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Toutes les deux semaines, nous relisons certaines des publications préférées de nos lecteurs au cours de l'histoire de Phototuts +. Ce tutoriel a été publié pour la première fois en août 2010.
Aujourd'hui, nous examinons la théorie et la psychologie derrière la taille, le cadrage et le poids visuel de différents éléments de votre composition photographique. Vous seriez surpris de la quantité d'informations à apprendre sur ce choix et de l'impact que votre décision peut avoir!
Les photos sont nos visions, créées dans le viseur, composées et enregistrées en un clic. Parfois, cette composition initiale est la composition finale et parfois non. Parfois, nous composons notre scène avec l'intention de créer notre vision finale à ce moment-là, alors que parfois, nous composons une scène dans l'intention de recadrer ou d'étendre ultérieurement notre vision..
La plupart des photos au format 35 mm sont prises de manière serrée, composant l’image finale. Les grands formats nous permettent toutefois de recadrer et de recomposer sans compromettre la qualité de notre image. Enfin, les formats carrés sont moins pratiques pour les compositions finales et sont souvent rognés ultérieurement en formats plus souhaitables..
Contrairement à d'autres formes d'art graphique, une photographie a toujours été liée par des dimensions spatiales limitées au cadre de l'image. Et le plus souvent, ces dimensions gardent et finissent par influencer la composition de nos scènes.
Jusqu'à toute l'évolution de la photographie numérique, le format de cadre d'image le plus courant était celui d'un rapport largeur / hauteur de 3: 2, format standard d'un film de 35 mm au format 36x24 mm. Avec l'avancement de la photographie numérique, le format de cadre plus naturel, un rapport largeur sur hauteur de 4: 3, a rapidement été adopté par les caméras grand public de niveau bas à moyen. Cela a permis d'obtenir un cadre d'image naturellement agrandi horizontalement, particulièrement sur les écrans d'ordinateur et le papier d'impression de format standard..
Le format de film 35 mm a été subtilement transféré dans la photographie numérique, créant ainsi un fossé entre le photographe amateur professionnel / sérieux et les autres photographes. Et sa popularité de longue date est juste une petite preuve de la facilité avec laquelle notre sens de la composition viscérale s’adapte.
Notre vision naturelle suggère souvent une vue horizontale (à cause de la façon dont nous observons naturellement avec nos yeux) qui peut être la raison la plus influente pour laquelle les photographies sont souvent composées horizontalement plutôt que verticalement. Une autre raison, moins fondamentale, est la facilité de tenir une caméra de manière horizontale en raison de la construction et de la conception..
Lorsqu'un sujet est allongé verticalement, cela a plus de sens et il est plus naturellement perçu par la vision humaine lorsqu'il est cadré verticalement. Si notre scène ou notre sujet se dilate horizontalement (ou également dans les deux sens), il est plus naturellement perçu par la vision humaine encadrée horizontalement.
En outre, lorsqu'un objet est cadré horizontalement, il est plus pratique que l'œil du spectateur soit décentré, légèrement penché davantage d'un côté du cadre. Et lorsqu'un objet est cadré verticalement, il est plus pratique de placer le sujet décentré vers le haut ou le bas du cadre, le placement inférieur étant plus approprié et naturel, car il suggère et traduit la stabilité plutôt que de provoquer une sensation de sensation de tête baissée.
Si un sujet vertical est encadré horizontalement, il est souvent composé vers l'une ou l'autre des extrémités d'un cadre horizontal de manière à motiver l'œil à se déplacer horizontalement le long du cadre..
Dans un cadre carré, cependant, cela devient plus compliqué à cause du manque d'emphase directionnelle du cadre. Seuls quelques appareils offrent un cadre largeur / hauteur de 1: 1, et il est courant que les photographes présentant une telle forme composent leur scène en laissant des extrémités lâches ou non utilisées pour un rognage vertical ou horizontal ultérieurement..
Comme la plupart des sujets ne sont pas naturellement carrés, un cadre carré est un défi pour une composition réussie. Étant donné que la plupart des formes de paysage sont souvent conçues et encadrées horizontalement, un cadre carré peut constituer un défi pour le contrôle du flux visuel d'une image..
Toutefois, un cadre carré peut parfois offrir un changement intéressant, voire rafraîchissant, par rapport aux formes de cadre allongées plus connues, verticalement ou horizontalement. Il peut même être un format plus pratique pour les sujets symétriques (comme sur la photo ci-dessous en Elena Erda).
Il est important de garder à l'esprit que ces idées sont des suggestions plutôt que des règles rigides qui doivent toujours être suivies.
Quand il n’ya qu’un seul sujet à encadrer, il peut sembler logique de le placer au centre, avec un espace égal dans toutes les directions. Parfois, cela fonctionne réellement, mais le problème avec ce type de cadrage est la prévisibilité. Il vaut toujours la peine de s’éloigner de cette option et d’expérimenter de positionner le sujet sur différents côtés de la composition pour déterminer lequel fonctionne le mieux..
Cela devient plus important si le sujet est de taille relativement petite par rapport à tout l’espace environnant. Lorsque le sujet est décentré, cela crée des tensions au sein de votre image. Cette tension peut être décrite comme une force physiologique qui, en photographie, donne un avantage supplémentaire à vos photos, transmettant l’enthousiasme et créant un drame..
Si votre sujet est décentré, vous aurez l’impression que vous voudrez que le centre soit à nouveau équilibré dans un endroit logique ou qu’il essaie de s’éloigner encore plus du centre vers le bord de la photo. Assez haut niveau de théorie, je suis d'accord, mais mérite d'être considéré!
S'il y a d'autres sujets à encadrer, votre composition doit équilibrer ces sujets dans le cadre. Je veux vous montrer un exemple illustrant ce dont je parle, et je ne pouvais vraiment pas penser à un meilleur exemple que Trey Ratcliff photo célèbre: La Trinité Solitaire.
Sur cette photo, vous pouvez clairement voir comment Trey a brillamment équilibré sa photo en organisant les trois éléments principaux de son image de manière triangulaire, en équilibrant tous les deux sujets opposés pour aboutir à une composition agréable:
Lorsque vous regardez une photo, vous commencez généralement par regarder ce qui vous intéresse le plus. Cela dit, il existe quelques faits incontestables qui régissent ce qui intéresse le plus les téléspectateurs et ce qui retient leur attention (et dans quel ordre).
Bien sûr, comprendre comment les gens perçoivent une scène est un processus complexe, mais il existe un consensus général sur ce qui attire le regard en premier, soit parce que nous avons tendance à avoir des relations émotionnelles et personnelles avec eux, soit parce que nous comptons inconsciemment sur eux pour obtenir une sentiment ou réaction.
Par exemple, visages sont connus pour être l'élément visuel le plus attrayant - en particulier le les yeux et le bouche. Après tout, c’est ce que nous recherchons pour deviner ce que les gens ressentent, ce qu’ils pensent de telle ou telle situation ou comment ils vont réagir..
Après ça, l'écriture a tendance à attirer le plus l’œil. L'écriture transmet un niveau élevé d'informations sur une situation spécifique. Même si elle est écrite dans une langue étrangère, l'écriture ajoute une grande qualité esthétique à une œuvre d'art simplement parce qu'elle représente une source ou un élément d'information..
Viennent ensuite d’autres éléments du cadre, déterminés par leur importance et l’espace qui leur est accordé dans la composition..
Une œuvre d'art visuelle a toujours été et sera toujours sujette à interprétation individuelle. Peut-être qu'aucun artiste ne pourra jamais diriger parfaitement son public dans la bonne direction.
Ce qu’un photographe peut faire pour aider les téléspectateurs à comprendre le sens de l’art dans leur travail, c’est de le stimuler ou de le pousser dans la bonne direction en observant et en comprenant le poids visuel de différents éléments. Les utiliser avec précaution peut aider une photo à raconter une histoire, à susciter une émotion ou à attirer l'attention du lecteur sur un point particulier..
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