inférieurs, tandis que l’autre joueur choisirait un top plus élevé avec un pic médium juste là où l’autre l’a écopé en dehors. Voilà, mélange instantané.
Bien sûr, les choses ne sont jamais aussi faciles dans la vie réelle. La plupart des guitaristes ne parviennent jamais au nirvana avec leur son, et ils ne s'écarteront jamais de rien avec lequel ils sont à l'aise. Mais s'ils entendent le succès de la technique en studio, ils sont généralement un peu plus ouverts à l'expérimentation. Bien sûr, vous pouvez toujours leur dire que xxx (indiquez leur artiste préféré) le fait de cette façon, car il le fait probablement..
Chaque chanson a quelque chose qui est le point d’intérêt principal ou qui est tellement convaincante que vous ne pouvez pas en perdre l’oreille (si ce n’est pas le cas, renvoyez la chanson à la planche à dessin. Elle n’est pas complète)..
Bien que le contrôle de l'apparence des cinq éléments précédents puisse suffire à de nombreux types de travaux audio et puisse permettre d'obtenir un mixage correct, la musique la plus populaire nécessite un mixage capable de porter la chanson à un autre niveau. Bien que ce soit toujours plus facile avec d’excellents morceaux, des arrangements solides et un jeu spectaculaire, un bon mélange peut prendre tout simplement des morceaux acceptables et les transformer en éléments de succès si convaincants que les gens ne peuvent pas en avoir assez. Cela a été fait sur certaines de vos chansons préférées de tous les temps.
Alors, comment pouvons-nous arriver à ce point?
Plus qu'un techniquement correct, un mixage doit être aussi intéressant qu'un bon film. Il doit atteindre son paroxysme tout en ayant des points de tension et de relâchement pour maintenir l'auditeur impliqué inconsciemment. Tout comme un film a l'air plus grand que la vie, un bon mélange doit avoir un son plus grand que la vraie vie. La passion et l'émotion doivent être à un niveau où l'auditeur est aspiré et forcé d'écouter.
Et le moyen de faire ça? Trouvez l'élément le plus important pour la chanson. Dans certains cas (comme la dance et le rap), l'élément le plus important est le groove. Pourtant, dans d'autres genres (comme Country), c'est la voix. It Rock and Pop cela pourrait être une ligne de signature ou un crochet.
Même si l'élément le plus important est souvent la voix principale, cela ne doit pas nécessairement l'être. Ce pourrait être un riff comme celui de The Stone la satisfaction et Demarre-moi ou l'intro de Coldplay Les horloges ou le rythme sur les vers de The Arctic Monkey Je parie que tu es bien sur la piste de danse. C'est toujours une partie si convaincante qu'elle vous oblige à écouter la chanson.
Quelle que soit la partie la plus importante, le mélangeur doit l'identifier et l'insister dans le mélange pour que le mélange soit élevé au-delà de l'ordinaire..
Accentsconagua