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Dans la continuité de nos reportages sur l’histoire de l’art, j’ai rassemblé de fantastiques personnages de couleur dans l’art. Alors très souvent, quand on parle d'artistes influents, ce sont les suspects habituels (Da Vinci, Monet, etc.) encore et encore. Pendant que nous discuterons de visages familiers, j'espère que cette liste rejoindra d'autres artistes que vous ne connaissez peut-être pas aussi bien et ouvrira de nouvelles portes aux mouvements artistiques et aux styles à explorer..
La liste suivante, sans ordre particulier, met en lumière des artistes fantastiques qui ont marqué le monde de manière indélébile et ont grandement contribué au monde de l'art à travers l'histoire et aujourd'hui..
C’est peut-être parce que je suis originaire de Metro-Detroiter et que j’aime le Rivera Court de l’Institut des arts de Detroit qui fait que Rivera figure si haut sur la liste. En examinant cette liste, j'ai immédiatement pensé aux représentations de Detroit par Rivera et à sa manière d'utiliser l'espace dans de grandes peintures murales. Je saute bien devant moi, cependant.
Détroit, mur sud (1932-1933)Diego Rivera (1886-1957) était un peintre mexicain connu pour ses peintures murales et son commentaire social. À 21 ans, Rivera étudie l'art en Europe, après avoir été parrainé par le gouverneur de Veracruz. Il a été influencé par le cubisme et les mouvements d'art moderne similaires du jour. En 1921, à l'âge de 35 ans, il rentre au Mexique. C'est à cette époque qu'il a commencé à créer de grandes peintures murales. Sa première a été parrainée par le gouvernement mexicain et créée à l'École nationale préparatoire de Mexico, au Mexique..
L'arsenal (1928)Le travail de Rivera était vibrant et influencé de plus en plus par son pays d'origine. Il a abordé des sujets sociaux au Mexique, comme la révolution de 1910, les convictions politiques de gauche et les positions anti-religieuses. Son travail était en grande partie illustratif, racontant des histoires à l'intérieur de chaque espace de ses fresques d'une manière audacieuse et détaillée qui plissait souvent les plumes dans la société et qui reste controversé aujourd'hui..
Le jour des morts (1924)Rivera s'est mariée à cinq reprises, dont deux fois avec Frida Kahlo, que j'ai décrite dans un précédent article d'histoire de l'art. On trouve des peintures murales et des peintures de Rivera dans plusieurs pays, dont certains comprennent le lieu d'origine de l'œuvre, comme les 27 fresques du Detroit Institute of Arts..
Rudolph Carl Gorman (1931-2005) était un peintre navahojo né à Chinle, en Arizona. Gorman a été salué comme "le Picasso de l'art du sud-ouest" ou "le Picasso de l'art indien américain". Comme beaucoup d'enfants, il a dessiné très jeune. Il a été encouragé à développer son intérêt pour l'art, ce qui a finalement conduit à une bourse du Navajo Tribal Council au Mexico City College..
Retour NavajoSa passion pour l'influence de sa culture dans l'art l'a conduit à une exposition solo en 1965 à la Manchester Gallery au Nouveau-Mexique. En raison de son succès, il ouvre la galerie R. C. Gorman Navajo à Taos, au Nouveau-Mexique, où il reste en studio et en résidence pendant de nombreuses années..
Le travail de Gorman a été influencé par des artistes tels que Diego Rivera et David Siqueiros. Il a propulsé son travail dans le réalisme abstrait en jouant avec les formes abstraites pour créer son propre style. Beaucoup de ses peintures sont centrées sur les femmes Navajo, leurs rôles au sein de la nation Navajo et leurs relations avec les femmes du monde entier..
La ChileraInitialement, Gorman travaillait avec de l'huile, de l'acrylique ou du pastel. Au fil du temps, il s'est tourné vers les lithographies (en particulier pour faire des impressions de son propre travail) et la céramique. Gorman réussit incroyablement de son vivant à créer un grand corpus et à vendre ses peintures et gravures de sa galerie..
Kitagawa Utamaro (1753-1806) est né au Japon et est considéré comme l’un des meilleurs ukiyo-e artistes de l'histoire. Son travail consiste en grande partie en portraits de femmes (bijin-ga) et des études sur la nature traduites en gravures sur bois. Ukiyo-eL'art aborde généralement les sujets des belles femmes, du kubuki, du sumo, des contes populaires, de la nature et de l'érotisme. Le genre n'était pas considéré comme un art sérieux, il était destiné à un public de gens ordinaires.
Takashima Ohisa utilise deux miroirs pour observer sa soirée coiffure du festival du marketing d'AsakusaLa vie d'Utamaro n'était pas bien documentée. On sait qu'il a été enseigné par Toriyama Sekein, un artiste formé à l'école de peinture de Kano, mais il s'est tourné plus tard vers le travail sur l'ukiyo-e. Sous le nom de Kitagawa Toyoaki, Utamaro a illustré la littérature populaire et les acteurs du kabuki.
Au début des années 1780, il change de nom et devient Utamaro. Il ne travaille plus que sur des portraits de femmes. Ses modèles étaient en grande partie du district de plaisir. C'est avec ces pièces qu'il est devenu célèbre pour son sujet et ses stylisations idéalisées de la forme féminine..
Ase o fuku onna (femme essuyant la sueur), Ukiyo-e, 1798En 1804, Utamaro se heurta à des lois de censure pour avoir dépeint un roman historique interdit. Il a été condamné à être menotté ou emprisonné pendant 50 jours (les comptes diffèrent). On dit que le calvaire lui a dévasté et conduit à sa dépression dont il ne s’est jamais remis avant sa mort deux ans plus tard.
Utamaro était prolifique. Il a réalisé plus de 2 000 gravures au cours de sa carrière et créé de nombreux tableaux, livres illustrés, etc. Son travail était connu et apprécié de son vivant et au-delà. Quand vous pensez ou entendez parler de bijinga ou ukiyo-e art, c'est le travail d'Utamaro qui dépasse les autres et continue d'être parmi les plus grands de son âge.
Jean-Michel Basquiat (1960-1988) était un artiste américain dont la courte vie a été brillante avant une overdose d'héroïne à l'âge de 27 ans. Son travail aborde des questions sociales telles que les structures de pouvoir, le racisme et le classisme. En 1976, il commence à peindre au graffiti au pistolet sous le nom de SAMO, et ce, jusqu'à la fin des années 70..
Scull (1981)En 1980, lorsqu'il est présenté dans une exposition de groupe, son travail attire l'attention. Bientôt, il vendit des peintures à hauteur de 50 000 dollars. Basquiat faisait partie du mouvement néo-expressionniste, qui décrivait souvent des objets ou des idées reconnaissables de manière émotionnelle. Au milieu des années 80, il s'associa à Andy Warhol pour une série de pièces collaboratives faisant largement appel aux éléments de sérigraphie de Warhol et à Basquiat ajoutant des composants peints..
Oasis de poison (1981)Le travail personnel de Basquiat incorporait souvent des mots et des textures de type graffiti. Il a abordé des questions influencées par son héritage afro-caribéen, notamment une peinture à panneaux multiples racontant des histoires de traite négrière égyptienne et atlantique. Beaucoup de ses pièces sont fragmentaires ou remplies de griffonnages. Des couleurs vives et des images grossièrement dessinées couvrent des toiles, des pages de carnet de croquis et bien plus.
Goudron Noir et Plumes (1982)Son travail a inspiré de nombreuses personnes à créer un travail émotionnel, gribouillé et réfléchi. Grâce à des artistes comme Basquiat, des œuvres d'inspiration urbaine ont fait leur entrée dans les galeries d'art et le monde de l'art plus sérieux..
Robert S. Duncanson (1821-1872) était un peintre afro-américain associé à la Hudson River School, un mouvement artistique centré sur les paysages et influencé par le romantisme. Il n'était pas formellement formé, mais a perfectionné ses compétences en copiant des impressions et en observant. Dans les années 1840, il fait ses débuts lors d'une exposition à Cincinnati, dans l'Ohio. La famille de Duncanson n'a pas été autorisée à assister à l'événement car ils étaient afro-américains et la ségrégation à son apogée. Au cours des années 1840, Duncanson s’est concentré sur le portrait.
Paysage avec arc-en-ciel, 1859Ce n'est que lorsqu'il s'est tourné vers les paysages que son travail a pris son envol. Charles Avery, un abolitionniste, a commandé une peinture à Duncanson. Cela a conduit à un réseau de clients anti-esclavagistes et partisans des arts; ils ont soutenu sa carrière. Ses paysages représentaient plus que de simples interprétations de l’espace physique. Ils portaient les messages socio-politiques de la journée.
Ellen's Isle, Loch Katrine (1871)Duncanson s'est exilé au Canada pendant la guerre civile. Il a été fortement influencé par le paysage canadien même après son départ pour le Royaume-Uni, puis son retour à Cincinnati, dans l'Ohio. Il fut l'un des premiers peintres américains à s'installer au Canada et à s'intéresser à son paysage. Son travail a ajouté des touches subtiles de ses propres expériences en tant que Noir à Antebellum America sans que son travail ne soit strictement classé dans la catégorie «Afro-Américain» à une époque où cela aurait été une limitation de carrière..
Abanindranath Tagore (1871-1951) était un artiste, écrivain et fondateur indien, fondateur du mouvement Bengal School of Art. Il est considéré comme le premier artiste indien à obtenir une reconnaissance mondiale. Il a étudié à la Calcutta School of Art auprès des peintres européens O. Ghilardi et Charles Palmer..
Bharat Mata (c. 1905)Tagore considérait l'art occidental comme étant «matérialiste» et se concentrait plutôt sur les traditions artistiques indiennes. L'art moghol a eu une influence précoce importante sur son travail, de même que l'art et la calligraphie japonais, que l'on retrouve dans ses aquarelles. Tagore a développé ce "style de peinture indien", comme on l'appelle aussi, combinant images modernes et qualités spirituelles. Bharat Mata(«Mother India») est un de ces tableaux qui représente une femme à quatre bras semblable à celle de divinités hindoues..
"Ganesh-janani" par Abanindranath Tagore.Ce style d'art a été promu comme style d'art national, gagnant en popularité dans le monde entier et en introduisant l'art et les artistes indiens dans les galeries d'art de l'Europe. Même à ce jour, l'école d'art du Bengale est un héritage continu d'artistes et de calligraphes..
Amrita Sher-Gil (1913-1941) était une peintre indo-hongroise considérée comme l'une des plus importantes peintres indiennes du XXe siècle. Son travail, commencé en tant que fille en Hongrie, a fleuri lorsqu'elle est allée en Inde en 1934, à l'âge de 21 ans. Son travail s'est concentré sur les pauvres de l'Inde, dépeignant leur monde et leur vie dans la peinture..
Gypsy Girl hongroise, 1932Elle a capturé la réalité indienne en montrant des personnages émaciés aux expressions passives et de mauvaise humeur. Elle s'est concentrée sur les ouvriers agricoles, les infirmières et d'autres personnes ordinaires dans le sud de l'Inde. Son style s'inspirait du modernisme européen mais reflétait l'indépendance croissante de l'Inde en tant que pays et culture..
Toilette de la mariée, 1937Ce n'est qu'à sa mort que son travail a gagné en popularité en Inde et en Europe. Elle est également considérée comme l'artiste indienne la plus chère, ayant vendu un tableau pour 6,9 millions de roupies en 2006 (environ 1,5 million USD à l'époque). Son travail a inspiré et continue d'inspirer les artistes indiens contemporains.
Tarsila do Amaral (1886-1973) est une artiste moderniste brésilienne dont le travail associe des idées brésiliennes à une esthétique avant-gardiste. Tarsila est née pour privilégier, mais contrairement aux autres femmes privilégiées du Brésil à cette époque, elle avait une famille qui soutenait son éducation et ses activités artistiques. Elle a étudié l'art à Paris où elle a été influencée par le cubisme et Fernand Leger..
Abaporu (1928)Elle faisait partie de la Grudo dos Cinco («Groupe des cinq») qui a organisé le Semana de Arte Moderna («Semaine de l’art moderne») en 1922 à São Paulo. Les artistes participant à l'événement ont mis au défi les établissements d'art conservateurs avec leur esthétique moderne. Cet événement et les artistes impliqués ont été déterminants dans le mouvement de l'art moderne au Brésil et dans la promotion de la culture brésilienne auprès du monde entier à travers l'art..
En 1923, Tarsila rentre à Paris et insuffle sa culture au cubisme et aux styles modernes. Grâce à des voyages de retour au Brésil, son travail a abordé des sujets brésiliens, transformant les paysages et les habitants du Brésil en idéaux modernes et cubistes..
Morro da favela (1945)Oswald de Andrade, poète et membre du Grupo dos Cinco, a écrit des poèmes qu'elle a illustrés. Son travail a appelé les artistes à exporter la culture brésilienne vers le monde, en particulier vers l'Europe, dont l'influence a eu un impact considérable sur le Brésil. Ils ont cherché à influencer le monde avec la culture brésilienne et, grâce à de nombreuses peintures, Tarsila a largement réussi.
Carnaval à Madureira (1924)Tarsila laisse derrière elle un héritage de 230 peintures qui ont contribué à introduire le modernisme en Amérique latine et à partager le Brésil avec le monde. Son travail et ses intentions ont influencé et continuent d'influencer les artistes en partageant des concepts et des thèmes brésiliens autochtones dans l'art..
Wen Zhengming (1470-1559) était un peintre, calligraphe et poète chinois. Il est considéré comme l'un des maîtres (l'un des quatre) de la peinture Ming. Le travail de Wen s'est souvent concentré sur des choses simples, comme un arbre, et sur le thème de l'isolement et de la solitude. Il s'est également concentré sur la célébration des vies et de la société de l'élite puisqu'elles étaient ses patrons. Il a été enseigné et influencé par le fondateur de l'école Wu, Shen Zhou.
L'une des huit feuilles d'album représentant le jardin de l'humble administrateur, peinte en 1551 Wen produisit des œuvres dans plusieurs styles, devenant prolifiques à la fois en peinture et en poésie. Ses collectionneurs ont recherché ses peintures au point que ses œuvres étaient contrefaites à la fin de la période Ming..
Peinture alliant calligraphie et nature.Wen est devenu une figure marquante de la période Ming, influençant les artistes pour les années à venir. Il est devenu un chef de file de l'école Wu, attirant de nombreux étudiants et incitant ses propres fils à suivre ses traces..
Kamal ud-Din Behzad (1450 - 1535) était un peintre persan connu pour ses peintures miniatures et ses manuscrits enluminés. Les manuscrits de Behzad ont été créés dans son propre style, qui reprend des compositions géométriques communes à l'art persan et les ouvre pour être plus spacieux afin de permettre action et mouvement dans ses œuvres. Il était également habile à guider les spectateurs autour de la composition de manière organique, créant des expressions et des figures naturelles dans son travail..
La construction du château Khavarnaq (arabe الخورنق) à al-Hira, v. 1494-1495 C.E.Le travail de Behzad était naturellement ludique et expressif, ce qui était rare dans le travail persan à l'époque. Il a introduit le naturalisme au travail persan, utilisant des gestes et des expressions réalistes dans ses figures, et se concentrant davantage sur l'individu au sein d'une composition plutôt que de remplir l'espace de dessins et de motifs..
Yusef et ZuleykhaIl est considéré comme l'un des plus grands peintres de miniatures persanes. Son travail et son esthétique ont ensuite influencé l'art persan et même indien dans les années à venir..
Cette liste est beaucoup trop courte et incomplète, elle ne comprend que dix artistes du monde entier et de tous les temps. Consultez notre précédent article d'histoire de l'art présentant dix femmes fantastiques dans l'art:
Quelles sont vos influences artistiques préférées? Qui a fait une marque indélébile sur le monde? À qui avez-vous appris aujourd'hui que vous ne saviez pas auparavant? Partagez avec nous dans la section commentaire ci-dessous!
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