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Parlez à des artistes ou jetez un coup d'œil à une conversation en ligne sur les œuvres d'art. Il est fort probable que vous entendiez ou lisiez une mention du style artistique à un moment donné. Mais aussi souvent que cela est mentionné, le style semble sous-estimé et incompris. Alors, qu'est-ce qui se cache derrière un style? Comment un artiste développe-t-il un style et que signifie-t-il pour un artiste? Pour le savoir, j'ai parlé à dix-huit artistes de grand talent et j'ai rassemblé leurs réponses pour votre édification et votre divertissement. Ceci est la première partie d'une série en deux parties, la deuxième partie dont vous devrez attendre patiemment.
Ce billet est le cinquième jour de notre séance d’illustration numérique. Sessions créatives "Session Day 4Session Day 6"OK, donc il y a environ trois ans, en 2007, j'avais l'impression d'être à un carrefour de toutes sortes. Depuis que j'ai eu mon école de cinéma en 1998, je portais un certain nombre de chapeaux créatifs dans ma vie professionnelle: graphiste, réalisateur de film, mec du mouvement, illustrateur, écrivain, photographe, etc. métiers de l’art, et de mon point de vue sans cesse autocritique, maitrise de nul.
J'ai décidé de prendre du recul et d'évaluer mes forces et de préciser ce pour quoi je me sentais le mieux. À ce moment-là, je créais de l'art numérique depuis une dizaine d'années et l'illustration me semblait être la combinaison idéale de mes compétences et de mes intérêts. J'ai donc décidé de me concentrer et d'essayer de faire avancer ma carrière plus fermement dans cette direction..
L'aspect technique de l'illustration numérique m'est toujours venu assez facilement, j'ai donc pu créer à peu près tout ce qu'un client ou un travail m'a présenté, mais je ne me sentais pas vraiment comme une partie de mon travail professionnel. comme étant bien "moi".
Je dessinais, peignais et griffonnais depuis des années, mais j’avais l’impression que la plupart du travail que j’avais créé depuis que j’ai quitté le monde universitaire, qui était relativement sûr, était quasiment invisible et ne méritait pas tout. Je me suis donc engagé dans une voie de redécouverte artistique et, deux processus ont alors commencé à se produire: ma carrière d’illustrateur a commencé à décoller et ma voix artistique est devenue beaucoup plus évidente. En d’autres termes, mon style artistique a émergé des profondeurs de mon cerveau et a commencé à s’implanter de plus en plus dans mon travail..
À ce stade, je suis à peu près certain que tout succès que je connaisse peut être attribué à mon style, à mon identité visuelle. Comme tout artiste décent, je suis très polyvalent et je suis prêt à modifier mon style et même à travailler en dehors de celui-ci lorsqu'une situation l'exige. Mais mon style de signature est ma carte de visite, c'est la raison pour laquelle les clients m'engagent, et les fans et les collectionneurs achètent mes œuvres.
Retour à la polyvalence. C'est toujours un atout, un facteur extrêmement important, mais il est difficile de démontrer votre voix et votre confiance artistique si vous ne pouvez pas vous séparer de la foule. Dix-sept artistes réunis ci-dessous ont trouvé des moyens de se distinguer des masses en créant des œuvres d'art selon leur propre style..
Ensuite, nous verrons de nombreux artistes à différentes étapes de leur carrière et les étudierons au sujet du style artistique. Pour le format, j'ai présenté aux participants les questions et leur ai demandé de répondre à leur convenance (d'où la disparité dans la longueur des réponses et le format des questions / réponses).
Enfin, avant de commencer à déposer le "Mais tu as oublié mon artiste préféré!" ou "Mais tu m'as oublié!" commentez, réalisez qu’il s’agit d’un très grand Internet et d’un monde encore plus grand, et que je ne pourrais jamais inclure tous les grands artistes. Alors sans plus tarder, je présente les artistes suivants et leurs opinions sur le style artistique.
Mon style a pris plus de dix ans à se développer. Je pense que cela s’est développé à partir de mes influences en tant qu’illustrateur de la première heure. J’ai défendu mon université de façon à ce que mon style corresponde à celui de leur université et à me démarquer de la foule. Mon travail n'est pas pour tout le monde et ça va.
Mon choix de style a été une décision délibérée. J'ai toujours voulu que les gens reconnaissent mon travail et disent, "Hé, c'est un bonbon." Cela dit, il a également été modifié au fil du temps. Comme d'autres emprunter Dans votre style, vous apprenez à adapter et à réinventer certaines parties de votre travail. Parfois, je vais éviter mon style et essayer quelque chose de différent et c'est une expérience très utile. Cela explose dans votre visage ou fonctionne très bien. Donc je suppose que mon style était conscient, mais il a aussi grandi avec des jambes, des bottes et des chapeaux ridicules.
Je suis généralement employé pour mon style. Les gens ont tendance à aimer mon doodley, mon travail organique et d'autres personnes aiment mon travail plus illustratif / narratif. Je pense qu'il est important qu'un client sache vaguement ce qu'il va obtenir. J'imagine qu'employer des illustrateurs, c'est comme aller dans un grand supermarché. Vous allez sélectionner ce que vous voulez ou ce dont votre projet a besoin. J'adorerais avoir un grand supermarché rempli d'illustrateurs, mais je crains que les offres achetées ne reçoivent des offres gratuites!
Tout mon travail a un récit enfantin. En dessinant, je pense à la vie des personnages, à leur lieu de résidence, à ce qu’ils mangent ou à ceux qu’ils ont tués. Même aux détails et aux relations les plus fins. Je sais que c'est étrange, mais cela aide mon style à s'épanouir et à grandir. La majeure partie de mon travail est sombre et c'est fait exprès. J'utilise certaines palettes de couleurs et des éléments de répétition pour que les gens identifient mon travail. Beaucoup de mes personnages auront des éléments en commun. Je ne vais pas les énumérer parce que j'aime bien qu'ils soient là mais tout le monde ne les remarque pas.
Dans l’ensemble, je pense qu’un style personnel est une bonne chose, mais il doit continuer à évoluer et à se développer sans quoi vous risqueriez de stagner. J'aime les artistes dont le style est évident dès le départ. Cela suggère une confiance dans leur propre travail.
Je suis illustrateur indépendant depuis la fin de mes études en 1999. J'ai travaillé avec divers clients sur un tas de projets. Je peins, gribouille et dessine le monde tel que je le vois. Je développe des personnages et tente d'attirer mignon dans des endroits sombres à travers un récit visuel. J'utilise des matériaux traditionnels et des emballages numériques pour créer mon art. Visitez mon site pour en savoir plus sur mon travail.
J'ai passé environ deux ans à dessiner sans arrêt et à regarder mon style changer presque tous les jours. Petit à petit, quelques détails (thèmes, formes, couleurs, etc.) sont devenus de plus en plus récurrents dans mes dessins. Je pense que dans ce sens, j'ai commencé à développer un style personnel qui change lentement.
À mon avis, mon style a évolué de manière organique. Quand j'ai commencé à illustrer, je trouvais dans mon travail des détails qui me rappelaient les styles d'autres artistes, mais je pense que cela est naturel car une étape importante pour devenir illustrateur ou artiste consiste à passer en revue le travail d'autres illustrateurs ou artistes… donc parfois, d'une manière subconsciente, nous sommes influencés par eux.
Mon travail est symétrique, parfois statique, coloré et cérébral. J'utilise plusieurs techniques: numérique, aquarelle, crayons - cela dépend du projet..
Malota est le pseudonyme de Mar Hernandez. Mar est née en mai 1980 et réside actuellement à Valence, une ville méditerranéenne située à l'est de l'Espagne. De là, elle dirige l'étude Malotaprojects.
Je travaille dans une variété de styles. Le projet détermine le style approprié nécessaire. Cela dit, j'ai un style de signature que je qualifie de "segmenté". Le nom de Jim Flora, directeur artistique du disque des années 1950, m'a beaucoup influencé..
En grandissant, je regardais les pochettes de disques de mes parents et je ne savais pas à l'époque que cela aurait un impact énorme sur mes illustrations plus tard dans la vie. Je n'ai pas fait la connexion jusqu'à la fin des années 1990, un an après la mort de Jim Flora. J'ai eu l'occasion de parler à son fils, qui m'a partagé une partie du travail ultérieur de son père, et j'ai pu lui dire à quel point le travail de son père avait inspiré le mien, alors c'était très cool..
Au cours de la dernière décennie, j'ai affiné mon style et je l'ai utilisé dans un large éventail de projets. L'image dans ce message est une affiche que j'ai réalisée pour Adobe et le lancement d'Illustrator au format CS4..
L'une des premières illustrations que j'ai réalisées dans cette langue vernaculaire stylistique était une pochette de CD de musique pour une collecte de fonds appelée "Almost Famous Band". Donc, à cet égard, cela était en quelque sorte prévu pour ce projet spécifique, car il correspondait au style que je voulais obtenir pour ce projet. J'ai progressé depuis le look segmenté bien qu'au point qu'il ait une méthode à sa folie.
Style et concept vont de pair. Vous pouvez avoir un bon concept, mais choisir un style inapproprié pour l'exécuter. Vous pouvez aussi avoir le style parfait, mais sans concept solide. Trop d'illustrateurs pensent en termes d'un style et essaient de le forcer dans tous les projets, c'est comme si on forçait le curry dans toutes les recettes que vous utilisez. Le curry est délicieux dans la cuisine indienne, mais ne serait pas aussi bon dans les cookies. Ce n'est pas que le curry soit mauvais, ce n'est tout simplement pas approprié pour ce genre de recette. Le même principe s’applique au style et à la manière dont il se rapporte à un projet donné..
J'essaie de bien concevoir mes illustrations. Je fais attention aux détails apparemment banals pour éviter les tensions visuelles. J'aime aussi utiliser la couleur pour renforcer un concept ou une idée. Je suppose que mon approche créative est très systématique, quel que soit le style spécifique dans lequel je travaille. Je suis très attentif à la forme, à l'équilibre des espaces et à la manière dont ils se rapportent avant même que je ne touche à l'ordinateur..
Cela signifie que je dessine tout à l’avance avant de le construire numériquement. Cela me permet d’avoir une base solide et d’éliminer les incertitudes sur la partie exécution de mon processus. Cela dit, je suis constamment en train de diriger moi-même pendant le processus, en apportant de petites améliorations et des changements si nécessaire..
Von est directeur des studios Glitschka et travaille dans le secteur des arts de la communication depuis plus de 23 ans. Son travail reflète la relation symbiotique entre le design et l'illustration. Cette dualité de compétences au sein de son propre arsenal créatif l’a inspiré à inventer la phrase et le titre de «concepteur illustratif».
Tout a commencé avec une idée simple et concrète. Le mot "Polices de caractères" a commencé à tourner autour de ma tête et je me suis soudain rendu compte que le mot lui-même enfermait un secret très visible. Les polices de caractères, ou les visages de type, seraient mon nouveau projet. Depuis ce moment, j'ai créé une énorme quantité de caractères basés sur différentes typographies. Cela a commencé il y a environ trois ans et depuis, je suis comme un illustrateur Type-Maniac, ce qui est amusant.
Le processus de création de polices de caractères a évolué de manière très organique et naturelle. La preuve en est faite lorsque vous examinez les premiers types de polices que j'ai créés et que vous suivez le processus jusqu'au dernier. C'est vraiment curieux de voir comment les traces de la typographie commencent à s'estomper lentement. Lorsque vous regardez mes dernières créations, il est difficile de distinguer clairement les formes de lettre. Je pense que cela est dû au fait que ma technique s'améliore, évolue chaque jour.
Fondamentalement, mon style est basé sur les lettres et sans elles, je n’ai rien à créer. Ce sont mes outils et je les remercie et les remercie pour l’inspiration qu’ils m’apportent..
Vous pouvez consulter mes créatures de type sur flickr.com/typefaces. N'hésitez pas à consulter mon travail de designer et d'illustrateur à main levée: flickr.com/juliandorado.
Le style kukubee était un enfant né d'une maman de dessin animé et d'un papa en papier de construction. Mes premiers rêves étaient de dessiner des bandes dessinées, avant que je réalise que je n'étais même pas un peu drôle. Ainsi, les éléments de la bande dessinée classique ont été ma plus grande source d’inspiration, où l’accent mis sur les formes des caractères est la facette la plus importante de leurs dessins..
En 2007, j'ai eu une exposition d'art à Spokane, WA, où on m'a donné la liberté de créer ce que je voulais avec la garantie que mon travail serait montré. Expérimenté et fatigué de travailler dans le style de dessin animé que je réalisais à l'époque, j'ai créé une série de pièces (probablement très inflammables) composées de divers éléments multimédias..
J'ai eu beaucoup de plaisir à expérimenter différentes textures et à les intégrer lentement à mon répertoire quotidien. Mon style actuel a été développé de manière semi-consciente en combinant mon amour des dessins animés simples à ces expériences avec des médias pour que ce soit amusant pour moi de créer. Mais par-dessus tout, je tire principalement mon arrière-plan de dessinateur et ai tendance à me concentrer principalement sur les formes lors de la création de mes dessins. Nos yeux sont paresseux lorsqu'il s'agit d'association visuelle. Plutôt que de se souvenir des détails et des jolies cloches et sifflets que nous incluons dans nos illustrations, le spectateur récupère finalement la plupart de ses visuels à travers des formes de base.
Alors, je me demande souvent si je dois enlever les textures, les dégradés ou tout autre brillant, mon dessin fonctionnera-t-il quand il sera réduit à sa composition la plus élémentaire? Si la réponse est non, alors nous revenons à la planche à dessin littérale. Tous les extras de fantaisie que vous ajoutez à une excellente base peuvent toujours améliorer votre conception, mais pas l'inverse..
Souvent, ce sont ces petits éléments extra de fantaisie que vous incorporez dans votre conception qui vous donnent votre saveur distinctive (à moins que vous ne soyez l'un des chanceux que je veux poinçonner jalousement dans le tibia dont le style signature est juste être génial).
Au temps du graphisme jadis, un homme à tout faire pourrait débarquer un travail de conception et faire un bien travail de ce qui lui a été remis. Mais ces emplois sont si peu nombreux et rares. Une entreprise sait maintenant que présenter une marque unique est primordial pour fidéliser ses clients. Il est donc plus important que jamais de pouvoir vous représenter avec une voix forte et cohérente., style de signature, Surtout sur le marché saturé d'aujourd'hui - où tout le monde et son frère (et le chien de son frère) ont accès à un logiciel de retouche d'images et se font passer pour des concepteurs.
Être juste bon à tout est beaucoup plus difficile à vendre maintenant. Un client potentiel n'a aucun intérêt à vous accompagner lorsqu'il peut toujours trouver quelqu'un d'autre qui fait ce que vous faites, et probablement moins cher. Ne donnez pas à votre client la possibilité de vous accompagner, car personne d'autre ne fait ce que vous faites comme vous le faites..
Kukubee a été créé par deux compagnons d'âme, Brent et Brandi, qui partagent un amour pour tout ce qui est adorable, rusé, effrayant et parfois chauve. Découvrez mes œuvres sur kukubee.com et suivez-nous sur Twitter: @kukubee.
Mon style et ma technique d'illustration ont évolué et continuent d'évoluer de manière subconsciente. Depuis que je suis très jeune, je me suis toujours intéressé au développement des personnages en tant que forme d'expression de soi. J'adopte une approche très organique dans mon travail. Souvent, je ne pense pas à créer et à communiquer un style unique, mais au contraire, j'essaie de supprimer les barrières et les directives et de laisser mon subconscient communiquer ce qu'il veut. Il y a quelque chose d'extrêmement fascinant à laisser votre subconscient s'exprimer et à s'exprimer avec des formes, des couleurs et des yeux..
Mon nom est Camilo Bejarano, également connu sous le nom de Ph7labs. Je suis un designer et illustrateur basé en Floride, aux États-Unis. Contactez-moi sur ph7labs.com ou @ ph7labs sur Twitter.
Mon style m'est venu naturellement après une longue période d'expérimentation et d'exploration. En tant que période, je dirais qu’il a fallu environ un an pour que l’esthétique visuelle atteigne le stade actuel..
Mon style à travers les écoles d'art était très différent du style que j'ai maintenant. À l'époque, la majorité de mon travail était dessinée à la main et se concentrait beaucoup sur les personnages. Je sentais que c'était très limitatif et je voulais créer un style qui soit vraiment à l'image de moi, mais qui pourrait aussi être commercialement viable pour n'importe quel brief.
J'ai été très chanceux d'avoir suivi un cours qui met vraiment l'accent sur le fait de jouer le plus possible avant de choisir une voix ou une méthode de travail singulière. Après avoir obtenu mon diplôme et assimilé toutes les compétences que j'avais acquises pendant le cours, je suis retourné à la table à dessin et j'ai commencé à vraiment trouver ma vraie voix..
Même à ce jour, je ne vois pas mon style défini, parce que, en tant que créatif, je suis toujours à la recherche de défauts et d'améliorations pour poursuivre mon développement au sein de l'illustration et le rendre plus applicable au monde commercial..
Mon style n'a jamais été planifié. Je crois que chaque personne a son propre style, tout comme l'écriture de chacun est subtile- ment différente les unes des autres. Bien sûr, les styles peuvent sembler similaires et vous devez commencer à développer une voix singulière qui vous reflète vraiment et sépare votre style du reste..
Plus important encore, votre style doit devenir une façon naturelle de travailler pour vous afin que, peu importe ce que vous décrivez, vous ayez une base très solide sur laquelle bâtir..
Mon style ne joue pas vraiment un rôle important dans mon processus de travail lorsque je reçois un projet, car je suis très à l'aise avec ce projet et je pense qu'il peut être appliqué à une grande variété de sujets..
Le point le plus important pour moi est maintenant l’idée derrière l’illustration. En tant qu’illustrateurs, nous passons personnellement beaucoup de temps à l’écart du monde commercial pour développer et perfectionner nos technologies. style de sorte que cela ne devrait vraiment pas être si difficile quand il s'agit de l'exécuter. Le plus difficile est de trouver une bonne idée, puis de la fusionner avec votre style pour créer une illustration complète et équilibrée qui envoie un message, tout en stimulant visuellement..
Lors de la définition d'un style, je pense qu'il est très important de s'inspirer des images qui vous intriguent vraiment. Pour moi, j'adore regarder les cultures anciennes et leur art. Je suis également fasciné par la symétrie, la composition des formes, la texture et la couleur. Tout cela alimente mon travail et le développement continu de mon style.
Jonny Wan est un illustrateur basé à Sheffield, au Royaume-Uni. Ses travaux sont principalement axés sur la combinaison d’expérimentation de formes, d’expressions faciales et de symétrie pour produire des éléments visuels uniques. En savoir plus sur son travail à: jonnywan.com.
Je pense que le style de mes œuvres d'art est une combinaison d'influences de l'enfance et de leur prise en charge.
À certains égards, c'est un mélange des deux. J'ai toujours eu une vision sous-jacente du look que je voulais que mes œuvres aient, mais seulement quand j'ai pu allons y à un moment donné et que l'art ait son mot à dire sur l'endroit où il voulait diriger a atteint un niveau de satisfaction avec l'art que je crée.
J'avais l'habitude de me battre un peu avec le style d'œuvres d'art que j'admirais et ce qui était en moi. J'ai l'impression d'avoir atteint un bon équilibre entre mes objectifs et la créativité voulue..
Cela depend du projet. Je suis assez chanceux à l'heure actuelle pour que les clients m'engagent pour créer des illustrations et des personnages dans le style qu'ils voient dans le travail existant que j'ai réalisé. Il est donc plus important de rester sur le sujet que de considérer le style de la ouvrages d'art.
J'ai toujours été et je suis toujours fan des dessins au trait audacieux, fluides et graphiquement stylisés. Je suis également un grand fan de la géométrie sous-jacente, même si cette géométrie n'est pas flagrante dans l'illustration finale. La couleur est un complément au dessin au trait.
George Coghill est un illustrateur et dessinateur humoristique spécialisé dans la conception de personnages de dessins animés pour mascottes et logos. Vous pouvez voir son travail d'illustration de dessin animé à Coghill Cartooning, en savoir plus sur son travail sur son blog et le suivre sur Twitter: @gcoghill.
Je n'ai pas été impliqué dans l'art numérique depuis longtemps. J'ai commencé à faire de l'art sérieusement il y a environ deux ans et je continue de grandir et d'essayer beaucoup de nouvelles choses pour faire évoluer mon style. Ce n'était pas une décision consciente. Quand j'ai commencé, j'ai juste choisi des choses qui m'ont inspiré. Un jour, j'ai fait une photo qui avait un tout nouveau look pour moi. J'ai décidé à ce moment que j'ai trouvé mon propre style. Puis cela a commencé à changer. Je ne peux pas dire comment ça se passe et où ça va.
L'illustration n'est pas ma seule source d'inspiration. Je le trouve aussi dans l'architecture, la mode, la photographie, les installations artistiques, l'art populaire et bien d'autres lieux, même dans des domaines scientifiques loufoques..
Les couleurs et les dégradés sont les grandes parties de mon style. J'aime aussi créer une sensation d'espace, une sorte de profondeur et expérimenter avec l'éclairage. En outre, je porte beaucoup d’attention aux formes, prenant le temps de les rendre parfaites. Le logiciel affecte également un peu le style. Lorsque je suis passé de Photoshop à Illustrator, mon style a beaucoup changé. Maintenant je suis amoureux du vecteur.
Mon vrai nom est Alexandra, mais je suis mieux connu sous le nom de Zutto. J'ai 26 ans, je vis dans une petite ville appelée Miass, en Russie. Je travaille en tant que designer / illustrateur indépendant, principalement avec le dessin vectoriel. Je n'ai aucune éducation spéciale et je suis autodidacte de cette façon. Vous pouvez en apprendre plus sur mon travail sur zuttoworld.com.
Je n'aime pas trop penser à style dans le sens classique du terme, car cela sonne comme une destination, où la création artistique devrait être une question de voyage. Au début de ma vingtaine, j’avais eu l’idée qu’une fois que j’avais imaginé mon style tout dans ma carrière se mettrait en place. Cela m'a mis beaucoup de pression inutile alors que j'aurais dû apprendre les outils et m'amuser. Mais bien sûr, je ne l'ai pas appris avant d'avoir un peu grandi :)
Cependant, en ce qui concerne le type de travail que je fais, c'est essentiellement l'aboutissement de beaucoup de choses qui m'intéressent. Pas seulement d'autres artistes, mais des éléments de design qui prévalaient quand j'étais enfant. Années 80.
Au cours des dernières années, je me suis concentré sur la création d'un travail amusant, que James pourrait vouloir accrocher à son mur en 1982. Cela m'a amené à me pencher sur le design et l'animation dès mon enfance, et à réinventer cette idée avec ce que j'ai appris sur le design. Donc, si vous y réfléchissez de la sorte, je développe le style depuis que je suis gamin (j'étais toujours à la recherche de trucs sympas).
Cela a évolué de manière très organique, c'est ce que j'essaie de faire à tous les niveaux. J'ai commencé à travailler avec beaucoup de crânes avec des effets picturaux, similaires au travail du chanteur de Converge, Jacob Bannon. J'ai commencé à ajouter différents éléments de design et thèmes de couleurs pour que les choses restent intéressantes, et j'ai aimé travailler avec des lignes larges et des fragments. Je l'ai poussé au niveau supérieur en plaçant ces formes étranges dans Flash pour générer des groupes de gammes aléatoires, que j'ai portés sur Illustrator pour les manipuler et les nettoyer. Une fois que j’ai découvert qu’ils étaient vraiment super quand ils étaient superposés dans Photoshop, c’était tous les systèmes qui fonctionnaient..
Après cela, je suis devenu très intéressé par les animations d'identification de réseau des années 70 et 80, en particulier le logo NBC avec toutes ses couleurs vives. J'ai visionné beaucoup de ces animations sur YouTube et j'ai essayé d'appliquer de manière intéressante l'esthétique et la palette à mon travail. Ils ont également eu des effets d'éclairage insensés sur les lettres et les dessins, ce que j'ai directement pris et mis dans mon travail.
Sorte de. En fin de compte, j'essaie de m'amuser tout en travaillant sur quelque chose, peu importe le projet. Les clients avec lesquels je travaille actuellement m'embauchent en raison de ce qu'ils voient dans mon portefeuille. J'aime ça parce qu'ils peuvent essentiellement dire "Vous savez comment vous avez créé cette affiche du réseau? Pouvez-vous le faire pour moi?" Si le temps le permet, j'essaierai toujours d'ajouter une touche unique à ce que je fais afin de ne pas simplement me répliquer pour un client. Je veux leur donner quelque chose qui leur est propre, pas simplement une extension de mon propre portefeuille.
En ce qui concerne mon propre travail, je considère le style dans une certaine mesure. J'aime que mes affiches Signalnoise s'agencent dans leur ensemble, où vous pouvez les accrocher au mur, sans trop de différence, pour qu’elles aient l’air bizarre. J'aime la cohérence, mais cela ne signifie pas nécessairement la complaisance. En fin de compte, je veux m'amuser à créer quelque chose et je veux que ce plaisir se manifeste dans le produit final.
Des amis me l'ont déjà demandé et je dis toujours "Oh, je ne sais pas. Lignes et arcs-en-ciel!" Les éléments que j'utilise sont principalement inspirés des identifiants de réseau mentionnés précédemment. Formes typographiques, couleurs à spectre complet, éclairages éclairants, textures en difficulté, flous sablonneux et brillants. J'aimerais que mon travail corresponde à quelque chose que NBC diffuserait en 1977.
Cela étant dit, j'essaie également d'ajouter des éléments tirés des travaux de Paul Rand, de Milton Glaser, de Josef Muller-Brockman et de Saul Bass. Ces gars-là connaissent leur métier, et je me sens immédiatement stupide chaque fois que je les recherche. Mais ils connaissaient leurs médiums, leurs règles et leurs portefeuilles constituaient une source d'apprentissage fantastique pour un type comme moi, qui souhaite simplement créer des affiches pour toujours..
Ce que j’ai appris au cours des dix dernières années, c’est que la quête d’un style pour se définir ne fait qu’ajouter pression et frustration à quelque chose qui devrait vr
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