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Je pense que chaque portraitiste moderne doit quelque chose à Richard Avedon. Dans la seconde moitié du 20ème siècle, il a dominé le domaine. Avec un style accrocheur, il s’est écarté du domaine de la photographie de mode et a influencé notre façon de voir la photographie d’art et le travail documentaire pour toujours. Dans ce tutoriel, nous allons faire des photos inspirées par son travail en utilisant des méthodes similaires.
Avedon est surtout connu pour ses portraits de personnages célèbres et ses portraits d'Américains moyens. Dans le seul monde de la musique, il a photographié des dizaines d'artistes de renom, dont certains sont si célèbres qu'ils n'ont besoin que d'un nom: Dylan, Cher, Barbara, Janis, Björk, John, Paul, George et Ringo..
De l'autre côté, il prit la route en photographiant des Américains ordinaires avec la même beauté et le même drame qu'il utilisait avec les étoiles. Mon préféré est sa série intitulée In The American West, où il a capturé des dériveurs, des agriculteurs, des enfants des zones rurales et plus encore, le tout sur un fond blanc emblématique..
J'ai trouvé mon sujet de la manière habituelle. J'ai lancé un appel ouvert sur les médias sociaux pour savoir qui voulait poser pour moi. Elaina McCormick a répondu. Elle est membre du groupe local (pour moi), Shoot Out The Lights. Ils ont une sensation country-rock. Elaina joue au clavier et chante.
Pendant la journée, vous la trouverez peut-être au lycée local de Badin en train d'enseigner les Badin Rocks! B: et. Un programme de musique basé sur la musique rock au lieu de la fanfare classique.
Shoot Out The Lights a un album disponible sur iTunes, et ils en auraient un autre.
Avedon a utilisé deux formats principaux tout au long de sa carrière. Au début, il utilisait une caméra de format moyen qui créait des négatifs de 6x6cm. Plus tard, il a commencé à utiliser un appareil photo grand format Deardorff 8x10, créant ainsi des négatifs 8x10 pouces. Je sépare les différents et j'utilise une caméra 4x5 grand format. Le mien est un graphique de vitesse.
Voici le matériel que j'ai apporté avec moi lors du tournage:
En tant qu'éditeur de Phototuts +, je connais la plupart de nos tutoriels. Et depuis quatre ans que nous existons, je ne pense pas que nous ayons jamais parlé de stands de fond. Je prévois de résoudre ce problème maintenant.
Les supports de toile de fond sont des pièces d'équipement assez simples. Lorsque vous en achetez un, il comportera trois parties. Vous obtiendrez deux supports correspondants, qui ressembleront et se comporteront exactement comme des supports légers. La troisième partie est une traverse qui se fixe au sommet de chaque pied en créant une tringle pour suspendre des objets, comme une tringle à rideau de douche.
Vous utiliserez généralement deux types de fonds avec un support en toile de fond. Le premier est en tissu. On dirait que tous les portraits pris de 1970 à 1990 ont été pris devant la toile de fond. Cela étant dit, vous pouvez acheter des couleurs unies et les motifs ainsi fabriqués sont maintenant différents de ceux du passé. Ils ne doivent pas être ringard. Ils viennent dans différentes largeurs et coûtent entre 30 $ et 30 000 $ pour une toile de fond solide bon marché de 6 pieds de large à plusieurs centaines de dollars pour des motifs plus élaborés dans des sections plus larges de 12 pieds de large.
Le deuxième type de toile de fond est un rouleau de papier. Vous pouvez obtenir ceux-ci est un vaste choix de couleurs différentes. La plupart du temps, ils viennent dans des couleurs solides et non des motifs. Ceux-ci sont déroulés et peuvent être utilisés à la fois comme toile de fond régulière et comme toile de fond transparente. Vous continuez simplement à le dérouler jusqu'à ce qu'il touche le sol. Donnez suffisamment à votre sujet pour qu'il se lève et vous l'avez. Attendez-vous à dépenser environ 40 $ pour un rouleau de 5 pieds de large.
Les toiles en tissu sont généralement utilisées lorsque vous voulez que la toile de fond ait un motif ou une texture. La seule exception notable est le noir. Réaliser un fond noir solide avec un chiffon est plus facile qu'avec du papier. Si vous en prenez bien soin, ils dureront pour toujours. Ils comprennent également des sections de 12 pieds de large, quelque chose d'inouï avec un fond de papier.
Les fonds de papier sont préférables lorsque vous souhaitez que le fond soit d'une seule couleur ou que vous souhaitiez un simple dégradé. Parce que les fonds de papier sont naturellement plats, contrairement au tissu, ils sont faciles à éclairer uniformément. Les fonds de papier sont réutilisables, mais s’ils sont utilisés sans soudure, ils sont souvent endommagés. La partie endommagée est alors coupée. Le rouleau de papier est beaucoup plus long que n'importe quelle quantité dont vous auriez besoin en une seule séance. Par conséquent, même si vous coupez 10 pieds, vous en conserverez assez pour la prochaine fois..
Vous savez maintenant tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur les stands et les arrière-plans. Je pensais que les fonds blancs classiques et gris texturés classiques d'Avedon méritaient une discussion sur le sujet..
La partie la plus critique de l'éclairage pour ce portrait était l'arrière-plan. J'ai choisi d'utiliser un fond gris clair car je trouve que le fond blanc est trop difficile à garder propre. Le gris peut être surexposé pour apparaître blanc. Il cache également des marques légères et des taches.
J'ai utilisé mes deux Vivitar 285 pour éclairer l'arrière-plan. Je les avais de chaque côté à environ 4 pieds du bord. Ils ont été pointés à l'arrière-plan à un angle de 45 degrés. C'était pour minimiser tout rebond direct. Je ne voulais pas que mon sujet soit rétro-éclairé. Je les ai mis à mi-puissance.
Ma troisième lumière était un arrangement simple avec mon monolight avec un parapluie attaché. Bien que Avedon travaille souvent avec de la lumière naturelle et des réflecteurs, je pensais que le parapluie donnerait un look plus classique que la softbox.
J'ai laissé ma lumière éteinte à gauche du modèle parce que sa coiffure couvrait une partie du côté droit de son visage. Pour certains des clichés, la lumière était dirigée vers le bas à 45 degrés, mais nous avons également utilisé un chapeau pour certains des clichés. Pour ceux, j'ai abaissé la lumière à 20 degrés ou plus. J'ai eu cette lumière sur 1/4 de puissance.
L'utilisation d'une caméra 4x5 n'est pas facile. Il y a beaucoup d'étapes, et en sauter une peut signifier arriver à un négatif complètement vierge. Je reviendrai sur les étapes exactes plus tard, mais venant d’un fond DSLR plein cadre, vous allez devoir réfléchir avant de plonger dans une session photo avec un appareil photo grand format. Tout d'abord, vous devrez penser à la lentille.
L'équation pour déterminer quel objectif utiliser est plus difficile que vous ne le pensez. Les longueurs focales deviennent folles lorsque vous changez de format. Par exemple, un téléobjectif de 90 mm est court lorsque vous travaillez avec des appareils photo plein cadre, mais sur un 4x5, un objectif de 90 mm est un grand angle. Cela n'entre même pas dans le monde du 8x10.
Avedon aurait utilisé un objectif 360 mm pour bon nombre de ses portraits. En termes de 4x5, cela équivaut à un objectif de 180 mm. En plein cadre, cela équivaut à un objectif de 52 mm. Cependant, je n'ai pas d'objectif de 180 mm. Mes choix se situaient entre 127 mm et 210 mm, environ 35 mm et 60 mm en termes de plein cadre.
J'y suis allé avec l'objectif 60mm car, après tout, c'est un portrait. Je pourrais aussi bien utiliser le téléobjectif court traditionnel. Ma deuxième raison de choisir l'objectif plus long est parce que je voulais que mon fond relativement étroit de 5 pieds de large remplisse le cadre. L'objectif plus long m'a permis de mettre plus de distance entre l'arrière-plan et la caméra.
L’ouverture était mon plus grand défi. Avedon utilisait généralement des ouvertures très étroites pour tirer le meilleur parti de ses images. Gardez à l'esprit que la profondeur de champ dépend du capteur ou de la taille du film. Tous les autres éléments étant égaux, un capteur plus grand signifie moins de profondeur de champ.
J'ai choisi une ouverture de f / 8. C’est loin d’être ouvert pour mettre au point tout mon sujet, mais c’était le mieux que je pouvais, étant donné la luminosité de mes flashs. J'aurais pu faire un autre arrêt, mais je ne voulais pas m'inquiéter des temps de recyclage avec mes flashes de trappe. C'était une préoccupation stupide, car il faut beaucoup de temps pour effectuer toutes les opérations sur un 4x5 entre les tirs.
Ma profondeur de champ à ma distance de travail n’était que de 4 pouces de mise au point acceptable. C'est la même profondeur de champ que vous auriez à travailler avec un reflex numérique plein cadre à f / 2 dans les mêmes conditions.
Ce n'était pas nécessairement une erreur. Comme vous le verrez, les images semblaient bien, mais un œil avisé remarquera que la technique ne correspond pas à Avedons..
Mon ISO a été dicté par le film que j'ai apporté avec moi. J'ai utilisé Ilford Delta 100, un film à la vitesse ISO 100. Je fais une impression 11x14, donc je voulais du grain fin pour de bons détails.
La vitesse d'obturation que j'ai choisie était de 1/125. Cela a été choisi plutôt arbitrairement. Les obturateurs de feuilles sur les objectifs grand format vous permettent de synchroniser à n'importe quelle vitesse d'obturation. Il n'y a pas de souci que ce soit trop rapide. Je viens de choisir une vitesse assez rapide pour annuler toute lumière ambiante dans la pièce.
Contrairement aux films de format 35 mm ou moyen format, chaque image de 4x5 est essentiellement indépendante. Sur un film 35mm, vous avez 24 ou 36 images. Si vous voulez tirer, vous pourriez aussi bien utiliser un rouleau entier. Avec le format moyen, vous avez généralement 12 images par rouleau.
Les appareils photo grand format utilisent des supports de film. Ils sont à double face (chacun tient deux feuilles de film). Même le film le moins cher coûte plus de 1 $ par feuille. Si votre sujet cligne des yeux pendant la prise de vue, vous perdez un dollar.
Donc, pour ce tournage, j'ai apporté trois titulaires, soit six tirs. Cela vous fait vraiment penser à ce que vous voulez et comment l'obtenir.
Le tournage s'est très bien passé. Au lieu de faire une série de coups, puis de changer de pose ou de tenue, j'ai pris un coup. Les deux premiers étaient vraiment des échauffements: elle en chemise noire, ça y est.
Ensuite, nous avons essayé des lunettes de soleil et un foulard dans les cheveux. Suivant était un coup de feu avec un chapeau et un sourire. Enfin, nous avons terminé avec deux images d'elle tenant son clavier.
Je suis allé lentement. J'ai porté une attention particulière aux détails. Je lui ai fait essayer plusieurs poses légèrement différentes avant de prendre chaque coup. Ensuite, je l’ai juste tenue dans la pose alors que j’attendais avec le doigt sur le bouton. J'ai attendu jusqu'à ce que ça ait l'air correct, puis j'ai tiré le coup sans avertissement. J'ai trouvé que le compte à rebours encourage le clignotement.
J'ai mentionné que tirer avec un 4x5 demande beaucoup de concentration. Voici les étapes nécessaires pour tirer.
Après l'avoir fait plusieurs fois, cela devient une seconde nature. Je n'ai pas fait assez de temps et j'ai tourné plus de 100 images en 4x5.
Il y a plusieurs façons de développer un film. Vous pouvez utiliser une variété de produits chimiques, à tel point que des étapes entières peuvent être ajoutées ou éliminées. Je ne perdrai pas de temps à décrire mon processus chimique, sauf à dire qu'il est très simple.
Ce que je veux dire, c’est que le film en feuille nécessitait un équipement différent du film en rouleau. Le film en rouleau est généralement enroulé sur des bobines et placé dans des réservoirs à développer. Cependant, le moyen le plus accessible et le plus simple de développer un film en feuille est de le faire dans des bacs, un peu comme le papier photo..
Le problème principal étant que le développement du plateau doit se faire dans le noir complet. J'installe mes séries de plateaux dans ma chambre noire et manipule le film directement avec mes mains. C'est le moyen le plus simple de développer le film.
Faire une ou deux feuilles à la fois de cette façon est relativement facile. Six, j'ai décidé, c'est trop. Vous devez constamment mélanger le film dans les produits chimiques. Cela signifie que les feuilles touchent souvent le fond du bac et sont rayées. La fiction entre les feuilles peut aussi nuire à l'émulsion.
Je n'ai pas eu de griffures majeures, mais quelques points ici et là. Ceci est particulièrement agaçant sur un fond blanc.
Autre que ce petit problème, le processus de développement est assez simple.
Après avoir jeté un coup d’œil aux négatifs, j’ai choisi l’impression. J'aimais le contact visuel, l'accent était mis sur, l'expression était bonne et j'aimais la composition générale. J'aime particulièrement le placement de la tête, qui a bien joué à la règle des tiers.
Les deux principaux éléments que vous contrôlez lors de l’impression en noir et blanc sont la luminosité et le contraste. La luminosité est contrôlée par la durée d'exposition du papier à la lumière de l'image. Plus le temps est long, plus l'image est sombre. Le contraste est généralement contrôlé à l'aide de papier à contraste variable et de filtres de contraste colorés.
Mes filtres vont de 1 à 5, par incréments de demi-pas. Je savais que le film que j'utilisais habituellement ressemblait à un filtre 3 ou 3,5. Cependant, je craignais que l'arrière-plan ne reste pas complètement blanc, j'ai donc sauté sur un filtre 4.5.
Évidemment, c'est trop contrasté. Remarquez la graduation indiquant les différents moments où j'ai exposé chaque section à la lumière. Le sommet a le plus d'exposition.
J'ai fait une autre bandelette de test en utilisant un filtre 3.5. Remarquez mes marques de temps sur le côté, 30 secondes en bas et 70 secondes en haut. Je ne marque généralement pas les empreintes de ce genre, mais cela aide à démontrer le point..
Gardez à l'esprit que les durées d'exposition dans la chambre noire fonctionnent exactement comme les vitesses d'obturation. Pensez à doubler ou à réduire de moitié le temps. Passer de 10 secondes à 20 secondes correspond à un arrêt. Passer de 110 secondes à 120 secondes équivaut à environ un dixième d'arrêt.
Utilisez de gros sauts dans le temps pour centrer votre cible, puis faites une bandelette de test couvrant un à deux arrêts pour affiner le réglage.
J'ai décidé d'utiliser une exposition de 70 secondes.
Ceci est une petite partie de l’impression lors d’une exposition directe de 70 secondes. J'ai remarqué que plusieurs zones devaient être évitées et brûlées. Plus important encore, l'épaule qui se fondait dans l'arrière-plan avait besoin d'une grosse brûlure. L'autre sujet de préoccupation était sous son œil. Je voulais éviter un peu l'ombre.
L'esquive serait assez facile. Je savais que je pouvais deviner l'heure et que tout allait bien. L'esquive était plus critique. Alors j'ai fait un autre test d'impression à 100 secondes pour me montrer ce qu'une esquive de 30 secondes permettrait d'atteindre.
La zone autour de l'épaule a l'air beaucoup mieux, mais en réalité un peu trop sombre. Je voulais juste compléter la forme de l'épaule, pas apporter une tonne de détails. J'ai opté pour une brûlure de 20 secondes au lieu de 30.
Lors de mes tests, j'avais identifié des défauts. Dans mon cas, des taches noires apparaissaient sur mon fond blanc. Dans ce cas, la poussière ne causerait pas cela. Cela était dû à des "copeaux" dans l'émulsion. Dans la chambre noire, la lumière devient noir de papier. Les zones blanches des photos sont représentées par une zone sombre qui bloque la lumière sur le négatif.
Je ne connais aucun moyen facile de réparer ces taches. Ma solution a été d'essayer de déposer de petits morceaux de carton noir sur l'endroit où je pensais qu'ils figureraient dans l'impression. Cela les esquiverait efficacement. C'était une douleur énorme dans les fesses et relativement infructueuse. Il me reste encore quelques places ici et là, mais j’ai éliminé certains.
Voici la copie finale. Les bords ne sont pas parfaits et il reste encore quelques petits points noirs. J'ai brûlé l'épaule droite pendant 20 secondes, puis environ 15 secondes sous le œil..
J'espère que cela vous donne un aperçu du monde du travail de Richard Avedon et de la photographie de film. C'est tellement plus technique que la photographie numérique. Il y a tellement de choses qui peuvent aller mal, des choses que vous ne réalisez même pas qui ont mal tourné jusqu'à votre retour à la maison!
Si vous avez des questions ou des commentaires, n'hésitez pas à me contacter dans les sections ci-dessous.!
Accentsconagua