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C'est la Journée internationale de la femme, une journée axée sur l'appréciation des femmes et de leur contribution à la société. Quelle meilleure façon de célébrer ici qu'avec une liste des dix femmes artistes les plus influentes? La liste suivante, sans ordre particulier, met en évidence des artistes fantastiques qui ont brisé les frontières, exercent une influence majeure et ont grandement contribué au monde de l'art à travers l'histoire et aujourd'hui..
Née à Paris en France, Vigée Le Brun (1755-1842) est surtout connue pour ses portraits de portraitistes pendant la période tout à fait décadente du rococo. Elle était la portraitiste personnelle de Marie-Antoinette, ayant peint la reine (et parfois sa famille) plus de 30 fois. L'héritage de Vigée Le Brun comprend des centaines de peintures représentant plus de 600 portraits et 200 paysages..
Reine marie antoinette de franceL'héritage artistique de Vigée Le Brun n'est pas quelque chose dont on se souvient aujourd'hui. Elle, contrairement à la plupart des femmes dans l'art à l'époque, était incroyablement bien connue et célèbre. Quand elle et sa fille ont fui la France au début de la Révolution française, elles ont sillonné l’Europe où les aristocrates la connaissaient et l’accueillaient, lui permettant de continuer à peindre à sa manière. Ils se sont rendus jusqu'en Russie, où elle a peint de magnifiques portraits de la reine Catherine et de ses filles..
Comtesse skavronskaiaFinalement, Vigée Le Brun est revenue à Paris et a retrouvé son mari, où elle a survécu à sa famille et a continué à peindre toute sa vie, artiste jusqu’à la fin. C’est grâce à la passion, au style et à la capacité de Vigée Le Brun de séduire les gens du monde entier tout au long de sa vie et au-delà que je l’ai incluse dans cette liste. Sa carrière prolifique est inspirante et les personnes qui lui ont commandé des portraits sont extrêmement intéressantes..
Il y a de fortes chances que vous connaissiez certaines des femmes figurant sur cette liste. Mary Cassatt (1844-1926), née en Pennsylvanie, est surtout connue pour ses impressionnistes qui se sont concentrés sur les femmes, les enfants et la maternité en tant que sujets de son travail. Si vous recherchiez “Qui est la femme qui peint les bébés?”, Vous trouverez probablement le travail de Mary Cassatt.
Heure d'étéCassatt étudie la peinture à la Pennsylvania Academy of Fine Arts, bien décidée à en faire une carrière, de 15 à 21 ans (selon les sources) à 21 ans. En 1866, elle s'installe en France, au grand dam de son père, son travail et ses études. À l’époque, les femmes ne pouvaient pas fréquenter l’école d’art. Elle a donc pris des cours particuliers, sans jamais renier son objectif: une carrière d’artiste. En 1868, le travail de Cassatt, Un joueur de mandoline, a été sélectionné pour le Salon de Paris, l'exposition d'art officielle de l'Académie des Beaux-Arts. Elle était l'une des premières femmes américaines à avoir été acceptée dans l'exposition.
Malheureusement, elle dut quitter la France en 1870 pour ne pas être prise dans la guerre franco-prussienne. Cela signifiait que ses projets artistiques en avaient pris un coup, car son père ne soutenait toujours pas ses choix de carrière et lui avait même incité à envisager de renoncer à ses objectifs en raison d'un manque de soutien et d'inspiration. Heureusement, elle a pu rentrer en Europe après avoir été chargée par l'archevêque de Pittsburgh de peindre des copies du maître peintre Correggio à Parme, en Italie..
Jeune mère cousantDe retour en Europe, son travail adopte un style impressionniste et elle se lie d'amitié avec Edgar Degas, un collègue impressionniste et artiste de pastel bien connu. C’est cette amitié qui l’a inspirée à continuer sur sa propre voie, pour finalement s’épanouir dans le style qu’elle connaît le plus: peintre de portraits de femmes et d’enfants.
Son histoire est certainement tronquée ici (même si elle est peut-être l'une des plus longues de cette liste), mais je voulais souligner sa persistance à poursuivre ses objectifs, ne reculant devant rien pour créer de l'art et laisser une empreinte indélébile sur le monde..
Harriet Powers (1837-1910) était un esclave afro-américain affranchi qui a créé de magnifiques édredons de contes au 19e siècle. Harriet est née dans l'esclavage environ 30 ans avant la guerre civile américaine.
Courtepointe bibliquePendant longtemps, on a pensé que ses blocs de courtepointe, dont la plupart racontaient des histoires bibliques, étaient basés sur des histoires qui lui étaient racontées. Grâce à une lettre écrite par Harriet qui a fait surface en 2009, nous savons maintenant qu’elle était une femme alphabète qui a transformé des histoires bien connues qu’elle se lisait elle-même en chefs-d’œuvre picturaux dans la tradition de la fabrication de courtepointes..
Les courtepointes d'Harriet ont été présentées pour la première fois à une foire du coton à la fin des années 1880, ne vendant finalement une courtepointe que lorsqu'elle a connu des difficultés financières des années plus tard. L'acheteur de la courtepointe, Jennie Smith, a enregistré le sens et l'histoire de la courtepointe, comme le lui a dit Harriet, ce qui nous a permis de mieux comprendre les histoires complexes racontées dans le travail de Harriet aujourd'hui..
Courtepointe picturaleAssemblées, cousues et brodées à la main, ses courtepointes sont des œuvres d'art phénoménales, illustrées par un support tout à fait différent de la peinture ou du crayon. Je pense que l'histoire de Harriet est importante à partager compte tenu de l'histoire de son pays et de ses propres expériences, ainsi que des compétences qu'elle a démontrées dans l'art populaire. Être capable de se connecter avec de telles œuvres aujourd'hui et de voir des artistes perpétuer ces traditions apporte une telle compétence.
Il est difficile d'imaginer des images ou des fleurs abstraites du sud-ouest américain sans les peintures de Georgia O'Keeffe (1887-1986). Originaire du Wisconsin, cette artiste du Midwest a étudié la peinture à l'Art Institute of Chicago au début du XXe siècle, où elle s'est formée à la tradition mimétique, dans laquelle l'art imite ou représente la nature. Elle était cependant insatisfaite de son travail dans cette théorie et décida de cesser de poursuivre une carrière d'artiste..
Lumière d'irisCe n’est qu’après ses études auprès d’Arthur Wesley Dow qu’elle a eu l’idée de se détourner du réalisme et d’expérimenter l’abstraction du monde qui l’entourait. Elle est considérée comme l'une des premières artistes américaines à rompre avec le réalisme et à annoncer un nouvel âge de l'art américain: l'abstraction pure.
En 1916, un de ses amis a montré certaines de ces œuvres à Alfred Stieglitz, marchand d'art et photographe renommé. Il a exposé son travail dans sa galerie, 291. Cela a non seulement lancé sa carrière d'artiste, mais nous avons également lancé leur relation et leur mariage éventuel..
Le travail d'O'Keeffe variait de sujets organiques, tels que des gros plans et des abstractions de fleurs, à des structures artificielles, telles que les bâtiments de New York, où elle vivait et travaillait. Fait intéressant, une grande partie de son travail centré sur les fleurs est considérée comme représentant également les organes génitaux féminins, bien que O'Keeffe elle-même ait rejeté ces interprétations..
Elle finit par se lasser de ces sujets et entreprend un voyage au Nouveau-Mexique où les paysages et l'iconographie l'inspirent tellement qu'elle y déménage. La popularité de son travail n'a jamais faibli, peu importe le sujet qu'elle a abordé.
Du lointain, à proximitéQue ce soit intentionnel ou non, O'Keeffe était un pionnier; son travail a coïncidé avec les tendances artistiques (les fleurs et le modernisme américain auparavant, et maintenant les paysages et les scènes régionales). Elle a peint sans assistance jusque dans les années 1980 et, lorsque sa vue lui a manqué, elle a travaillé avec des assistants, créant des motifs bien-aimés de sa mémoire..
Frida Kahlo (1907-1954), peintre surréaliste mexicaine, est surtout connue pour ses autoportraits aux couleurs brillantes et étranges. Enfant, elle a contracté la polio, ce qui l'a rendue plus mince, ce qu'elle a caché dans de longues jupes toute sa vie..
À 18 ans, elle a eu un accident de bus qui lui a valu plusieurs blessures graves dont elle a guéri, mais qui ont eu des effets durables sur son corps, notamment des épisodes de douleur et des problèmes de procréation, dont le dernier fait partie. sujet de son oeuvre. Au moment de l'accident, elle étudie la médecine mais l'abandonne et commence à peindre alors qu'elle est immobilisée pendant sa convalescence.
Autoportrait avec un singeAu cours de sa vie, Frida a peint plus de 140 peintures, dont 55 étaient des autoportraits. Son travail était brillant et coloré, fortement influencé par sa culture mexicaine. Les thèmes communs incluaient les expressions symboliques de ses difficultés physiques et de son état psychologique. Elle aurait déclaré: «Je n'ai jamais peint de rêves. J'ai peint ma propre réalité.
La réalité de Kahlo incluait un mariage apparemment tumultueux avec son collègue peintre Diego Rivera, soutenant ouvertement le communisme, et des amitiés avec Pablo Picasso, Leon Trotsky et Marcel Duchamp. Son corpus de travail a grandi et grandi avec le temps, mettant en évidence ses difficultés à porter des orthèses pour le dos, des chirurgies de la colonne vertébrale et sa douleur physique et mentale chronique..
Le cerf blesséLe travail de Frida était rempli d'émotion, de passion et souvent tourné vers l'intérieur, donnant au monde un aperçu de son esprit et de son état d'être. Que vous soyez d'accord avec sa politique ou non, ses idéaux ne furent jamais cachés dans son travail ou dans sa vie. Et en tant que telle, elle ne cachait pas ses problèmes de dépression ou de douleur. Elle a engagé ses pensées et ses sentiments sur la toile et a partagé tout ce qu'elle ressentait, de manière créative, avec le monde..
Caterina van Hemessen était une peintre flamande de la Renaissance ayant vécu de 1528 à 1587 (ou à peu près). Elle est surtout connue pour avoir été le premier peintre à créer un autoportrait représentant un artiste sur son chevalet. Avec l'autoportrait si commun aux artistes (et à l'humanité, en fait), il est étonnant de penser que ce n'est qu'au 16ème siècle qu'un artiste se soit montré au travail dans son travail..
AutoportraitContrairement aux autres artistes de cette liste, le corps de Van Hemessen est petit et ses années de peinture sont courtes. Probablement formée par son père, le peintre Jan Sanders van Hemessen, Caterina était avant tout une portraitiste. Un thème commun dans son travail, les hommes riches vêtus de beaux vêtements sur un fond sombre, est probablement dû au fait que des peintures ont été commandées par des clients fortunés..
On dit que son travail s'arrête en 1554, à peu près au moment de son mariage, ce qui était courant à l'époque. Etant donné qu'elle est morte quelques années plus tard, on ignore vraiment si elle aurait repris la peinture plus tard dans la vie..
Portrait de femmeJe l'ai incluse dans cette liste pour avoir influencé autant d'artistes dans l'autoportrait et les portraits. Tous les artistes ne produisent pas toujours du travail, mais il est assez influent de noter que l'artiste a lancé la tendance des autoportraits sur des chevalets..
Sofonisba Anguissola était un peintre italien de la Renaissance qui vécut de 1532 à 1625. L’éducation artistique de Sofonisba est venue d’étudier avec Bernardino Campi et Bernardino Gatti. Cela a finalement créé un précédent pour que les femmes soient acceptées comme apprenties et étudiantes en beaux-arts. Son père l'a encouragée, elle et ses sœurs, dans leurs projets artistiques, probablement plus que toutes les autres femmes de son époque..
Autoportrait au chevaletC'est un fil conducteur dans toute cette liste: l'encouragement apparemment anachronique des femmes à atteindre leurs objectifs et à rêver d'un avenir rempli de créations artistiques conduit à beaucoup de succès, ou du moins autant que les femmes pourraient obtenir à leur époque. Pour Sofonisba, cela signifiait qu'elle n'était pas en mesure d'étudier l'anatomie et de dessiner comme les hommes (depuis de nombreuses années, les femmes n'étaient pas autorisées à étudier la forme humaine nue)..
Pour contrer ces limites ridicules, Sofonisba a peint des portraits informels de membres de sa famille ou d’elle-même. Une de ses pièces, Lucia, Minerva et Europa Anguissola jouant aux échecs, montre ses sœurs en tenue de cérémonie avec des expressions informelles. À l'époque, les portraits italiens étaient raides et formels. Elle a créé des expressions naturelles et a introduit le concept de peindre les gens tels qu'ils étaient plutôt que tels qu'ils voulaient être vus (versions idéalisées). De plus, le jeu d'échecs était populaire, mais n'était généralement perçu que comme un jeu d'hommes ou d'hommes en raison de son utilisation de la logique et de la stratégie..
Lucia, Minerva et Europa Anguissola jouant aux échecsÀ la fin des années 1550, Sofonisba était bien connue et elle fut invitée en Espagne à devenir le peintre de la cour du roi Philippe II. Elle avait une résidence à la cour de 14 ans, peignant des portraits et servant de mentor artistique à la reine Elisabeth d’Espagne et à ses filles. Avec le temps, elle s'est mariée, a vécu à Palerme, a perdu son mari, a déménagé à Gênes et s'est remariée. Elle est devenue la première portraitiste de Gênes jusqu'à son retour tardif à Palerme..
Son dernier autoportrait est indiqué comme ayant été peint en 1620. Au crépuscule de sa vie, elle est devenue une grande protectrice des arts, incapable de bien voir et de contribuer elle-même à cause de la cataracte et de la vue défaillante. Sofonisba a dépassé les limites que la société imposait à son sexe, peignant longtemps jusqu'à l'âge de la vieillesse et s'établissant encore et encore comme une force artistique avec laquelle il faut compter longtemps après le départ de nombreux de ses contemporains..
Artemisia Gentileschi était un peintre baroque italien ayant vécu de 1593 à 1653 (ou à peu près). Considérée comme l'une des plus grandes femmes de l'art au cours de sa vie, elle se concentre sur des idées progressistes sur les femmes qui n'ont pas été vues publiquement à cette époque..
Gentileschi a été initiée à l'art grâce à son père, le peintre Orazio Gentileschi, et fortement influencée par le peintre italien Caravaggio. Cependant, son travail, contrairement à celui de son père, était très naturaliste plutôt que idéalisé, et lui valut une grande reconnaissance..
Suzanne et les aînésUne peinture antérieure remarquable de Gentileschi est Suzanne et les aînés. L'histoire de la pièce provient du livre de Daniel, illustrant une femme nommée Susanna qui a été faussement accusée par un couple d'anciens effrayants. Dans le récit, Susanna refuse le chantage, est arrêtée et est presque mise à mort avant que Daniel ne la sauve, interrogeant les anciens et leur montrant qu'ils sont des menteurs..
Cette pièce est remarquable parce que la peinture d'Artemisia est centrée sur l'émotion de Susanna, montrant le voyeurisme comme une expérience traumatisante. À l'époque, peu d'artistes avaient décrit cette histoire de cette façon. peu d'artistes se sont concentrés sur l'expérience d'une femme.
En 1612, un procès fut intenté contre Agostino Tassi, un artiste que Artemisia avait étudié, pour l'avoir violée. Après le viol, Tassi a manipulé Artemisia en promettant au mariage de restaurer la notion de «vertu» de leur culture. Le procès a fait l'objet d'une grande publicité et a mis en lumière les véritables intentions de Tassi de tuer Artemisia et de voler les peintures d'Orazio. Tassi a été simplement condamné à un an de prison et n'a jamais purgé sa peine.
Judith et sa servanteCes événements ont changé à jamais le travail d’Artemisia Gentileschi: son viol, la décision de la cour, le manque d’aide des femmes dans sa vie et l’expérience du procès lui-même. Son travail s'est ensuite concentré sur des images de solidarité entre femmes, femmes puissantes, et des représentations graphiques qui lui ont servi de catharsis. On pense que beaucoup de ses peintures de femmes fortes ressemblent à Artemisia elle-même.
Elle a peint tout au long de sa vie et était très estimée. Cependant, son travail après sa mort avait été mal présenté, souvent attribué à son père. Cependant, grâce aux spécialistes en art, le travail et l'héritage de ce dernier ont été reconnus..
Je l'ai incluse dans cette liste non seulement pour son influence et sa renommée au cours de sa vie, en tant qu'artiste accomplie de façon fantastique, mais aussi pour son intérêt apparemment anachronique pour les femmes fortes et pour ses propres expériences de femme au XVIIe siècle..
Marianne North (1830-1890) était une biologiste et artiste botanique qui a peint principalement à l'époque victorienne. Marianne a parcouru le monde avec son père, étudiant les plantes et peignant presque tout ce qu'elle pouvait. À la mort de son père en 1870, elle décide de continuer à parcourir le monde en solitaire, à traverser des jungles, à dormir sur le sol et, finalement, à visiter tous les continents, en rassemblant des centaines de peintures du monde naturel..
Fruit de Durian d'un grand arbre, Sarawak, BornéoSes peintures sont apparemment plus vibrantes que leurs homologues de la vie réelle, contrairement à celles d’autres artistes botaniques. Son style était rapide et avait tendance à être impressionniste, ce qui lui permettait de terminer des peintures rapidement et conduisait probablement à sa nature prolifique..
Le nombre de plantes et d'organismes qu'elle a documentés dans ses peintures a apporté une valeur plus grande que jamais à leur utilité en biologie. Sans la facilité de la photographie, son travail a toujours servi et constitue toujours une ressource importante pour l’étude du monde naturel. Diverses plantes ont été nommées en son honneur, y compris tout un genre de plantes nommé Northia.
Nepenthes northianaJ'ai inclus Marianne dans cette liste non seulement pour son habileté et sa nature aventureuse, parcourant le monde à son tour et suivant sa passion, mais aussi pour ses contributions à la science et à notre compréhension du monde naturel..
Beatrix Potter (1866-1943) est une naturaliste, une défenseuse de la conservation, un illustrateur et un écrivain extrêmement réputée. Il est fort probable que vous ayez lu certaines de ses œuvres enfantines, telles que The Tale of Peter Rabbit. Née en Angleterre dans une famille riche, Beatrix s'intéressa très tôt au monde de la nature..
Peter RabbitSes premiers travaux portent sur la mycologie et les illustrations scientifiques. Pendant ce temps, elle a étudié divers spécimens vivants de champignons. Plusieurs de ses dessins et peintures de champignons ont été remis au musée et à la bibliothèque Armitt et servent encore de ressource aux mycologues..
Influencée par les contes de fées, Beatrix a commencé à raconter des histoires avec de magnifiques dessins et des peintures d'animaux. En 1901, après avoir été incapable de trouver un éditeur pour son livre maquette racontant l’histoire de lapins, elle s’auto-publia elle-même à ses frais. Grâce à l'aide d'un ami de la famille, son livre, Le conte de Peter Rabbit, a été publié par Frederick Warne & Co en 1902..
Elle a créé 23 livres présentant les histoires de petits animaux au cours de 20 ans. Très judicieusement, Beatrix a créé et breveté une poupée Peter Rabbit en 1903, la première de nombreuses marchandises basée sur ses livres et ses illustrations. Les licences de ses produits étaient accordées par son éditeur, ce qui lui permettait d’obtenir un revenu qui dépassait le cadre des livres et lui donnait un coup de pouce supplémentaire..
Simpkin au chevet du tailleurBeatrix a déménagé à la campagne, a continué à écrire et à illustrer et est devenue un éleveur de moutons. Bien respectée dans sa communauté, elle a été nommée présidente de la Herdwick Sheep Breeders 'Association, la première femme à le faire, mais est décédée la même année avant d'occuper son poste..
J'ai choisi Beatrix pour cette liste, non seulement pour son dynamisme et sa passion en tant qu'artiste, mais également pour son sens aigu des affaires, pour protéger intelligemment son travail et pour créer une impression durable pour les générations à venir avec ses histoires et ses illustrations..
Cette liste est beaucoup trop courte et incomplète, ne représentant que 10 femmes fantastiques en art. Il y a tellement de femmes brillantes et intéressantes qui ont créé des œuvres d'art dans divers médias au cours de l'histoire. Je vous implore de continuer à lire sur la vie d'artistes historiques et contemporains dans diverses disciplines. Vous pouvez commencer avec un article sur les femmes en photographie:
Quelles sont vos femmes préférées dans le monde de l'art? Dites-nous ce qui rend votre choix influent pour vous et le monde de l’art et du design. Partagez avec nous dans la section commentaire ci-dessous!
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