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J'ai eu un réel besoin d'inspiration créatrice ces derniers temps et j'ai ressenti le besoin d'expérimenter de nouvelles techniques tout en continuant à découvrir ma vision et à peaufiner mon métier. À cette fin, je me suis souvenu d'un gars que j'ai rencontré il y a environ un an et demi, le photographe d'art Harold Ross, qui possède un style tout à fait unique qu'il a développé depuis près de 20 ans..
J'ai été impressionné non seulement par ses photographies étonnantes, mais également par sa capacité à communiquer son art de manière cohérente, ce avec quoi je me sens toujours aux prises. À première vue, les images de sa galerie ont une impression très HDR. Mais après un examen plus approfondi, il se passe quelque chose de plus ici. Harold est un maître de la technique connue sous le nom de light painting.
Je ne parle pas de la pratique consistant à prendre une photo avec un stylo optique, bien que l'idée ne soit pas trop éloignée. Le light painting consiste à appliquer de la lumière sur un sujet de manière très ciblée et sélective afin de faire ressortir ses formes, ses textures et ses couleurs uniques. Vous n'utilisez pas simplement vos flashs et vos réflecteurs pour faire ressortir ou projeter de la lumière sur votre sujet. Vous utilisez physiquement votre source pour appliquer de la lumière sur votre sujet, en donnant à chaque élément de votre cadre son propre traitement personnalisé..
Je ne suis certes pas le maître de la peinture de lumière que Harold Ross est, mais avec un peu d’expérimentation, après seulement quelques essais, j’ai pu maîtriser le processus et créer des composites plutôt cools. Commençons!
Cette technique nécessite une vitesse d'obturation beaucoup plus lente que celle avec laquelle nous sommes habitués. Dans un tel cas, toute lumière provenant de la pièce peut avoir un effet sur l’image. Pour minimiser cela, veillez à configurer votre prise de vue dans une pièce sombre ou la nuit, lorsque vous photographiez à l'extérieur, pour avoir le plus de contrôle possible sur la scène..
Lors de la prise de vue dans des conditions de faible luminosité nécessitant des durées d'exposition plus longues, il est absolument essentiel d'utiliser un trépied pour garantir des images aussi nettes que possible. Cela s'avère doublement important pour cette technique car vous prendrez une série de plans que vous composerez ensuite..
Un trépied vous aidera à vous assurer que chaque cadre est correctement aligné dès le départ et réduira au minimum le travail de tournevis dans Photoshop. Pour éviter tout léger décalage de l’appareil lorsque vous appuyez sur le déclencheur, vous pouvez envisager d’utiliser un câble ou un autre déclencheur à distance..
J'ai tout vu, d'une simple lampe de poche à une lumière LED, en passant par une source ponctuelle très fine utilisée efficacement dans cette technique. D'après mon expérience, une bonne option à considérer, pour ceux d'entre vous qui possèdent un téléphone intelligent, consiste à télécharger une application de lampe de poche. J'ai utilisé? Flashlight "de John Haney Software sur mon iPhone, que vous pouvez télécharger gratuitement sur l'App Store.
En général, je suis un collant avec ma vie de batterie et j'essaie de garder la luminosité de mon écran un peu baissée pour la faire durer plus longtemps entre deux charges, mais pour ce processus, je la lance à fond. Il émet plus de lumière que vous ne le pensez, surtout lorsque vous avez une longue exposition.
L'un des principaux avantages de l'utilisation d'une application iPhone telle que celle-ci pour le light painting est son confort d'utilisation. En réalité, l'application transforme votre téléphone en une mini boîte à musique portable, permettant des ombres plus douces et un éclairage plus uniforme. Vraiment, quel que soit le type de source de lumière que vous souhaitez utiliser, tout dépend de l'aspect recherché. La seule chose à garder à l'esprit, c'est que l'éclairage doit provenir d'une source relativement petite pour que vous ayez le contrôle nécessaire pour que l'effet fonctionne..
Pour obtenir l'effet recherché, nous devons vraiment ralentir nos volets. La vitesse d'obturation exacte est une question de préférence et le résultat d'essais et d'erreurs. Pour mes expériences, j’ai constaté qu’une exposition de 5 secondes à 5,6 et à 100 ISO fonctionnait bien et me donnait beaucoup de marge pour effectuer les ajustements nécessaires par la suite. Je suis sûr que l’utilisation d’une ISO supérieure conviendrait, mais comme nous tournons avec une lumière si faible, une ISO inférieure permet d’éviter tout bruit numérique..
En décidant de ce qui devait être tourné en light painting, j'ai trouvé qu'une scène comportant une variété de textures et de niveaux de réflectivité fonctionnait mieux. Lorsque les lumières sont allumées (si vous photographiez à l'intérieur), configurez votre photo tout en regardant dans le viseur pour vous assurer que tout vous va bien. Pour vous assurer que la mise au point est nette et nette dans votre image finale, utilisez votre mise au point automatique, les lumières toujours allumées, puis réglez la mise au point sur manuel et ne touchez plus votre objectif avant d'avoir terminé..
Maintenant pour la partie amusante! Lorsque tout est prêt, éteignez les lumières, allumez votre source de lumière et préparez-vous à tirer. Lorsque vous prenez des photos à 5 secondes, vous aurez tout le temps de vous concentrer sur un seul élément de la scène à chaque déclenchement de l'obturateur. Décidez d'où vous voulez que provienne votre source de lumière principale implicite - en haut à gauche, en haut à droite, etc. - et gardez cela à l'esprit lorsque vous commencez à peindre afin d'obtenir un aspect cohérent..
Parcourez chaque élément un par un et avec un mouvement constant, à quelques centimètres du sujet, et faites briller votre source de lumière à la surface pour vous assurer que la couverture est uniforme. Assurez-vous également d’appliquer un peu de lumière sur les côtés du sujet afin qu’il adoucisse les contours et fasse ressortir plus de détails. Vous pouvez même envisager de prendre une autre photo avec la lumière provenant de la direction opposée et légèrement plus éloignée, de la même façon que vous utiliseriez un réflecteur ou un second stroboscope pour que les zones d'ombre du sujet comportent également des détails..
Pour les sujets plus volumineux - comme la lampe, dans cet exemple - éclairons différentes zones individuellement et nous les recouperons par la poste. Pour des éléments comme le vitrail, j'ai éclairé par l'arrière plutôt que par l'avant. Cela a fait deux choses pour moi: 1) cela a réduit les reflets sur le verre et 2) cela a permis à la couleur du verre d'être plus brillante.
Une des choses à laquelle je n’avais pas fait attention au cours de mon premier travail de light painting, plus tôt dans le même tournage, mais que j’ai réalisé une fois que j’y suis arrivé, c’est le fond et le dessus de la table. J'ai concentré mon attention davantage sur les objets et j'ai oublié de considérer la scène entière. Prenez le temps, même à la fin après que vous ayez abordé tous vos sujets, d'éclairer l'arrière-plan et la surface de la table pour ne pas avoir de zones sombres non souhaitées dans votre image finale..
Assurez-vous de revoir chaque image après l'avoir prise pour vérifier si des réflexions involontaires se sont produites ou si vous avez oublié un endroit, etc. Il est toujours plus facile de prendre un autre coup immédiatement que de découvrir une erreur en post et de revenir en arrière. reprendre plus tard.
La partie post-traitement de ce projet est assez simple. J'ai d'abord importé toutes les images que j'ai capturées dans Lightroom afin de les transférer facilement dans Photoshop sans avoir à passer par un certain nombre d'étapes avant d'être prêtes à être importées dans Photoshop (notamment parce que je tire en RAW).
Une fois tous les cadres téléchargés dans Lightroom, sélectionnez-les tous et accédez à Photo> Modifier dans> Ouvrir en tant que calques dans Photoshop. Cela créera un nouveau fichier PSD avec chacune des images comme leur propre calque. Si vous n'êtes pas un utilisateur de Lightroom et que vous avez toutes les images au format jpeg, vous pouvez effectuer un processus similaire pour amener automatiquement toutes les photos dans un seul fichier PSD. Il suffit d'aller dans Fichier> Scripts> Charger les fichiers dans la pile. Localisez et sélectionnez les images et cliquez sur OK. Votre PSD sera prêt une fois que Photoshop sera prêt..
Étant donné que vous allez basculer entre les calques pour peaufiner vos masques, j'ai constaté que je peindrais parfois accidentellement sur le calque plutôt que sur le masque. Pour éviter cette erreur, convertissez chaque calque en son propre objet dynamique. En effet, vous ne pouvez pas peindre directement sur un objet dynamique. Comme je crée beaucoup d’objets dynamiques lorsque je travaille, en général, je configure un raccourci clavier personnalisé (F2) qui convertit le calque sélectionné. C'est un réel gain de temps.
Notre prochaine étape consiste à ajouter un masque de calque à chaque calque pour isoler les zones correctement exposées et masquer les zones inutilisables du calque. Faites ceci à chaque couche du panneau jusqu'à ce que tout le masquage soit fait. Vous pouvez maintenant effectuer un mélange plus précis pour créer une seule image uniforme à partir de votre groupe de cadres individuels. Il n'y a pas de vrai secret dans cette partie. Utilisez votre meilleur jugement pour faire en sorte que chaque couche passe dans la suivante, en montrant les meilleures parties de chaque sujet.
Si vous n'êtes pas un utilisateur de Lightroom, votre prochaine étape consistera à effectuer tous les réglages finaux de l'image globale jusqu'à l'obtention du produit fini. Depuis que j'utilise Lightroom, ma prochaine étape consiste simplement à enregistrer le fichier PSD, qui l'ajoutera automatiquement à ma bibliothèque Lightroom..
Maintenant que j'ai mon dernier fichier PSD composite dans Lightroom, je la traite comme n'importe quelle autre image et j'effectue les ajustements globaux nécessaires pour la peaufiner, tels que les courbes, les niveaux, etc.?
Et voila!
Une technique comme celle-ci vous donne vraiment la possibilité d'essayer de nouvelles choses et de voir ce qui vous convient. Pour comprendre ce flux de travail, je n'ai fait que regarder quelques exemples du travail de Harold, avoir une idée de ce qu'il faisait, et simplement saisir mon appareil photo et expérimenter. Il n'y a vraiment pas de mauvaise façon de s'y prendre, alors donnez-vous la permission d'essayer quelque chose que vous n'avez jamais fait auparavant et surtout amusez-vous!
Accentsconagua