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Avez-vous déjà regardé un tableau ou une illustration en vous demandant «Comment puis-je en faire une photographie? Eh bien, dans cet article, nous allons faire exactement cela. Nous étudierons une illustration de J.C. Leyendecker et en ferons une photo.
Pour ce tournage, nous utiliserons les techniques de pré-production, de production et de post-production que vous trouverez dans un tournage majeur..
Une illustration que Leyendecker a réalisée pour Arrow Arrow au début du 20e siècle.
Donc, voici l'illustration que nous allons convertir en photo. Outre les éléments évidents - les accessoires, les modèles et la garde-robe - l'essentiel à étudier est l'éclairage. L’éclairage sera généralement la partie la plus difficile car, contrairement aux peintres qui peuvent simplement inventer leur propre lumière avec de la peinture, les photographes doivent la créer avec une source..
De simples croquis comme celui-ci facilitent la gestion de scénarios complexes..
Comme nous ne pouvons pas simplement peindre une ombre ou un surlignage dans une photo, nous devons déterminer où se trouve la lumière et réfléchir à la manière de la recréer..
Nous devrons demander ce qui suit:
Tout d'abord, nous pouvons déterminer la provenance de la lumière grâce aux ombres de l'illustration, car les ombres se trouvent toujours du côté opposé à la source de lumière. Les faits saillants, en particulier ceux qui sont contrastés, facilitent encore les choses car ils nous donnent de meilleurs indices sur la directionnalité.
Deuxièmement, une fois que nous avons décrypté l’origine de la lumière, nous devons décider du nombre de sources d’éclairage qui les générerait. La première lumière est clairement évidente. La lampe sur la table donne une lumière assez forte sur le modèle à gauche et un bord sur le modèle à droite. La deuxième lumière vient d'en haut et à droite, donnant leur dû à la surface tournée vers la droite. Cependant, sur la base de mon expérience et des points forts des cheveux, de la main et des chaussures du modèle de gauche, il y a une troisième lumière. Cette lumière finale fait apparaître les surfaces restantes.
Troisièmement, nous devrons examiner la qualité de la lumière produite par chacune de ces sources. Cela nous donnera un indice sur les modificateurs d'éclairage que nous allons utiliser pour recréer le look, ainsi que pour commencer à déterminer nos ratios d'éclairage. La lumière de la lampe est semi-dure, comme en témoignent les ombres dures sur le visage du modèle de gauche et la bordure du profil du modèle de droite. La lumière supérieure droite est plus douce, mais avec une directionnalité. Et enfin, notre lumière gauche est d'une qualité similaire à celle de la lumière droite.
Enfin, nous pouvons être certains que la scène sera une couleur chaude à cause de la balance des blancs tungstène de la lampe sur la table. Nous devons également tenir compte du fait qu’il s’agit d’une vieille illustration et que le papier a tendance à jaunir avec le temps. Donc, il fera chaud, mais pas aussi jaune que celui illustré. Quelques gels colorés devraient nous aider à obtenir le look que nous recherchons.
En ce qui concerne la qualité de la lumière et le nombre de lumières présentes dans l'illustration ou le nombre nécessaire pour l'imiter, c'est en partie une question de goût. Je prends en compte les lignes nettes de Leyendecker dans son ombrage et le compense parce que le tissu est plus doux que cela. Et puisque je pense que la scène est un bureau ou un salon, je pense que l'éclairage devrait être plus doux que les sources dures suggérées par ses dessins..
L'objectif ici n'est pas de reproduire de manière robotique une scène, mais d'en faire une photographie. Il est bon de prendre une licence artistique et de prendre en compte les limitations de vitesse, de lieu et de production..
C'est ici que la photographie peut être la plus difficile. Pour la plupart d'entre nous qui n'ont pas de gros budgets pour acheter ou louer tout le matériel et l'espace dont nous aurions besoin pour créer ce cliché avec facilité, travailler avec ce que nous avons et faire un peu de bricolage est peut-être notre seule option raisonnable. Faites un peu de résolution créative de problèmes en pré-production et maximisez votre équipement. Cela tient plus de la prise de vue que de disposer de toutes les caméras sophistiquées, des lumières et de saisir votre cœur.. Presque chaque tournage nécessite que vous soyez un solutionneur de problèmes astucieux, surtout en cas d'échec ou de non disponibilité des équipements pour une raison quelconque.
Pour le matériel photographique, j'ai utilisé ce que je possédais déjà avec des articles ménagers pour façonner ma lumière. Je me suis ensuite rendu à Home Depot et j'ai ramassé quelques articles pour remplacer ceux que je n'avais pas sous la main, mais qui seraient utiles à l'avenir:
C'était beaucoup moins cher que de louer un kit de toile de fond et un sacré paquet beaucoup plus facile à transporter.
Mis à part les accessoires (lampe, livres, table, etc.), tout est en dehors du cadre. Pour mon passé, j'ai acheté une grande toile de peintre et, pour économiser quelques dollars de plus, j'ai utilisé du ruban adhésif lourd pour peintre plutôt que du ruban adhésif de gaffer. L'utilisation d'un fond de couleur uniforme facilite la composition. Le ruban de peintre pour travaux lourds était assez fort pour retenir la toile, mais pas pour enlever la peinture des murs - important si vous utilisez de l'espace loué ou emprunté.
Pour ce tournage, j’ai pris un peu de fantaisie avec mon montage, capturer mon ordinateur portable dans Capture One Pro 6. L’utilisation de Capture One ou même la prise de vue attachée n’est pas nécessaire, mais pouvoir appliquer des réglages de base de la densité et de la couleur ainsi que vérifiez les détails au fur et à mesure que les images arrivent, ce qui vous fait gagner beaucoup de temps. J'apprécie également Capture One, car il s'agit d'un processeur RAW très robuste qui produit des fichiers très sympas, neutres et flexibles pour un affinement supplémentaire dans Photoshop..
Une impression de référence située au-dessus de Capture One Pro 6 permet de s’assurer que j’atteins mes objectifs. Je l'ai aussi utilisé pour montrer à mes modèles ce que je voulais qu'ils fassent.
Monter l'appareil photo sur un trépied est également une bonne idée si vous avez de bonnes chances de composer des images ou d'échanger des arrière-plans. En gardant la même perspective, il est plus facile et plus rapide de prendre des morceaux de différents plans que vous aimez..
Étant donné que je possède un mélange de flashs et pas assez d’assistants de poche, je devais utiliser une méthode mixte pour les déclencher. Cela représentait un autre défi, car le capteur optique des Einstein était déclenché à chaque fois que le 580EX II de mon appareil photo envoyait un pré-éclair pour déclencher les autres 580EX II, ce qui provoquait l'incendie des Einsteins juste avant l'ouverture de l'obturateur..
Pour résoudre ce problème, j'ai utilisé un câble de synchronisation avec l'un des Einstein et réglé l'autre en esclave optique. Je règle également mon maître sur l'appareil photo pour qu'il clignote. Cependant, je ne voulais pas que mon flash intégré à l'appareil photo contribue à mon exposition, je l'ai donc réglé sur 1 / 128e puissance, bien en dessous de ce que l'appareil photo capterait. Maintenant, toutes mes lumières vont s'allumer correctement.
Une salle de réunion transformée en studio temporaire.
Comment j'ai déclenché mes flashes. Le flash intégré à l'appareil photo a déclenché les autres 580EX II et le câble de synchronisation a déclenché les Einsteins.
J'ai établi ma toile de fond, les accessoires, les réglages de la caméra et l'éclairage, et tout a été composé avant l'arrivée de mes deux modèles. Il était important d'être prêt à 100% pour le tir, car ils n'avaient qu'une vingtaine de minutes à perdre. Donc, je n’ai pas eu le temps de faire des tests en leur présence. Tout ce qu’ils avaient à faire, c’était marcher, poser et je prenais des photos en ne modifiant que très peu leur position et mon éclairage..
Beaucoup de photographes diront quelque chose comme: "Je n'avais que 5 minutes avec cette célébrité", mais ce qu'ils ne vous disent pas, c'est qu'ils ont passé des heures et des heures à mettre en place et à tester pour que ces quelques instants soient de la plus haute qualité. . Cela n'inclut pas les semaines ni les mois de conceptualisation et de planification préalables. Une bonne planification et une bonne préparation vont extrêmement loin, surtout si vous ne possédez pas tout le matériel et ne vous aidez pas..
Je travaille bien au-dessus de l'ambiant parce que je ne veux pas d'ombres ou de reflets qui n'aient pas été créés par mes stroboscopes. J'ai dû utiliser un diaphragme élevé, une vitesse d'obturation assez élevée et une sensibilité ISO faible pour atténuer la lumière du soleil qui se répandait à travers les fenêtres et éclairait le fond de ma toile. J'ai ensuite rempli cette obscurité avec mes lumières, créant le look que je recherchais sans contamination.
Ces réglages m'ont obligé à injecter davantage de puissance dans mes stroboscopes afin de tout ramener à la vue, en particulier mes flashes 580EX II. Étant donné que j’étais à environ 3 arrêts de l’ambiance, j’ai décidé d’utiliser les puissants Einsteins comme illuminateurs principaux et les petits flashes comme accents. Cela a aidé à garder les lumières à une vitesse de recyclage réalisable.
Il est important de noter que la distance ainsi que le modificateur de lumière affectent la lumière (qualité et rendement) lorsque les ressources sont limitées. Cela aide dans le processus de prise de décision sur l'endroit où vous allez placer vos lumières, quels modificateurs utiliser et quels stroboscopes vous utiliserez pour quel travail..
Pour l'appareil photo, j'ai choisi un objectif et une focale suffisamment larges pour capturer la scène, mais sans distorsion. Sur le capteur recadré 1,3x du Mark IV, l'objectif 24-70 mm subit moins de distorsion des bords que sur un boîtier plein cadre. Une lentille plus longue m'aurait donné une compression plus agréable, mais aurait sacrifié la profondeur de champ (DOF). Je ne voulais pas fermer plus mon ouverture et commencer à taxer mes flashes 580EX à un point où il faudrait 6 secondes pour une charge complète.
Voici les réglages de l'appareil photo, choisis pour fonctionner au-dessus de la température ambiante et dans les limites de mes petits flashs:
Voici les paramètres de flash que j'ai utilisés:
Comme vous pouvez le constater, la lumière principale et la lampe font la majeure partie des tâches lourdes. Je devais ajouter +0,7 coupures de courant à la lampe car les gels aspiraient à peu près autant d'énergie. Le remplissage devait être invisible, soulevant les ombres sans avoir sa propre signature. La lumière périphérique a été ajoutée à mi-parcours car la lampe ne fournissait pas assez de séparation.
Le 580EX II collé à l'intérieur de la lampe. Papier et feuille comme réflecteurs. C'est mieux qu'une ampoule car je peux contrôler avec précision la luminosité.
J'ai également ajouté un réflecteur sur le sol pour faire rebondir la lumière principale sur le dessous des chaussures. Encore une fois, un petit coup de pied invisible.
Nous avons maintenant toutes nos lumières, accessoires et équipements en place et numérotés presque exactement où nous le voulons. Si possible, utilisez des doublures portant le même type de vêtement que vos modèles pour mieux juger de la manière dont tout agira avec les personnes présentes. Je n’avais pas ce luxe, alors même avec les modèles dans la bonne pose, j’ai dû changer de lumière..
Par exemple, la lumière principale - un Einstein dans un Photek Softlighter II - se répandait sur mon arrière-plan. Cela l’éclaircit trop et rendrait plus difficile la découpe du fond ultérieurement. J'ai ajouté le gobo (carton) bloquant la lumière de mon fond.
La lumière principale gobo-ed pour l'empêcher de se répandre sur mon fond, ce qui rend l'illumination inégale.
Un autre petit détail faisait en sorte que la garde-robe se comporte bien. Les chemises se décollent naturellement avec le temps, produisant un "dessus à muffins", ce qui laisse même les modèles les plus minces plus larges. J'ai fait un peu de couture ad hoc avec mon ruban de peintre pour gros travaux pour éliminer le pouf.
L'utilisation d'épingles à linge, de rubans adhésifs ou de pinces est un truc utilisé sur les séances de mode pour que les vêtements soient bien sur le modèle pour ce coup particulier.
Parce que j'ai passé tellement de temps à planifier, à préparer et à tester le tournage lui-même, il n'a fallu que 20 minutes et environ 50 tirs. Pour que les choses se passent bien pendant cette courte période, j'ai donné des instructions claires et gardé un œil sur les détails de mon ordinateur portable, par exemple quelqu'un qui cligne des yeux. L'écran plus grand de l'ordinateur portable m'a permis de relever les petites choses qui pourraient ne pas être facilement visibles sur un écran LCD 3 pouces.
J'avais passé environ 5 heures en préparation, je voulais avoir tout ce qu'il fallait à huis clos pour ne pas passer autant de temps dans Photoshop à retoucher des choses que j'aurais dû faire pendant la capture. Ce serait beaucoup de temps et d’efforts perdus de voir "le tir" gâché parce que quelqu'un cligne des yeux et que je ne remarque pas.
Étant donné que je mettais beaucoup d'emphase sur la correction de l'image dans l'appareil photo, le post-traitement de l'image était plutôt simple et minimal. J'ai capturé Capture One Pro 6, en appliquant la balance des blancs personnalisée, la netteté et les niveaux à chaque prise que je prenais au fur et à mesure que je prenais la photo..
Une fois cela fait, j'ai exporté le fichier au format TIFF 16 bits dans l'espace colorimétrique Adobe RGB dans Photoshop. Je voulais conserver autant d'informations que possible à partir de la capture RAW pendant que je travaillais dessus. Une image 8 bits se serait effondrée plus rapidement.
Bien que j'aie utilisé 18 calques, le calque qui a fait le travail le plus dramatique a été le masquage que j'ai fait pour échanger l'arrière-plan. Tout le reste comportait beaucoup d'esquives et de brûlures précises dans différentes parties de l'image. J'ai utilisé 6 calques de réglage différents pour esquiver et graver de manière non destructive, ainsi que pour vigneter mon image..
Cela ressemble beaucoup, mais chaque calque de réglage m'a donné un contrôle précis et non destructif.
Le calque de réglage des courbes est un outil vraiment incroyable en raison de la grande quantité de contrôle qu’il procure. Vous pouvez non seulement ajuster la courbe elle-même, mais également utiliser le masquage, les modes de fusion et l'opacité pour affiner les effets..
Comme je l'ai dit plus tôt, parce que l'image est correctement enregistrée à huis clos, toutes ces couches ont simplement été affinées et façonnées davantage la lumière déjà présente. Cela a pris environ 3 heures, mais c'était efficace et pas inutile d'essayer de réparer les erreurs précédentes.
En parlant d’erreurs, la post-production ne s’est pas déroulée aussi bien qu’elle l’aurait pu. Le recul est toujours 20-20, mais c’est quelque chose auquel je devrais faire attention un peu plus pour gagner encore plus de temps. L'arrière-plan de la toile que j'ai choisi était trop proche de la couleur des cheveux de mon modèle pour que l'outil Affiner le masque de Photoshop CS5 devienne parfaitement flou..
Après plusieurs minutes d’ajustement de chaque curseur de cet outil, et même d’essai de la méthode des canaux plus anciens, j’ai fini par utiliser une brosse douce de 2 pixels pour masquer manuellement les poils correctement. Ce n’était pas difficile à faire, mais après des heures de pré-production (à partir de 4 heures du matin environ), j’étais un peu fatigué.
Donc, la prochaine fois que je devrai échanger des arrière-plans, je choisirai un arrière-plan qui me donnera plus de contraste..
J'ai également trouvé une alternative intéressante et moins chère au ruban adhésif de Gaffer: le ruban adhésif de peintre pour gros travaux. Gaffer a tendance à être d'environ 18 $ / rouleau. La bande que j'ai eu était 8 $ / rouleau. Les quincailleries, en particulier les plus grandes, sont d'excellents endroits pour trouver des alternatives moins chères mais très efficaces à leurs homologues de la photographie..
Enfin, j'ai acquis de l'expérience en tant que photographe de mode tout en apprenant à transformer une illustration en photo. Beaucoup de planification va dans quelque chose comme une séance photo de mode ou commerciale. Ces choses ne sont pas un hasard. C'est aussi beaucoup de travail lorsque j'essaie de tout faire en solo, comme je l'ai fait. Avoir un seul assistant m'aurait épargné une tonne de temps lors de la configuration et des tests d'éclairage.
Le résultat. Cela ne m'a pris que 20 minutes… plus 5 heures d'installation et 3 heures de post. Pas trop grave.
J'espère que vous avez apprécié cette procédure en coulisses et que vous avez quelques bonnes idées qui pourraient aider à améliorer votre prochaine idée, en particulier si elle concerne la mode ou le travail commercial. Si quelqu'un dit que quelque chose a pris "5 minutes", ce n'est probablement pas tout à fait vrai. Bien sûr, la cuisson des pâtes ne prend que quelques minutes, mais attendre que l’eau bouillisse est une autre affaire. Ce genre de photo ressemble beaucoup à ça.
Accentsconagua