Écrire pour des instruments d'orchestre

Certains compositeurs ont toujours le privilège de travailler avec un orchestre pour enregistrer leur travail. Imaginez un orchestre à cordes de 60 musiciens assis devant vous, prêt à jouer votre dernière composition. Une section complète de bois et de cuivres juste là, vous attend pour faire ce que vous voulez! Alors, comment créez-vous vos idées musicales de manière à ce que chaque partie sonne parfaitement et sur mesure pour cet instrument?? 

Comment la clarinette sonne-t-elle dans une plage d'octave donnée? Est-ce que cette partie sera trop basse pour le hautbois? Comment ma partie de violoncelle ici peut-elle accompagner au mieux cet impressionnant thème de violon que je viens d'écrire? Et quand dois-je apporter les cors français - comment cela va-t-il modifier la "sensation" globale de la pièce en ce moment particulier? 

Dans cet article d'introduction à un sujet complexe et aux multiples facettes, nous examinerons quelques notions de base susceptibles de vous orienter dans la bonne direction, avec éventuellement quelques extraits musicaux intéressants à titre d'illustration..

Beethoven, Tchaïkovski, Mahler et Chostakovitch

Tout d'abord, il est utile de rappeler que l'écriture orchestrale est un métier qui remonte à plusieurs siècles. Quelques personnes assez célèbres y sont déjà allées et l'ont fait, certaines plutôt bien! Ce n'est donc pas une mauvaise idée de voir ce que nous pouvons apprendre d'eux. 

La taille et la composition de l'orchestre ont évolué au fil du temps, passant des cordes «pré-classiques» et «classiques» et «deux de chaque» sections au bois, aux orchestres beaucoup plus lourds de l'époque «romantique» de Tchaïkovski, Wagner. et Mahler. Le genre d'écriture romantique de la période du 19ème et du début du 20ème siècle utilisait généralement de plus grandes sections de cordes et de bois, un important complément de cuivres et une gamme complète de percussions orchestrales.. 

Ensuite, il y a les instruments eux-mêmes. Certaines ont évolué de manière radicale; les trompettes et les cors français sont devenus des instruments à clapets pendant cette période, leur permettant de jouer de manière chromatique, ce qui était impossible auparavant.

Alors, qu'en est-il du genre de scores modernes que l'on fait souvent pour les films à succès et les jeux leaders sur le marché? Je ne peux pas faire mieux que de suggérer que vous commenciez par étudier certaines partitions déjà écrites, en particulier celles de la période romantique, où la taille de l'orchestre et le type d'écriture semblent correspondre le mieux à l'approche moderne.. 

Étudier la musique orchestrale

Tout récemment, j'ai écouté 1ère symphonie de Mahler Encore une fois, ce que je connais bien de mon époque d’étudiant en musique, et j’ai été frappé de voir à quel point cela sonne «cinématique». La raison en est pas difficile à comprendre. Tant d’écrivains de partitions de films ont copié maintes fois les idiomes et les techniques de cette œuvre et d’autres œuvres orchestrales romantiques similaires, qu’il semble impossible de les entendre tout à fait comme ils auraient été perçus à l’époque.. 

Voici un extrait du début du 4ème mouvement; Comment est-ce une ouverture dramatique? Écoutez à 1:44, remarquez le contrepoint musculaire entre les violons et les violoncelles / basses dans la section des cordes et les trombones au son inquiétant et le geste du cor français qui suit. (L'extrait ci-dessous est transcrit de la partition d'orchestre.)

Ou bien, voici la 5e symphonie de Shostakovitch; un classique romantique du 20ème siècle. Notez le thème de cuivre puissant qui entre à 37h10; précédé par un vent en bois puis ponctué par la section des timbales. Trucs épiques; assez puissant pour l'apogée dramatique de tout film!  

Mais avez-vous remarqué le pathos de la belle harpe solo accompagnée d'un accompagnement à cordes qui le précède à 35h07? La notation ici est si simple et pourtant si tendre, fragile et attachante. (L'extrait ci-dessous est transcrit de la partition d'orchestre.)

La plupart d'entre nous sont des orchestrateurs MIDI!

La réalité est que la plupart d'entre nous ne rencontrerons jamais l'orchestre de nos rêves pour une session en studio. Nous devons être satisfaits d’un ensemble d’échantillons, fonctionnant dans le contexte de notre paquet séquenceur.. 

De nos jours, l’orchestre MIDI peut être un outil assez impressionnant et puissant, en particulier avec des échantillons haut de gamme. Mais l’utiliser est en fait un type d’expérience très différent de la réalité.. 

Quelqu'un a comparé cela à une animation informatique. Un designer talentueux pourrait sans aucun doute faire une animation informatique très impressionnante de toutes les célébrités. Quand vous le voyez, vous direz que cela vous rappelle vraiment la personne réelle. Mais rencontrer la vraie célébrité serait une proposition totalement différente. 

Essayons donc d'identifier certaines différences clés, car cela nous aidera réellement à écrire pour les instruments d'orchestre de manière plus efficace et beaucoup plus impressionnante..

Comment rendre votre écriture instrumentale plus réaliste

Le véritable orchestre est capable de jouer certaines choses qu'il est pratiquement impossible de recréer avec le MIDI; mais il est également très facile d’écrire des parties qui ne peuvent pas être jouées correctement par des musiciens en direct..  

Voici quatre conseils spécifiques qui vous aideront à éviter les pièges évidents:

• Les musiciens vivants ont besoin de respirer. Cette partie de flûte lyrique que vous avez écrite; vous êtes-vous souvenu de l'écrire en phrases respirantes? Même si vous n’écrivez aucune pause, il doit y avoir un espace pour qu’elle soit jouable et donc crédible à écouter. Les joueurs à cordes doivent changer de direction d'arc comme ils jouent et les joueurs à vent doivent respirer, donc pour que nos arrangements musicaux sonnent correctement, nous devons écrire des parties qui tiennent compte de cela.. 
  
• Lorsque vous divisez des parties de cordes (c.-à-d. Les premiers violons se séparent pour jouer deux parties), ne soyez pas tenté de jouer chaque partie avec le même patch de corde. Faire cela doublera effectivement la taille de l'orchestre à ce stade, mais dans la vraie vie, vous n'avez en réalité que le même nombre de premiers violonistes pour jouer les deux parties. L'instruction de partition d'orchestre 'divisi strings' signifie juste que; la moitié du nombre de joueurs de cordes jouera chaque partie. Le résultat semble différent. moins multicouche.
  
• Dans le monde réel, tout musicien peut varier ses articulations de notes sans effort. Par exemple, les joueurs de cordes peuvent passer de staccato à Marcato, tenuto à legato à la notification d'un moment. Une bonne section de cordes bien répétée peut très bien faire cela, bouger comme un seul corps. En fait, de nombreuses mélodies mémorables dépendent pour leur effet d'une articulation de notes variée dans la phrase. Malheureusement, cela est plus difficile à faire dans le monde MIDI, car cela implique de sélectionner un patch différent ou d'appuyer sur un commutateur à clé pour modifier la longueur de la note ou de l'enveloppe de chute. En conséquence, les auteurs MIDI ont tendance à commettre l'erreur d'écrire des parties dans une articulation uniquement pendant des périodes anormalement longues.. 
  
• Une autre chose qui est facile à faire dans le monde réel est pour groupes de cordes pour jouer avec une dynamique très variée, passant de doux à fort et inversement à travers la phrase. À l'aide d'échantillons, ce n'est pas si simple. Cela implique non seulement de programmer la partie, mais également d'ajouter des informations de contrôleur continu pouvant créer la forme dynamique globale de la phrase. Mais c’est certainement possible, et ce travail supplémentaire en vaudra la peine parce que le réalisme supplémentaire qu’il créera ensuite. 
  
• Enfin, un point évident peut-être, mais chaque instrument d'orchestre a une gamme jouable.Écrire en dehors de cette plage est peut-être possible dans le monde MIDI, mais cela semblera certainement moins réaliste. Ainsi, les parties de hautbois inférieures à Bb ou celles de clarinette inférieures à E ne fonctionneront manifestement pas. De nombreux progiciels d'écriture de partitions sont capables de vous informer et de vous avertir de ces limitations. 
  
• Au-delà des problèmes de gamme d'instruments, il y a un autre point à souligner. De nombreux instruments d'orchestre ont un timbre légèrement différent ou une couleur différente. en fonction de quelle partie de leur gamme ils jouent dans. 

Bien écrire pour les instruments d'orchestre signifie donc apprendre ce qui peut bien fonctionner dans les différentes plages d'octave de chaque instrument; quel genre de phrases semble idiomatique. Par exemple, une partie de haute flûte peut sembler très brillante; effervescent, mais une phrase legato écrite dans l'octave la plus basse peut sembler mélodieuse, voire séduisante. 

Voici un exemple célèbre. l'ouverture de Debussy Prélude à l'apres-midi d'un faune. Notez les instructions du compositeur 'doux et expressif'; la plage est l'octave inférieure; la note la plus basse de la flûte est atteinte dans la mesure 9.

Voici un autre court extrait. les premiers bars comportent le hautbois cette fois. La note la plus basse de l'instrument est presque atteinte dans la mesure 11. Cet extrait a récemment été présenté avec un certain nombre d'autres extraits du répertoire pour orchestre que les hautboïstes devraient jouer pour auditionner des postes de premier plan dans l'orchestre. Remarquez dans le clip audio que la clarinette fait écho au hautbois, y compris dans sa plus basse octave.. 

Conclusion

L'abondance de marques d'expression dans la plupart des partitions orchestrales écrites nous indique que les musiciens d'orchestre professionnels doivent régulièrement jouer avec beaucoup de dextérité et de contrôle, tout en faisant face à une grande complexité. Donc, si nous en avons la chance, donnons-leur vraiment quelque chose de difficile à jouer! 

Les joueurs à cordes sont également très polyvalents et peuvent facilement rendre les parties qui se croisent sonnent sans interruption, mais il est toujours vrai que certains types de phrases musicales sont plus adaptés aux gammes particulières de chaque instrument. Il convient de garder à l'esprit que chaque instrument à cordes d'orchestre a quatre cordes, chacune réglée sur son propre accord; les cordes les plus basses ont tendance à avoir un timbre légèrement plus riche et plus foncé que les plus hautes.