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Aujourd'hui, j'ai le plaisir de vous présenter Russ Bishop, un photographe californien spécialisé dans les paysages, les sports d'aventure et les beaux-arts. Comme vous le découvrirez, Russ a appris son métier à l’époque antérieure aux appareils photo numériques et à la gratification instantanée, mais a pleinement adopté le passage au numérique. Il travaille constamment à se réinventer et à s'adapter aux changements du secteur. C'est pourquoi il a autant de succès qu'il l'a été pendant si longtemps..
Mon père était photographe et j'ai donc été amené à la couture assez tôt. C'était un type de grand format, noir et blanc du type Ansel Adams. Donc, j'ai passé beaucoup de temps dans l'arrière-pays alors que ma famille campait et montait en montagne, oh, ça remonte aux années 50, alors j'ai été élevé dans l'environnement.
En fait, j'ai eu mon premier appareil photo vers l'âge de 14 ans. C'était un Leica usagé à l'époque, qui était un très bel appareil photo. Depuis lors, je tire sur Nikon alors que je me suis concentré sur le 35 mm, il est beaucoup plus facile à gérer alors que je suivais mon père dans l'arrière-pays et la nature sauvage..
Je pense que la première chose que j'ai apprise est la patience lorsque je regarde quelqu'un utiliser une caméra grand format, avec le verre dépoli à l'envers.
C'était mon éducation, oui. C'était juste naturel. Je plaisante souvent avec des gens que je me sens généralement plus à l'aise sur un sentier que sur un trottoir à New York. [rires] Et c'est quelque chose que j'aime toujours transmettre aux jeunes photographes. Quelle que soit la spécialité de votre sujet, vous voulez que ce soit quelque chose avec lequel vous vous sentiez à l'aise, avec lequel vous vous sentiez vraiment à l'aise. C'est certainement le meilleur moyen de laisser transparaître votre vision et l'émotion de vos sentiments dans vos photographies..
Juste pour faire un peu de sauvegarde, j’ai en fait commencé à tourner en tant que professionnel, j’ai obtenu un diplôme en communication audiovisuelle et j’avais travaillé pour CBS dans les années 80, il y a bien longtemps. J'étais en liaison avec des sociétés de production. Mais j'avais déjà filmé bien avant cela et construit ma bibliothèque et vous savez, je voyage toujours et je fais beaucoup de tournages d'aventure, ce genre de chose.
Je construisais ma bibliothèque et je connaissais l’ensemble de l’industrie de l’alimentation qui était à son apogée dans les années 80. En 1987 environ, ma femme a pu obtenir un transfert de Los Angeles à Santa Barbara, alors nous avons déménagé à Ventura. J'étais un peu prêt. À l'époque de CBS, le dicton était le suivant: «C'est de l'art si ça vend.» Et je voulais enfin passer à une chose qui me passionnait toute ma vie.
C'était une transition naturelle pour moi et lorsque ma femme a eu le transfert, l'écriture était sur le mur. C'était assez évident. Nous voulions quitter la région de Los Angeles. Cela fait un peu plus de 20 ans que je fais cela professionnellement.
Oh, beaucoup de rejet. [rires] En fait, vous savez, je pense que c'est une bonne chose et qu'il est important que les photographes, en particulier les jeunes photographes, puissent regarder leur travail et en quelque sorte l'indexer au fil des ans. Parce que c'est incroyable. Je vais regarder mon travail en arrière et parfois, j'ai presque peur. Je pense: "Oh mon dieu, j'ai envoyé ça en qualité professionnelle?"
C'est bien de se voir grandir. Je dois admettre que, même si j'ai adoré regarder Velvia sur une table lumineuse, c'était une question de sueur, j'ai complètement adopté le numérique depuis 2005 et je ne peux plus revenir en arrière. Le coût de la soumission d'un film, de la manipulation du film et même du peu, vous savez, de notes sur toutes les soumissions adressées aux clients et du fait qu'ils étaient essentiellement responsables des 1 500 $ en cas de perte. Et malheureusement, la pression est venue à bout quelques fois et nous avons dû passer par cela, qui ne laisse jamais un bon goût dans la bouche de tout le monde.
Passons rapidement au numérique et nous avons quitté ce domaine, mais nous avons toujours des problèmes de droit d'auteur et je suis un ardent défenseur de l'utilisation des filigranes et de ce genre de choses. Trouver ce bon équilibre entre présenter votre travail de manière très attrayante et en même temps faire savoir au monde, non seulement comment vous trouver, mais vous reconnaissez vos droits et droits d'auteur. Ce sont des choses très importantes ces jours-ci.
En 1990, les choses se passaient sans heurts. L'avantage réel était que c'était l'apogée du stock et que les droits de licence à cinq chiffres n'étaient pas rares. Les choses sont un peu différentes aujourd'hui. C'est vraiment plus un jeu de nombres.
C'est ce que je dis aussi aux jeunes photographes. Avoir la passion, avoir besoin de si bien connaître votre sujet et votre sentiment de le ressentir que vous pouvez constamment grandir et vous réinventer et suivre votre vision. Je dis souvent que j'espère que je n'ai pas encore pris ma meilleure image.
Regarder en arrière et voir ma croissance à travers les années, vous savez, c'est une progression naturelle. Vous ne pouvez pas vous rabaisser pour quelque chose que vous avez fait il y a des années, car ce que vous négligez, c'est votre processus de croissance à mesure que vous vous développez..
C'est principalement stock. Je ne fais aucune mission, c'est principalement du stock et des beaux-arts. Je vends des estampes, des objets d'art au travers de collections d'entreprise, mais ce sont tous des travaux personnels. Comme vous pouvez le constater d'après mes travaux, j'insiste sur l'ouest des États-Unis. Nous avons une telle richesse ici, c'est incroyable.
L'année dernière, j'ai effectué un voyage en Europe. France et Italie. J'ai voyagé en Amérique du Nord, au Canada et à Hawaii, mais principalement dans l'ouest des États-Unis.
C'est quelque chose que j'ai reproduit à quelques reprises lors d'un voyage de ski de fond dans la Sierra Nevada. C'était un tournage prévu. Cette photo a été prise à Rock Creek, dans la région de Mammoth, dans la Sierra Nevada, le long de la (route) 395.
C'est un endroit formidable en hiver, car il est toujours fiable pour la neige. C'est l'un des endroits les plus froids de la Sierra et le début du sentier débute à environ 9 000 pieds. Il commence à 9 000 'où la route se termine et vous skiez jusqu'à 11 000'.
Cette image particulière a été prise à la tombée de la nuit lors d'un voyage de ski de fond et la tente est simplement éclairée par une très petite lanterne, une lanterne à LED. Cette configuration est assez simple. L’objectif 24 mm, qui est vraiment l’un de mes objectifs principaux pour les paysages et les sports d’aventure. C'est juste un grand champ de vision et la profondeur de champ est fantastique, donc c'est vraiment l'un de mes objectifs préférés.
Sur cette photo, alignant les pics, il n’ya qu’une belle ligne d’horizon, bien découpée en silhouette, avec un peu de lumière crépusculaire et la lueur chaude de la tente. Aucune manipulation nécessaire, après le traitement. Très simple.
Pour revenir aux débuts, j'ai suivi pas à pas Galen Rowell. Il a certainement été une de mes inspirations avec Art Wolfe et Ansel Adams, bien sûr, avec le travail de mon père. La devise de [Rowell] de voyager dans les montagnes, un alpiniste avant tout et un photographe ensuite, je souscrivais vraiment à cela. Voyager vite et léger.
Ainsi, aux débuts du film, avant le numérique, j’utilisais ce que Nikon qualifierait plutôt d’appareil photo semi-professionnel, comme les modèles FM et FE, que même les photographes de National Geographic comme Dewitt Jones et Galen Rowel ont choisi. mêmes modèles car avec le film, vous n’avez pas besoin d’un appareil photo plus lourd comme le F3 ou le F4. Ce n'était pas quelque chose que vous vouliez transporter dans l'arrière-pays. Être capable de voyager léger.
Encore une fois, objectifs de 20 mm ou 24 mm. À l’époque antérieure à l’état actuel des choses, les zooms étaient d’une telle qualité qu’ils pouvaient en réalité remplacer ceux des primes. Maintenant mon préféré est un 17-35mm et le 70-200mm qui ne sont que des objectifs fantastiques. Ce sont mes deux principaux objectifs aujourd'hui
Sauvegarde un peu. Le 24 mm, probablement les 10 premières années de ma carrière, était mon objectif principal pour le paysage et le 105 mm était mon téléobjectif court idéal pour les portraits, les détails francs ou naturels..
Non, juste un one man show. Je n'en ai pas encore eu besoin, même si j'ai eu beaucoup d'offres. [rires] Parfois, il serait bon d'avoir la compagnie, mais une partie de cette devise rapide et légère est juste cela; être capable de porter le matériel, mais j'ajouterai que le revers de la médaille est aussi d'être en bonne condition physique.
En fait, je viens de lire quelque chose aujourd’hui, je pense que c’était dans Sierra Magazine, à propos de quelqu'un affirmant qu’une personne ne devrait jamais porter un sac qui représente plus du quart de son poids corporel. Et je devais rire. Souvent, mon sac banane, j'utilise des sacs LowePro et je porte un sac Orion devant, aura près de 10 kilos. Assez souvent entre le matériel de ski, le matériel d'escalade et le matériel de photographie sur le dos. En plus du matériel de camping, je vais souvent emporter un sac de 60, 70 livres. Je devais rire de ça
Le fait est que votre conditionnement physique fait tout autant partie de votre équipement et de votre préparation au voyage que la recherche et la connaissance de votre équipement..
Du côté des paysages, je devrais dire Eliot Porter. Il a poussé le travail de la couleur et a rapidement rétabli la scène. Ces jours-ci, David Muench est pour moi une source d'inspiration, à la suite de lui et de son blog..
Bien sûr, il vient de rentrer du cercle polaire arctique et j'apprécie son approche. Il se spécialise également davantage du côté humanitaire. J'aime sa réelle approche ouverte et bien sûr l'accent mis sur la vision, encore une fois, connaissant votre équipement et capable de travailler sur cette vision et d'être capable de voir et de développer votre oeil.
À l'avenir, j'ai hâte de me diversifier un peu et éventuellement de me rendre en Islande et en Patagonie lors de certains de mes voyages. Faire des ateliers, ce que je ne fais pas actuellement, est peut-être à l'horizon. Donc, ce sont quelques choses que nous pourrions avoir dans les travaux.
Comme je l'ai déjà dit, je tiens simplement à souligner que les jeunes photographes débutants, qu'ils décident de le faire comme métier ou comme passe-temps, le principal est de suivre leurs passions et de les laisser passer. Laissez l'émotion transparaître dans leurs images.
Vous trouverez plus d'informations sur le travail de Russ sur son site Web, son blog, Facebook, Twitter, LinkedIn et Google.+.
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