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En tant qu’artiste, votre travail consiste à plonger vos téléspectateurs dans un monde que vous avez construit et à les guider en toute sécurité. Les artistes ont beaucoup en commun avec les conteurs. Les conteurs ont plusieurs astuces qu'ils utilisent pour garder leurs lecteurs à revenir pour plus. Comme les conteurs, les artistes peuvent utiliser des astuces similaires pour les aider à produire des œuvres plus convaincantes. Dans cet article, nous expliquerons 5 compétences fondamentales que chaque artiste devrait maîtriser. Nous allons jeter un coup d'oeil!
L'aspect le plus important de l'art pour moi personnellement est la composition. Cela ouvre la voie à tout le reste. C’est votre façon de guider et d’amener le spectateur à lui donner l’impression de se trouver réellement dans votre image. Si cette partie du processus n'est pas créée et contrôlée correctement, tout le reste peut et va probablement s'effondrer. Cela ne signifie pas que vous devez suivre chaque petite règle. En fait, beaucoup les ont brisées et ont créé des œuvres d'art très réussies. C'est savoir quand et comment les casser qui vous permettra de le faire avec succès. Mais avant de tenter quoi que ce soit de ce genre, vous devez d'abord apprendre les règles et voir comment elles fonctionnent..
C'est la technique de composition la plus simple et la plus utilisée, celle que j'utilise beaucoup moi-même. Parce que c'est simple à apprendre, c'est quelque chose qui est recommandé pour les débutants et pour ceux qui sont nouveaux aux bases de la composition. Lorsqu'il est utilisé, il divisera l'image en 9 parties égales qui sont séparées par deux lignes horizontales et verticales.
L’idée principale est de placer votre élément / objet le plus important sur l’une des intersections où les lignes convergent (les +), ainsi que le long ou près de la ligne verticale où que se situe votre foyer..
On pense que lorsque ceci est utilisé et que votre sujet / focal se trouve sur l'un de ces points, cela crée plus d'intérêt pour votre photo que de l'avoir centrée.
Dock par John Powell 
Les restes qui vivent de Keisuke Asaba 
Voie de l'Assistant Contrairement à ce qui a été dit ci-dessus, cette composition particulière définit le point focal directement au centre de la photo. Bien qu'il soit principalement utilisé pour des pièces basées sur des personnages, cela ne signifie pas qu'il ne peut pas être utilisé pour d'autres moyens, cela explique également pourquoi un point central est souhaité..
Pour les artistes de personnages, l'un de leurs objectifs est de placer le personnage juste devant vous et d'attirer le plus d'attention possible sur lui. Il n'y a pas de meilleur moyen que de les placer au centre des choses. C'est pourquoi cette composition est plus attrayante pour les personnages (mais encore une fois, ne laissez pas cela vous empêcher d'essayer).
En plus de la focalisation centrale, le guide en forme de losange nous indique où nous devrions placer la plus grande partie de notre attention et de nos détails. Le spectateur ne verra évidemment pas votre travail avec ces guides, vous devez donc leur montrer ce qui est le plus important dans votre pièce: éclairage, couleur, détails et bien d’autres choses. Tout ce qui est en dehors de ce diamant n’est pas aussi important et ne devrait pas attirer autant ou plus d’attention que ce qui est à l’intérieur..
Vous pouvez utiliser ces guides de base comme point de départ pour des compositions plus complexes ou pour créer un morceau entier. Le choix vous appartient, mais ma suggestion est d’apprendre complètement à leur sujet avant de prendre des compositions plus complexes. De plus, il y a plus de règles de composition et d'exemples qui soulèvent bien d'autres points que ce que j'énumère ici. Je vous encourage à les rechercher et à les lire.
PI-2 de Marek Okon (à gauche). Sang divisé par Dan Santos (centre). Inject Me by Marc Simonetti (À droite). Voyons maintenant quelques autres exemples montrant comment diriger l'œil du spectateur vers le point focal..
Dans PI-2, vous pouvez voir comment la lumière verrouille immédiatement votre œil dans le foyer grâce à sa force et à son intensité. Les autres facteurs sont la couleur, le placement dans la composition (règle des tiers) et parce que presque tout le monde dans la scène regarde le point central, cela crée une ligne implicite et vous entraîne également. Ce qui nous maintient cependant au centre de nos préoccupations, c’est le mouvement circulaire des personnes qui flottent dans les airs..
PI-2 de Piotr Jablonski Dans Crysis 2 (ci-dessous), l’artiste a utilisé la lumière, la couleur et le placement dans la composition pour guider le point focal. Les feux les plus évidents et les plus beaux proviennent des projecteurs et des phares du véhicule, qui pointent tous vers le point focal. Deuxièmement, les tirs des armes convergent et dirigent votre regard directement vers elle. Enfin, l'artiste a utilisé la règle des tiers pour le placement dans cette composition. Un autre point pourrait être soulevé concernant l'ampleur des actions entreprises dans ce domaine. Tous ces éléments ont abouti à une œuvre réussie qui définit clairement le point central et les zones environnantes..
Crysis 2 - Concept 04 de Marek Okon Dans la pièce ci-dessous, l'artiste utilise les passerelles qui se forment autour du pilier pour amener le spectateur au centre de l'attention. Pendant que les dragons volent autour de nous, nous les suivons, ce qui nous maintient plus longtemps dans cette zone. Parce que le pilier est dans l'ombre et que la lumière est directement derrière, l'artiste a également utilisé les valeurs et le contraste pour le rendre encore plus visible..
Nest de Tuomas Korpi Dans l'illustration ci-dessous, j'ai utilisé un certain nombre d'éléments pour attirer l'attention du spectateur sur son point focal (le château). L'arche à l'arrière-plan et le pont au-dessus de la cascade vont directement dans le château. Étant donné que l’image est légèrement inclinée, toutes les montagnes semblent se diriger vers le château, ce qui permet également de diriger le spectateur dans cette direction. Une autre chose qui aide le château à se démarquer est la couleur utilisée sur les cimes, qui contraste avec les jaunes, les verts et les rouges qui l'entourent..
Colline du sorcier Dans l'image ci-dessous, j'ai montré comment vous pouvez empêcher le regard du spectateur de s'échapper facilement de l'image via le cadrage. Vous pouvez probablement voir comment cela fonctionne simplement en regardant l'image. Mais ce que j'ai fait ici, c’est d’utiliser les parties «bras» qui sortent de l’entité rouge pour cadrer l’image. Cette technique peut être utilisée pour "verrouiller" le spectateur dans la pièce et le garder plus longtemps. Cela peut être exagéré, mais si vous le maintenez à un niveau raisonnable, cela peut être utile. Un inconvénient, surtout s'il est trop utilisé, est que cela peut devenir agaçant et inciter le spectateur à vouloir partir plus tôt..
Éradiquer Tout a une perspective. Lorsque vous vous tenez dans la rue, regardez autour de vous et remarquez quel côté des bâtiments vous pouvez voir et pourquoi vous les voyez tous de points de vue différents. Puis, pendant que vous y êtes, jetez un œil sur une route. Pourquoi tout semble-t-il devenir plus petit alors que sa distance est plus éloignée de vous? Toutes ces choses doivent faire face à la perspective de ces objets et de votre point de vue.
Les perspectives sont une compétence essentielle à apprendre, pour des raisons architecturales, environnementales et autres. Ils nous fournissent un moyen de créer et de construire des éléments et des objets et de les placer correctement dans le plan d’image. Les perspectives s’appuient sur la ligne d’horizon (ou parfois appelée ligne de niveau des yeux) pour trouver ce que l’on appelle un Point de fuite. Les points de fuite sont l'origine de vos lignes de perspective (voir exemples ci-dessous).
C'est la perspective la plus simple à apprendre, mais elle est peu utilisée en raison de ses limites. Cela étant dit, cela peut être très bénéfique, selon la scène que vous créez. Dans cette perspective, il existe un seul point de fuite remontant à la ligne d'horizon, sur lequel l'objet recule..
Perspective en un point 
2001: l'odyssée de l'espace de Stanley Kubrick Lorsque plusieurs côtés de votre objet se retirent dans plusieurs zones, vous devez utiliser un système de perspective à deux points. Une fois utilisé, vous créerez deux points de fuite, chacun d'un côté de l'objet / de l'élément. Ces points seront à nouveau issus de la ligne d'horizon et les lignes de perspective iront de ce point jusqu'à l'objet. Il y a des endroits où vous pouvez vraiment commencer à voir les perspectives changer.
La plupart du temps, votre point de fuite sera hors de votre image, mais ne vous inquiétez pas. Si vous travaillez traditionnellement, vous pouvez toujours utiliser du papier supplémentaire pour mesurer la distance exacte. Si vous travaillez numériquement, étendez la toile jusqu'à ce que vous trouviez votre point de fuite.
Perspective en deux points 
Rue mystérieuse de Lukasz Taborski Le système en trois points est utilisé lorsque vous voulez vraiment transmettre une situation extrême. Cela peut être utile pour les scènes qui sont ludiques (faire une scène du point de vue d'un oiseau ou d'un chien), passionnantes (action) et bien d'autres. Pour atteindre cette perspective, vous utiliserez exactement le même système à partir du point 2, mais en ajoutant un troisième point de fuite situé au-dessus et au-dessous de l'objet / de l'élément..
Le troisième point a exactement le même effet que les deux autres, alors ne vous laissez pas trébucher, il n’ya rien de sournois à ce sujet. La seule différence est que le haut ou le bas (les verticales) de votre objet adhère et se rétracte à ce point. Quel est ce qui nous donne cet aspect déformé.
Perspective en trois points 
Dans les cauchemars de zardo Regardons quelques exemples qui montrent une grande utilisation de la perspective:
MILL10NAIRES de Jakob Eirich 
Cargo par Mitchell Mohrhauser 
Iroshi par Jonas De Ro 
Spirit Rising de Gary Tonge Les valeurs correspondent à la plage de luminosité et de noirceur de votre image. Ils sont blancs, noirs et tout le reste. Même avec la couleur, la couleur sombre ou claire (teintes ou nuances) est une valeur. Plus quelque chose se rapproche de l'avant-plan, plus il apparaîtra sombre (en fonction de l'éclairage et d'autres choses, bien sûr), tout ce qui s'éloigne de lui s'effacera progressivement à mesure qu'il s'efface à l'horizon (en termes de paysages). Regardez le graphique ci-dessous et utilisez-le comme référence pour en discuter plus en profondeur plus en profondeur..
Encore plus que les couleurs, les valeurs de votre travail sont l’un des éléments les plus importants de la réussite de votre œuvre. Si les valeurs ne sont pas lues correctement (être capable de distinguer le FG de MG en BG et / ou le point focal de la zone environnante), l’importance de la composition, de l’éclairage et des couleurs sera alors importante. tout va échouer parce que les valeurs ne sont pas lues correctement.
Alors, qu'est-ce que je veux dire par pouvoir lire correctement? Eh bien, jetons un coup d'oeil. L'image ci-dessous est une étude de la valeur réalisée par Claire Almon pour l'une de ses œuvres de Marie Antoinette (un autre WIP avec de la couleur est affiché sous cette image). Prenez note de toutes les valeurs différentes dans l'image et de la façon dont vous pouvez clairement distinguer chaque élément de l'autre. Les valeurs permettent de déterminer l’éclairage général de votre scène et l’apparence d’un objet par rapport à un autre (ce qui peut aider à la composition et à toute une liste de choses)..
L'Almon Tree Plus important encore, les valeurs séparent les distances dans le plan de sol, et c’est avec cette séparation, si elle est correctement effectuée, que le spectateur peut lire votre travail comme vous le souhaitez et diriger son regard vers le point focal. C’est à partir d’ici que vous pourrez ensuite travailler et commencer à finaliser vos schémas de couleurs comme indiqué ci-dessous..
L'Almon Tree 
L'Almon Tree Voici encore quelques exemples d'utilisation correcte des valeurs. Prenez note des différentes valeurs utilisées dans une même image / conception pour différencier chaque élément..
Blog de design Feng Zhu 
Blog de design Feng Zhu Tout comme l'éclairage, la couleur de votre pièce dépend de nombreux facteurs. l'heure du jour, la saison, l'emplacement et ainsi de suite. Il est important de déterminer le jeu de couleurs le plus tôt possible, même dès le début si vous le pouvez. Rappelez-vous que les choses vont toujours changer et évoluer, donc les couleurs de votre pièce le seront aussi. Comme pour tout, le fait que quelque chose soit beau à un moment donné ne signifie pas nécessairement que ce sera toujours le cas. N'ayez donc pas peur de mélanger les choses en cours de route et de trouver quelque chose qui conviendrait mieux à votre travail. N'oubliez pas qu'il est très facile d'aller trop loin avec la couleur aussi, alors sachez quand ne pas le gâcher.
Savoir comment choisir votre palette de couleurs dépend de l’heure de la journée, de la météo / du ciel, de la saison de l’année et du fait que vous soyez ou non sur une planète extraterrestre ou dans l’espace. Il y a d'innombrables choses qui pourraient aider à façonner les couleurs de votre peinture, il est donc préférable de se faire une idée de ce qu'elles sont le plus tôt possible pour minimiser les maux de tête avant de passer aux étapes finales..
La couleur que vous choisissez doit afficher toute émotion ou situation que vous souhaitez transmettre au spectateur. Si vous avez une pièce d'amusement ou d'action, des couleurs vives et éclatantes peuvent être votre meilleur choix pour afficher ce sens de l'action et de l'intensité. Si vous optez pour quelque chose d'un peu plus sombre et retiré, vous pouvez alors toujours opter pour un jeu de couleurs plus foncé et moins saturé, mais votre point central doit être plus vivant que les autres parties. De nombreuses variables peuvent prêter au type de couleur que vous utilisez pour votre pièce. Votre travail consiste à déterminer lequel d'entre eux fonctionnera le mieux.
Voici quelques exemples d'utilisation efficace de la couleur pour aider le narrateur, l'émotion et guider le regard du spectateur:
Dans l’image de GOLEM, l’artiste a créé une couleur vive autour du point central, ce qui indique clairement les points sur lesquels vous devriez porter votre attention. Les couleurs qui entourent la figurine confèrent à la pièce son caractère ludique et ajoutent une couche de mystère et de fantaisie. Les parties extérieures de la composition ont des tons de terre qui ne sont pas trop saturés. Cela permet au point focal de se distinguer davantage du reste de l'image (tout en maintenant l'équilibre) et permet d'explorer pleinement le côté ludique du sujet / thème..
GOLEM - jouets et magie par Randis AlbionNous avons ici un contraste de couleur qui fait ressortir le point focal. C’est l’un des moyens les plus utilisés d’utiliser la couleur pour obtenir une bonne composition, car elle est à la fois efficace et spectaculaire en termes de composition et de narration..
Nemeroths Fall de Roberto Robert Dans cette pièce, j’ai utilisé les écrans holographiques situés sur les patins d’atterrissage pour le distinguer des autres éléments de la scène. Étant donné que c’est la partie la plus saturée de la composition, je savais que l’œil du spectateur reviendrait toujours à revenir à cette zone car c’était la plus intéressante. Je voulais aussi le sentiment d'un travail de science-fiction plus ancien, alors je me suis tenu à l'écart des couleurs vives.
Station.4 Comme tous les principaux éléments de l’art, l’éclairage est crucial. Principalement parce que le spectateur moyen sait à quoi ressemble un éclairage réaliste, même s'il ne sait pas exactement ce qui le rend réel. Ils peuvent généralement dire si quelque chose fonctionne ou non. Parfois, vous pouvez avoir de la chance et les duper, mais la plupart du temps, cela peut vous empêcher de faire tout le travail dur que vous avez mis dans votre pièce, une perte de temps et de travail. Et ce n'est certainement pas ce que nous voulons.
Donc, afin de savoir comment la lumière réagit à l'environnement et aux différents matériaux, sortez et étudiez-la. Si vous vous basez sur quelque chose d'autre (par exemple, vous êtes votre plaque photographique en matière de matte painting ou d'anatomie pour les peintres), étudiez-la jusqu'à ce que vous puissiez dire à quelqu'un d'autre en quoi il ressemble, se sent et fonctionne. Utiliser des photos, c'est bien, mais il y a une source presque infinie juste en dehors de ces murs où vous attendez.
Tout comme la couleur, l'éclairage peut transmettre beaucoup d'émotion et de profondeur. Voyons comment cela peut être réalisé.
Encore une fois, dans l'image ci-dessous, un éclairage puissant est projeté sur le point focal. Les ombres au premier plan créent de la profondeur dans l'image et permettent au spectateur de voir clairement la zone focale sans que le premier plan ne passe inaperçu. Étant donné que le premier plan est dans une ombre presque complète et que le deuxième plan est l'endroit où nous voyons la plus grande partie de notre lumière, le spectateur a ainsi un impact plus important sur le point focal et sur ce qui se passe dans la scène. Presque immédiatement, ils voient la destruction du monde qui les entoure comme s'ils étaient dans la rue..
Gratte-ciel perdu par Ioan Dumitrescu Maîtrisant son art, cette pièce de Dylan Cole ne fait pas exception. Le premier plan et l'arrière-plan sont allumés pour afficher tout le travail qui y a été effectué, tandis que la composition vous pousse dans l'arrière-plan vers le point focal.
Dylan Cole Studio 
Dylan Cole Studio Alors, maintenant que nous avons couvert tous ces sujets, je suis sûr que vous vous demandez comment les utiliser et les intégrer à votre travail. Ceci, comme n'importe quoi d'autre, consiste à se familiariser avec eux et à pratiquer jusqu'à ce que vous compreniez clairement ce qu'ils sont et comment les utiliser correctement. N'oubliez pas que nous apprenons tous différemment. Si cela ne vous est pas facile, ne vous découragez pas. Continuez simplement avec de petites études sur chacun de ces sujets. Après un certain temps, vous remarquerez des choses que vous n'aviez pas auparavant et c'est à ce moment-là que vous commencerez à apprendre et à vous pousser vraiment.
Merci d'avoir pris le temps de lire cet article. J'espère vraiment que vous serez en mesure de tirer parti de cela et de l'appliquer à votre travail et d'en tirer des enseignements. Rappelez-vous simplement que chaque grand artiste que vous admirez a commencé par le bas et a dû travailler à travers toutes ces compétences. Continuez à vous pousser dans la bonne direction avec un objectif fort en tête et vous pouvez devenir excellent dans ce que vous faites..
Accentsconagua