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L'un des points forts de la musique est sa capacité à exprimer des sentiments et des idées de manière totalement intangible. La musique peut véhiculer des idées aussi disparates que l'eau, le printemps, les machines, la mélancolie et l'exubérance. Lorsque vous débutez en tant que compositeur ou auteur-compositeur, utiliser de la musique instrumentale pour exprimer des idées spécifiques peut s'avérer une tâche décourageante et accablante..
Le but de ce didacticiel est de présenter un processus pas à pas que vous pouvez utiliser pour transmettre une idée non musicale en termes musicaux. Ce n’est certainement pas la seule approche, et souvent la meilleure solution est souvent l’intuition la plus pure, mais c’est un moyen logique et simple pour un compositeur débutant ou un auteur-compositeur débutant.
Je vais commencer par discuter brièvement de l'idée de base de la musique programmée, puis du processus étape par étape, suivi de quelques exemples d'utilisation du processus..
Lorsque vous utilisez de la musique pour essayer de véhiculer une idée non musicale, vous écrivez essentiellement ce que l'on appelle "programme de musique". En termes très généraux, les compositeurs ont tendance à diviser la musique en deux catégories, la musique absolue et la musique programmée..
Absolute Music fait référence à la musique en soi, comme une symphonie n ° 4 de Brahms dans Em ou le concerto pour piano n ° 2 de Rachmaninoff. Vous êtes censé apprécier et apprécier la musique pour son développement habile de motifs, ses harmonies intrigantes, ses performances virtuoses , parmi d'autres qualités. La musique absolue existe pour la musique seule et toutes les associations que vous faites avec d'autres idées relèvent de votre propre volonté et ne sont pas guidées directement par le compositeur..
Par contre, Program Music est conçu pour exprimer une idée en dehors de la musique elle-même. Bien qu'elle existe depuis aussi longtemps que la musique elle-même, la musique programmée est devenue particulièrement populaire à l'époque romantique et l'est encore aujourd'hui. Beaucoup de gens ne croient même pas qu'un morceau de musique peut être strictement "absolu" et que chaque composition exprime quelque chose. Avec la musique programmée, le compositeur a une idée précise des associations extérieures que l'auditeur doit faire avec la musique..
La forme la plus courante de la musique de programme instrumentale est aujourd'hui la musique de film, dans laquelle la musique est censée exprimer les sentiments, les motivations, les personnages, les décors, les périodes ou autres idées rattachées à une scène particulière du film. Un rythme rapide et un rythme de conduite suggérant l'excitation et l'énergie d'une poursuite, ou une course de violon gonflée peut exprimer un élan de passion.
Il n'est pas nécessaire d'être un compositeur de film pour vouloir exprimer une idée musicalement. Si vous avez écrit une chanson avec des paroles tristes, il semblerait assez logique que vous souhaitiez que la musique soit également triste (à moins que vous ne soyez intentionnellement contrariant ou ironique). Comprendre comment obtenir un sens plus expressif de la musique peut donner une toute nouvelle dimension à vos paroles..
La première étape consiste bien entendu à décider de ce que vous voulez transmettre. Si vous jouez une scène dans un film, ce sera probablement l'action qui se déroulera à l'écran qui décidera pour vous, mais c'est également à vous de décider du type de scénario à adopter pour le drame. Si la scène est triste, s'agit-il d'une tristesse fondée sur la perte ou le rejet? Être aussi précis que possible dès le début du message que vous voulez dans votre musique est essentiel. Cela rendra le reste du processus beaucoup plus facile que de simplement passer à l’aveugle et d’espérer le meilleur.
Une fois que vous avez défini ce que vous voulez dire, il est temps de comprendre comment le dire. Nous faisons cela en décomposant la musique en ses blocs de construction.
En tant que "battement de coeur" de votre musique, le rythme est le premier élément que nous établirons. Nous pouvons encore réduire le rythme en tempo, en mètre et en groove.
Le tempo d'une pièce est un facteur déterminant de son enthousiasme. Un rythme de pompage rapide est comparable à un battement de coeur rapide; c'est plein d'adrénaline et d'excitation. Les tempos rapides conviennent généralement à l'action, comme une scène de chasse ou lorsque quelque chose est heureux et amusant. Inversement, un tempo lent est plus détendu et est associé soit à des sentiments plus passionnés de romance ou de chagrin, soit à des sentiments moins certains de suspense et de peur..
Un manque de tempo est un dispositif tout aussi efficace, car il crée un sentiment d’ambiguïté et d’incertitude. Un tempo totalement libre convient le mieux aux sentiments soit libres et fluides, soit à la limite et imprévisibles.
Le mètre contribue à notre sens d'une pièce par son sens réel mais également par les associations passées. Un compteur optimiste de 6/8 mètres pourrait nous faire penser aux gabarits irlandais et donc à la musique pirate. Les mètres à plat comme les 3/4 sont souvent utilisés pour les scènes de vol car ils ont un sens du rebond et de la portance (considérez les scores de "Up" ou "Around the World in 80 Days"). 4/4 est un plus simple et commun.
Les mètres impairs tels que 5/8 ou 7/4 sont souvent utilisés pour les scènes d'action lorsque vous êtes supposé ressentir l'excitation de l'imprévisibilité.
Lorsque vous choisissez un compteur, il est judicieux de prendre en compte les associations passées que votre public peut avoir inconsciemment. C'est bien si votre pièce en 3/4 a le sens de la Valse viennoise, mais seulement si vous en êtes conscient..
Semblable à mètre, le groove ou le battement de votre pièce vient avec le fardeau des associations passées. Certains rythmes peuvent donner l'impression d'être dansés même si ce n'est pas ce que vous recherchez. Un excès de syncopes peut donner à votre musique une impression de funk ou de jazz, ou bien l’incorporation accidentelle d’une clave pourrait donner à votre musique une touche latine..
Utiliser un certain type de rythme ou de groove peut être un outil très précieux lorsque vous essayez d’établir un réglage ou une période spécifique. Comme nous l'avons dit avec les autres éléments, sachez simplement quelles associations le rythme que vous utilisez pourrait suggérer.
Vous avez donc choisi un tempo et une idée générale de l’impression du pouls. Ensuite, nous considérons l'harmonie.
En gardant cela à l’esprit, notre prochaine étape pour décider de la manière de transmettre vos idées est de considérer l’harmonie que nous voulons utiliser. Pour garder les choses simples, nous allons nous en tenir à l'harmonie tonale traditionnelle et ne pas entrer dans l'atonalité, le chromatisme, etc..
Même les non-musiciens semblent savoir qu '"un accord majeur est heureux" et "un accord mineur est triste". Mais nous savons que cela devient beaucoup plus nuancé et complexe que cela. Tout accord allant à un autre accord a un son et un poids émotionnel uniques. Chaque changement d'accord a un degré variable de mouvement statique, de portance ou de dépression.
Considérez la progression suivante, C F G C:
Assez stable, non? Tous les accords sont majeurs, mais aucun d’entre eux ne se sent nécessairement différent ni plus émotionnellement chargé que les autres. Mais qu'en est-il de celui-ci, encore une fois, de tous les principaux accords C F G A:
Cette fois, l’accord A est très brillant et édifiant. Il existe un phénomène intéressant dans lequel les accords majeurs empruntés en dehors de la tonalité sont plus "majeurs". Dans le même temps, les accords mineurs pris hors de la tonalité sont plus "mineurs"..
Pour entendre l'effet des accords mineurs non diatoniques, considérons cet exemple C Em F:
Si nous changeons F en Fm, nous obtenons un effet bien plus dramatique que ce à quoi vous vous attendiez en modifiant un seul ton. C Em Fm:
Le Fm sonne en quelque sorte beaucoup plus "mineur" que le Em parce que ce n'est pas de la clé de C.
Le premier endroit à commencer est avec ce qui vient naturellement. Une émotion positive serait probablement transmise de manière appropriée avec une clé majeure, un négatif avec une clé mineure. Avec cette décision élémentaire, vous pouvez alors devenir plus intéressant. J'ai trouvé que la meilleure façon de faire est de jouer différentes progressions d'accords et de prendre des notes sur ce qu'ils ressentent. Dans l'exemple ci-dessous, je vais aller dans plus
détail à ce sujet.
Le suivant est la mélodie, qui compense en grande partie le "caractère" de votre musique. Une mélodie peut être longue et lugubre ou brillante et énergique. En allant dans l'ordre spécifique de ces étapes, de nombreuses caractéristiques de votre mélodie seront déterminées en fonction des idées rythmiques et harmoniques que vous avez déjà établies..
Les principales considérations laissées à la mélodie sont son activité rythmique et le type de gamme qu’elle couvre. En général, les mélodies qui couvrent une large gamme et comportent de nombreux grands sauts ont tendance à se sentir plus passionnées, tandis que les mélodies avec des gammes plus petites et un mouvement plus progressif ont une sensation plus réservée et résolue..
Un élément important à prendre en compte est l’enregistrement, ou l’ampleur de votre mélodie. Les mélodies très basses jouées par des bassons ou des basses peuvent souvent être léthargiques et lentes, tandis que des mélodies extrêmement hautes peuvent être aiguës et fines. L'instrumentation aura une incidence considérable sur ce point, mais il est important de garder à l'esprit l'effet qu'un registre différent peut avoir sur le ressenti et l'intensité de vos lignes..
Considérez cette courte phrase pour piano, qui utilise exactement le même rythme, la même harmonie et la même mélodie, mais qui est jouée dans un registre différent du piano:
Faible:
Haute:
La version supérieure de la mélodie est douce et innocente, tandis que la version inférieure est beaucoup plus banale.
Notre dernière considération est l'orchestration, ou quels instruments vous utiliserez. Les timbres que vous utilisez pour exprimer vos idées sont extrêmement importants du point de vue de l'intensité et encore une fois dans le domaine des associations extérieures.
Les guitares électriques, par exemple, ont tendance à suggérer la jeunesse ou la masculinité. Un harmonica a des implications du blues ou du sud américain, etc..
L'intensité du timbre est également une considération importante. Voici une démonstration simple de la façon dont les mêmes notes peuvent avoir une attitude très différente. Nous avons le même accord, le même espacement, avec trois sons différents. Laiton, cordes et un pad lisse:
Tous les autres éléments étant égaux, la différence de timbre a un effet considérable sur l'attitude de l'accord..
Cet exemple provient d'une réplique que j'ai récemment écrite pour un long métrage. La scène est celle d'un adolescent qui avoue avoir assassiné quelqu'un par accident. Il est tourmenté de chagrin et de regret.
La première étape consiste à comprendre ce que j'essaie de dire. Je veux transmettre un sentiment de chagrin et de deuil, comme si son âme réclamait la rédemption. Pas à pas, je considérerai le rythme, l'harmonie, la mélodie et l'orchestration.
Le rythme devrait être lent et long. Le chagrin n'a rien d'excitant, il est laborieux et douloureux. Après avoir joué avec le métronome pendant un moment, je suis tombé sur le très lent 42bpm.
J'ai également déterminé qu'un simple 4/4 est la voie à suivre. Pour créer un sentiment de nostalgie, je peux utiliser une barre de compteur occasionnelle occasionnelle pour ajouter une longueur supplémentaire, ce qui crée essentiellement un maintien de fermata, mais en général, nous ne faisons que progresser à 4/4 parce qu'il n'y a pas besoin de faire des fantaisies..
Vient ensuite l’harmonie qui, dans ce cas, sera l’un des facteurs les plus déterminants dans la mise en forme de la pièce..
Je veux que la pièce soit triste, il est donc logique de commencer avec une clé mineure. J'ai choisi arbitrairement la touche de sol mineur, simplement parce que c'est là que mes doigts ont atterri en premier sur le piano et cela m'a fait du bien. Bien que vous finissiez par développer un sens unique pour chaque clé, elles peuvent toutes être considérées sur un terrain raisonnablement égal à ce stade..
Donc, en commençant par un accord Gm, ma prochaine préoccupation est de trouver un accord qui vient après et qui se sent triste. Après quelques jeux, j’ai trouvé que j’aime la basse allant d’un Sol à un sol. Toute cette descente a une agréable sensation de dépression sans être trop sombre ou tordue..
Dans cet esprit, nous pouvons essayer différents changements d’accord allant de Gm à un accord avec F comme tonalité..
Gm à F:
Gm à Fm:
GM à Dm / F:
Gm à Db / F:
Gm à Bb / F:
Gm à Bbm / F:
En jouant à travers chacun d'eux, je peux voir ce que je ressens à leur sujet. Je pense qu’il est assez évident que le fait d’avoir recours aux accords majeurs (Fa, Db ou Bb) n’est pas la bonne façon de transmettre la tristesse. Cela nous laisse trois choix pour les accords mineurs.
Gm to Fm se sent trop médiéval, Gm to Dm / F se sent plutôt bien, alors que Gm to Bbm / F est trop effrayant. GM à Dm / F il est. C'est triste et regrettable sans être trop mystérieux.
GM à Dm / F:
Maintenant que je suis venu avec une progression "triste" que j'aime bien, je veux en ajouter une autre à mon arsenal qui est plus sombre et douloureuse. Rappelez-vous qu'il s'agit d'un meurtre!
En suivant la même ligne de pensée qu'auparavant, j'aime bien la sensation de G jusqu'à Ab dans la basse. Cela contraste avec la progression précédente mais aussi beaucoup plus effrayant.
Voici les options, en utilisant Ab comme ton d’accord dans les trios:
Gm à Ab:
Gm à Abm:
Gm à E / G #:
Gm à Fm / Ab:
Gm à Db / Ab:
Gm À Dbm / Ab:
Tout comme avant, aller vers un accord majeur n’est pas la bonne approche, je vais donc les écarter complètement. Gm To Abm est très mystérieux, Gm to Fm se sent bien mais ressemble à la progression "triste", et Gm to Db se sent très sci-fi. Bien que ce soit inhabituel, Gm to Abm est mon préféré des trois pour cette instance.
Gm à Abm:
Ces deux simples progressions d'accords me suffisent pour passer à l'étape suivante..
La mélodie de cette pièce doit être composée de notes longues, essentiellement lentes. C'est plus une ligne de gémissements qu'une ligne de chant, alors j'imagine que c'est relativement simple.
Comme nous avons déjà déterminé l’harmonie, la mélodie s’adapte à cela. Les puristes du contrepoint couvrent vos oreilles, mais je vais imiter l'idée de G à Ab dans la mélodie, en laissant le G frotter sur l'accord Abm pour créer une tension. Notez que la note 16ème F ajoute une variation à l’idée de G à Abm, la rendant un peu plus intéressante que ce que nous avons de la basse.
J'utiliserai ensuite le ton commun D sur la progression de Gm à Dm / F pour une tristesse réservée.
Ce sera l'idée de base de la mélodie, que je développerai au fur et à mesure que je développe le reste de la pièce..
L'harmonie de base sera couverte par des cordes jouant dans leur registre inférieur, car pour moi, c'est un son très riche, doux et tragique. J'ajouterai également un orgue lisse comme un pad au son pour lui donner ce sentiment de chagrin semblable à celui d'une église. De plus, pour ajouter de l'intérêt et du mouvement, je vais ajouter une ligne arpégée dans les altos, doublée d'une harpe pour la faire ressortir, et une simple pulsation rythmique dans les vibrations. J'ai choisi la harpe et le vibraphone parce que ce sont des couleurs douces qui se fondent facilement dans les cordes, mais qui ont également un timbre froid..
Peu d'instruments sont aussi passionnés et lugubres que la voix humaine, je vais donc droit pour la jugulaire et utiliser une voix féminine. Je vais la doubler sur les violons pour ajouter un soutien à la ligne.
Je n’ai trouvé que quatre barres de matière, mais j’ai réussi à trouver le "son" que je cherche: douloureux avec une touche de regret pour le meurtre commis..
De là, je peux compléter la composition..
Je n'entrerai pas dans les détails de la rédaction de l'introduction mais me concentrerai sur deux autres moments importants de la pièce. À mi-chemin de sa confession, notre personnage s'effondre devant son chagrin le plus profond et nous pouvons utiliser quelques astuces pour rendre cela plus émotionnel. J'aimerais prendre l'idée de base que nous utilisons et la lancer dans un endroit plus passionné. Ensuite, après seulement quelques mesures, je souhaite revenir en arrière et ajouter une touche de déception à la fin de la scène..
Rythmiquement, je pense qu'il est logique que le morceau reste cohérent. Je ne vais donc pas y apporter de changements radicaux. La même chose est vraie pour l'orchestration, je vais la garder cohérente avec les instruments que nous utilisions déjà.
Harmoniquement, nous avons jusqu'ici fait la navette entre Gm et une "sorte de" territoire dominant avec ce que l'on pourrait appeler des variations fantaisistes sur D7 et Dm. La sous-dominante, dans ce cas-ci Cm, est l’endroit où nous ne nous sommes pas encore aventurés. Par conséquent, aller là-bas serait non seulement un son nouveau, mais également une sensation de déplacement..
Une fois que nous sommes entrés dans le "nouveau" territoire sous-dominant, la prochaine chose à mettre en place est la déception, et le meilleur moyen d'y parvenir consiste à établir une attente et à la défier. C’est une technique que j’ai volée à Wagner (et que vous devriez aussi!) Dans laquelle vous utilisez une progression d’accord commune, obligeant les gens à attendre un accord spécifique, puis leur donnant une cadence trompeuse à la place, afin de faire avancer le drame et de ne jamais apaiser la satisfaction de l'auditeur.
Dans ce cas, je vais utiliser la progression Cm / Eb Gm / J7. Il s’agit essentiellement d’une progression iv-V7-i très typique.
Cm / Mib D7 Gm:
Le Gm / D-D7 rend le i accord, Gm, encore plus inévitable.
Cm / Eb Gm / J7 Dm:
Mais dans ce cas, je veux transmettre la déception et la perte. Nous faisons cela en définissant les attentes de l'auditeur, puis en les enlevant. Dans cette file au lieu d'aller à GM, je vais aller au très sombre et triste D diminué.
Cm / Eb Gm / J7 Dº:
Maintenant, nous avons couvert notre harmonie. Nous avons mis en place un plus grand mouvement émotionnel dans Cm et avons ajouté la déception à la fin. Maintenant, nous devons faire la même chose avec la mélodie.
Au moment où nous passons au Cm, notre ascension passionnée, c’est lorsque nous allons faire un bond d’octave. Jusqu'à présent, notre mélodie n'a pas été déplacée d'un tiers, donc une octave sera très longue. De plus, ce sera un registre plus riche dans la voix. Et pour ajouter encore plus à la tension, nous allons plonger dans un D, qui est le 9ème de l'accord Cm, avant de descendre dans le ton de l'accord C. Cet appoggiatura crée un moment encore plus passionnant que de simplement sauter vers le C.
Le reste de la mélodie s'abaissera graduellement au fur et à mesure que nous nous rendrons calmement en déception..
Ici nous avons la dernière pièce du début à la fin:
Si vous débutez dans la composition, il peut sembler que beaucoup de choses se passent ici, mais suivez-les à chaque étape et vous commencerez à voir que tout peut être décomposé en idées très simples. En vous assurant que chaque élément de votre musique reste fidèle à votre vision (rythme, harmonie, mélodie, orchestration), vous pouvez être sûr que la musique exprime l'idée que vous essayez de transmettre..
Accentsconagua