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Les heures d'or de la journée sont le terrain de jeu de Christopher O'Donnell. Je pourrais dire que des images aux couleurs riches et à la faible profondeur de champ sont une marque de commerce de son travail. Très amoureux du paysage du Maine, O'Donnell révèle dans cette interview qu'il est devenu photographe par hasard, et non par choix..
J'ai trouvé le travail de Christopher O'Donnell par hasard également. Une image de l'auteur a attiré mon attention lorsque j'ai navigué sur Internet, et le fait qu'elle soit si semblable à l'une des miennes, en termes de technique appliquée, m'a amené à en rechercher d'autres. Surprise, la couverture de l’un de ses livres électroniques, The Portfolio of Bokeh, ne comportait pas non plus un oiseau similaire, mais les mêmes options que je l’ai dans l’une de mes photos. C'est toujours amusant de voir comment des photographes de différentes régions du monde parviennent aux mêmes solutions et images similaires, sans même connaître le travail de chacun. Je voulais en savoir plus.
Certains l'aimeront, d'autres le détesteront. C'est quelque chose que j'ai trouvé sur le travail de Christopher O'Donnell. La vérité est que certaines de ces photographies peuvent ne pas sembler complètement vraies, l’utilisation d’une faible profondeur de champ dans certains changements de réalité et les couleurs peuvent être trop saturées pour certaines personnes, mais elles permettent de créer une ambiance qui donne envie de se plonger dans la photo et se promener dans le paysage.
Comme lui ou maintenant, l'auteur vient de lancer un nouvel eBook, The Golden Hour Portfolio. Avec cette excuse, j'ai pu poser quelques questions à O'Donnell.
Je suis photographe de paysage et écrivain à plein temps, la source de mon inspiration étant la côte en constante évolution du Maine..
Je pense avoir complètement oublié mon affinité pour la nature et la photographie jusqu'à après coup. Avec le recul, mes souvenirs d’enfance les plus vifs se sont passés à l’extérieur. Ma mère avait toujours un appareil photo en main, elle a donc exercé une influence considérable dès le début. Je ne m'attendais pas à ce que ces deux personnes convergent jusqu'à ce que cela soit déjà arrivé.
Au cours de ma dernière année à l'université, je me suis complètement immergé dans l'art de la photographie, et ce n'était pas vraiment un choix. Pour obtenir mon diplôme, j'avais besoin de trois cours d'art, qui étaient toujours très demandés et rapidement remplis.
Lorsque je me suis retrouvé privé de deux cours pour ne pas avoir les conditions préalables requises, je suis allé voir le doyen qui avait appris à donner une introduction au cours de film noir / blanc. Il m'a gentiment accueilli et dans cette classe, mes quatre années de collège avaient un but.
Après avoir obtenu mon diplôme en 2008, je savais que je voulais vivre dans un État offrant de nombreuses opportunités pour la photographie de paysages, un lieu avec lequel je pourrais développer un lien fort. L'océan a été une influence constante dans ma vie, le Maine était donc le choix le plus évident pour moi. Je suis très reconnaissant de vivre dans cet état primitif avec une telle beauté intacte et de l'avoir comme terrain de jeu créatif..
Ce que j’ai découvert à propos du Maine, c’est que l’on peut avoir à la fois un lever de soleil et un coucher de soleil, ce qui est contraire à ce que la plupart des gens pourraient croire puisque la côte fait face à l’est. Le littoral varié offre de nombreuses péninsules qui s'étendent du nord au sud, il y a donc beaucoup d'endroits qui font face à l'ouest pour un coucher de soleil.
A part ça, j'adore les levers de soleil. Toute l'expérience est quelque chose que vous ne pouvez pas décrire avec des mots - c'est simplement exceptionnel. Le silence du paysage est si lourd avec rien, mais les vagues qui se brisent pour l’interrompre. Voir les couleurs passer progressivement du bleu au rouge, et l’accumulation spectaculaire de lumière jusqu’à ce qu’elle explose dans le ciel, est incroyable. C'est comme si la nature ne commençait pas sa journée avant le lever du soleil.
Je pense que tout le monde devrait être témoin d'un lever de soleil au bord de l'eau à un moment de sa vie. C'est une expérience surréaliste et les souvenirs resteront toute votre vie. Pas tellement les souvenirs visuels, mais l'expérience émotionnelle et spirituelle. Il peut être difficile pour moi de me concentrer au lever du soleil, je veux juste m'asseoir et profiter pleinement du moment.
Je suis constamment à la recherche de nouveaux emplacements. Je ne parviens pas à compartimenter ma photographie, elle fait désormais partie de ma vie quotidienne. Si je vois un endroit qui semble prometteur, je vais faire quelques recherches et y retourner avec la photographie en tête. Il arrive aussi que je me concentre uniquement sur la recherche d'un nouvel endroit à explorer et que j'exploite au hasard la topographie avec Google Maps pour voir ce qui semble prometteur..
Lorsque je trouve un nouvel emplacement, j'ai tendance à l'explorer à fond et à le revoir plusieurs fois sous un éclairage différent, en particulier à l'heure d'or, puis à nouveau sous un ciel couvert. J'ai la chance d'avoir un horaire flexible qui me permet de planifier mes photographies en fonction de la météo et de la lumière. Le repérage géographique est donc important..
Si je vois des nuages commencer à tourbillonner autour du soleil le soir, je sais que le coucher de soleil sera intéressant. Je veux pouvoir me rendre dans une région déjà découverte et connaître le paysage.
Ironiquement, certaines de mes photos préférées ne résultent d'aucun repérage géographique. Ce n'est donc pas nécessairement une condition préalable pour moi. Je ne laisserais jamais passer l'occasion de photographier un nouveau domaine car je ne l'ai pas encore exploré. Photographier un lieu sans plan ni mise au point peut être libérateur et permet à votre créativité de s'exprimer sans les contraintes d'une image prédéterminée.
Les heures en or sont devenues un fil conducteur dans la plupart de mes travaux. J'ai un lien émotionnel profond avec cette heure de la journée, les moments juste avant le coucher du soleil et après le lever du soleil. La lumière joue un rôle important dans mon processus créatif, et les heures en or me fournissent mon genre préféré.
J'aime penser aux heures d'or dans un sens plus large que simplement un "style" ou un "temps". Je le considère comme une toile sur laquelle je peux créer. Cela me permet d'interpréter le paysage tel que je le vois et, plus important encore, comment je le vis. Ce n'est ni un projet personnel ni une phase, mais une partie de qui je suis autant que la photographie.
La lumière est la force motrice de ma photographie et inspire une grande partie de ce que je fais. Les heures d'or et le bokeh sont influencés par la lumière, alors je suis définitivement connecté à eux.
La lumière naturelle me fournit les moyens de créer, et la partie la plus excitante est qu’elle ne peut pas être contrôlée. Je crois que ce besoin d’adapter la lumière a permis à mon développement créatif d’évoluer régulièrement..
La familiarité avec le paysage améliore sa connexion, et cette connexion est la base sur laquelle je construis mes images. J'ai passé plus d'un an à photographier la même plage au fil des saisons et chaque image évoquait une expérience entièrement nouvelle, renforcée par ce lien. C'est un fil conducteur qui se manifeste dans mon travail.
L’emplacement est très important pour moi, et pouvoir revisiter le paysage et développer une connexion avec lui est une expérience puissante.
Plusieurs personnes m'ont dit qu'elles savaient que c'était ma photo avant de voir qui était le photographe actuel. Je ne vois pas la cohérence entre mes images, du moins pas évidente. Cependant, d'autres peuvent le voir, mon point de vue doit donc être un peu subjectif.
Quand je regarde mes photos, je ne vois pas seulement les différences visuelles, mais je peux revivre l'instant, l'atmosphère, les émotions. Chaque photo représente pour moi une expérience et un souvenir uniques, ce qui doit donc influer sur ma vision de l'individualité de chaque image..
D'un point de vue technique, il y a plusieurs qualités que j'aime être cohérentes dans mon portefeuille, notamment une mise au point nette et une exposition correcte: une sans hautes lumières ou ombres broyées. J'explore également toute la gamme tonale d'une scène, repoussant les limites du contraste sans endommager la pièce finale..
Je n'utilise généralement pas de filtres à densité neutre gradués (GND). La plupart de mes travaux sont réalisés grâce au mélange d’expositions. Cela ne veut pas dire que l’un est meilleur que l’autre, mais plutôt que j’aime travailler dans la chambre noire numérique et que j’adore la polyvalence de l’utilisation des masques pour choisir de façon sélective l’endroit où je veux ajuster mon exposition, ce qui le rend plus polyvalent que les GND..
D'un autre côté, je dois parfois faire face aux images fantômes, mais j'ai appris à contourner ce problème par le biais de montages (parfois fastidieux). J'aime cette partie de la photographie, mais pas les autres. C'est pourquoi le chemin que vous choisissez doit tourner autour de vos préférences en matière de flux de travail..
Si vous aimez travailler dans la chambre noire numérique, la fusion d'exposition améliorera considérablement vos photos. Mon expérience de Photoshop et de la technologie est solide, ce qui fait de l'exposition une technique combinant harmonieusement mes compétences..
La fusion d'exposition et les filtres GND sont deux chemins menant au même résultat. Il n'y a pas de meilleure méthode au sens général, mais plutôt sur une base individuelle. Celui que vous appréciez le plus sera évident dans votre travail.
Je repousse définitivement l'enveloppe de ce que l'on voit dans la réalité. Pour moi, marcher est une mince ligne et je la traverse parfois. Ce n'est pas simplement pour l'impact visuel cependant. La couleur et le travail que je fais dépendent entièrement de la scène, en particulier de mon lien émotionnel avec ce moment particulier..
L’expérience que j’ai eue lors de la prise de photo dictera l’objet du résultat final et le chemin vers l’image finale n’est jamais clair pour moi. Je vais souvent passer des heures, voire plusieurs jours, à travailler sur une photo jusqu'à ce que je recrée ce que je ressentais..
Par exemple, si je photographie une tempête qui approche, l'atmosphère est dramatique et les nuages lourds et denses. Je vais ajuster les couleurs et les tons pour représenter l'intensité que j'ai ressentie à ce moment-là. Pour les autres photos, je mets les couleurs en sourdine et adoucis les tons s'il s'agissait d'une expérience particulièrement sereine et apaisante.
Ce n'est pas une méthode pour tromper le spectateur - pour embellir ou modifier une scène dans une tentative de représentation trompeuse - bien au contraire. C'est ma façon de rendre l'expérience visuelle plus complète, une représentation plus fidèle de ce que fut cette époque pour moi..
Vous allez entendre des photographes dire «vous deviez être là» pour tenter de transmettre ce moment, et cette déclaration est très fausse. J’ai le sentiment qu’il s’agit de ne pas être en mesure d’expliquer le lien plus profond qui existe entre nous et une image particulière, ou du moins d’une manière que d’autres peuvent aussi expérimenter..
C'est quelque chose que vous ne pouvez pas expliquer avec des mots, alors les images que je crée sont pour moi une synthèse de toute l'expérience, des éléments visuels, des émotions, de l'atmosphère, et je l'introduis dans mon travail pour reproduire ce moment. Il est absorbé, traduit, puis projeté.
C'est pourquoi je n'ai pas été en mesure d'expliquer complètement mon flux de travail de post-traitement pour la couleur. C’est plus que l’ajout de calques de réglage et de masques, c’est unique pour chaque image. Si je viens de détailler le flux de travail technique, ce ne serait pas une explication complète.
Comment puis-je expliquer le processus de développement d'un lien émotionnel avec le paysage et laisser ce processus dicter la direction dans laquelle je dirige mon montage? Ce sera le premier sujet où je devrais me concentrer sur l'inspiration plutôt que d'expliquer un processus concret. J'aimerais parler du traitement des couleurs dans un futur livre numérique, mais ce sera un sujet très difficile à aborder..
Mes précédents livres électroniques traitaient de techniques simples, comme surmonter les problèmes d'exposition sur le terrain, de quels éléments avez-vous besoin pour créer un bokeh, etc. Ils sont concrets, méthodiques (pour la plupart) et pas entièrement personnels..
Ma couleur et ma tonalité de montage, cependant, apportent beaucoup d'émotion et de dialogue intérieur dans l'équation. Je dois donc trouver un moyen d'expliquer comment mes émotions guident mon flux de travail. C'est un concept très intimidant à mettre en mots.
Le montage de mon travail est limité aux couleurs et aux tons. En dehors de cela, ce que vous voyez est ce que j'ai vu. Je ne pas ajouter ou soustraire des éléments de mes images.
Tout le processus créatif, du repérage d'un lieu à la présentation de l'image finale, est un voyage éthéré et provoquant une dépendance. C'est une expérience très fondamentale, mais libératrice en même temps. Je me sens tout à la fin et je veux recommencer.
Si je vous montre une de mes images, je peux vous dire exactement ce que j'ai ressenti ce jour-là et comment a été l'expérience: les sons, les odeurs, l'atmosphère. J'ai un lien profond avec chacun d'eux. C'est euphorique en quelque sorte.
Pour revenir à la question précédente, je reproduis ces émotions et ces expériences dans mon flux de travail. Je pense donc que cela laisserait une partie très personnelle de moi dans chacune de mes images..
Mon équipement est plutôt simple. J'utilise un boîtier Canon 5D avec trois objectifs de choix dans ma collection, les 24 mm f1,4, 85 mm f1,8 et 300 mm f4. J'ai opté très tôt pour les objectifs à focale rapide, car j'avais déjà développé une connexion forte aux faibles profondeurs de champ..
Mon trépied Manfrotto est avec moi depuis que je l’ai acheté en 2008 et a été utilisé pour presque toutes mes images. La tête de la boule d'action de la poignée fonctionne mieux pour moi car je peux repositionner rapidement et facilement mon appareil photo. J'ai été tenté de changer et de mettre à niveau mon système, mais cela fonctionne exceptionnellement bien pour moi et je ne veux pas interrompre cette harmonie..
Le conseil le plus profond que je puisse donner est également le plus général et le plus simple: si vous vous sentez mal, ne le faites pas.
Avec la quantité illimitée d’informations digestibles sur Internet, vous pourriez facilement être persuadé de suivre un chemin qui ne vous convient pas. Tôt ou tard, l’incohérence entre ce que vous pensez être juste et ce que l’on vous dit, c’est la manière «appropriée» de commencer à se faire sentir en tant que photographe, l’étincelle qui inspire votre travail.
Si quelque chose ne va pas, si votre travail commence à ressembler plus à une corvée qu'à une chose qui vous passionne et vous inspire, arrêtez-vous et analysez cette rupture. Quand les choses ont-elles changé et, plus important encore, comment pouvez-vous revenir sur le chemin qui vous a procuré du plaisir? Il est naturel et attendu de poursuivre de nouvelles voies dans votre travail, en fait, c'est encourageant. La capacité de reconnaître que quelque chose ne fonctionne pas et d’avoir le courage de changer est ce qui vous mènera à une vie épanouie de photographe..
Votre instinct est votre meilleur ami. Vous saurez quand quelque chose ne fonctionne pas et c'est le signal de faire une pause. Il est important de prendre le temps de temps en temps de se recentrer, même lorsque les choses semblent se dérouler sans heurts. C'est incroyablement rafraîchissant et permet de renouer avec qui vous êtes en tant que photographe..
La partie fantastique sur la photographie est que chaque photographe a une vision unique, sa propre histoire à raconter. Je pense que la photographie est en train de connaître une révolution et que l'on met beaucoup plus de valeur à l'identité du photographe, plus précisément à son talent et à ses capacités uniques..
Les photographes d'aujourd'hui n'essayent pas d'imiter le travail des autres, du moins une fois qu'ils ont appris le métier. Je vois plus d’importance dans leur individualisme: leur vision, leur créativité et leur capacité à le montrer par leur travail.
Je pense que le caractère unique de l'industrie est ce qui permet à de nombreux photographes professionnels de gagner leur vie tout en gagnant leur vie en faisant ce qu'ils aiment. Tous les «consommateurs», qu’il s’agisse d’un client, d’un étudiant ou d’un amateur d’art, ne recherchent pas le même résultat. Il existe donc de nombreuses occasions de se déplacer..
On m'a posé cette question il y a exactement un an et j'ai mentionné que mes futurs projets incluaient la rédaction d'un livre électronique. Maintenant que j'en ai écrit quatre, il est donc un peu surréaliste de comparer ces deux différentes étapes de ma carrière. Je pense beaucoup plus différemment que l'an dernier.
Mon objectif est maintenant d’enseigner la photographie à travers mes écrits et mes livres numériques, c’est donc quelque chose que je vais continuer. Cela a été une expérience incroyablement enrichissante pour moi car j'ai une formation en enseignement, mais j'ai maintenant l'occasion d'enseigner une matière qui me passionne tellement..
La photographie a été une force constante et puissante dans ma vie, et cette expérience n'a été enrichie qu'en inspirant les autres à développer un lien similaire. J'ai seulement commencé à enseigner par le biais de livres électroniques. J'ai donc hâte de suivre cette voie et de voir ce qui se développe..
En ce qui concerne mon travail personnel, je ne peux pas répondre à cette question. Je laisse les saisons et le paysage guider mon inspiration et je ne sais jamais quelle direction me mènera.
Accentsconagua