Share
"Si ça ne bouge pas, c'est mort" est une ligne qui s'applique autant à la vie qu'à la musique. Pourtant, trop souvent, les compositeurs écrivent des éléments d’arrière-plan ou d’accompagnement sans vie et sans intérêt. Ils ont peut-être une belle ligne mélodique, mais collent ensuite un gros accord composé de notes entières derrière et appelez cela un jour. Le résultat est une musique sans vie, ennuyeuse et qui ressemble à de la boue dans la boue.
Mais la musique devrait être en vie! Il devrait avoir du rythme, du mouvement, de l'animation et de l'énergie!
Voici un ensemble de techniques que vous pouvez utiliser pour rendre vos parties instrumentales à la fois plus amusantes à jouer et plus intéressantes à écouter..
Le moyen le plus simple de donner plus de vie à une pièce est d’ajouter simplement des notes..
Voici la mélodie de base et l'accompagnement que nous utiliserons pour illustrer les différentes techniques:
Une simple partie de note peut facilement être changée en une impulsion stable:
Tout à coup, vous pouvez sentir le tempo, l'énergie et le sens du mouvement en avant.
Vous pouvez alors commencer à vous en faire une idée en introduisant des motifs rythmiques, des accents, etc. pour lui donner un caractère particulier:
Dans une section de "Flight to Neverland" de John Williams du film Hook, il donne aux cuivres un motif de notes répétées rapidement articulé à l'arrière-plan derrière la mélodie..
La pièce parle d'aventure, de plaisir et d'excitation. S'il avait simplement assigné des notes entières aux cuivres, l'énergie de toute la pièce aurait été enlisée. Au lieu de cela, les notes répétées le maintiennent en vie et actif.
Une méthode plus subtile de "notes répétées" est le tremolo. Bien que les notes individuelles ne soient pas spécifiquement ressenties, l'articulation floue donne à la musique beaucoup plus d'énergie et de dynamisme. C'est une bonne technique à retenir si vous ne voulez pas articuler un rythme spécifique, mais vous trouvez qu'une simple note manque de sens:
Le trille non mesuré est semblable au trémolo. Vous obtenez un accord beaucoup plus riche que le simple tremolo à cause des notes ajoutées, mais bien sûr, vous devez être attentif au contexte harmonique et vous assurer de choisir le bon demi-pas ou le pas entier..
En raison des intervalles rapprochés, les trilles fonctionnent souvent mieux dans le registre le plus élevé. Dans notre exemple, il serait donc préférable de les placer au-dessus de la mélodie plutôt qu'en dessous..
Une autre méthode simple pour donner plus de vie à vos parties est de diviser votre accord en arpège. Vous bénéficiez de l'avantage des notes articulées comme nous venons de le voir, mais vous pouvez également ajouter plus de tonalités d'accords..
Les arpèges peuvent être mis en œuvre de mille façons différentes.
Vous pouvez garder l'accord en position proche:
Ou en position ouverte:
Dans le prélude de Parsifal, Wagner utilise à la fois des arpèges de position proche et ouverte dans les premiers violons. L'avantage d'un accord étendu sur le violon est que chaque note peut être jouée sur une corde différente, alors qu'un accord de position proche nécessite plusieurs notes par corde..
Un arpège peut être étalé en sautant des sons. L'avantage de cette technique est que vous pouvez occuper beaucoup plus de temps, mais uniquement en étalant un espace étroit:
Vous pouvez répartir des arpèges sur plusieurs instruments:
Il y a aussi beaucoup de façons de jouer avec l'articulation.
L'arpège peut être joué legato:
Ou staccato:
Ou un mélange des deux:
Quand vous pensez à des échelles, vous vous souvenez peut-être d’exercices ennuyeux et répétitifs. Mais une échelle de base peut être un outil précieux pour rendre les pièces simples plus intéressantes.
Une échelle peut être utilisée pour remplir deux accords, créant une ligne plus active et plus mobile:
Les notes de voisinage peuvent être utilisées pour survoler un son central, par exemple dans un motif d'onde:
Et pour les pièces d'arrière-plan ou d'avant-plan, une montée rapide sur une balance peut ajouter un peu d'énergie en tant que charge ou remplissage:
Semblable à la technique de saut de sons que nous avons vue avec les arpèges, vous pouvez faire la même chose avec des gammes pour former des motifs plus grands et légèrement plus complexes:
L'une des raisons pour lesquelles les notes répétées, les arpèges et les gammes fonctionnent si bien pour les parties d'arrière-plan est que ce sont des motifs familiers. En tant qu'auditeurs, nous pouvons facilement les reconnaître comme des figures, par opposition aux rythmes et mouvements plus complexes d'une ligne mélodique qui ne fait pas que monter et descendre d'une gamme..
Mais non seulement ces techniques sont-elles des schémas familiers en eux-mêmes (nous avons tous entendu C E G un million de fois), mais elles sont souvent plus efficaces lorsqu'elles sont utilisées pour construire des schémas plus larges dans la musique..
Lorsque nous entendons une partie qui est un motif évident, nous sommes en mesure de lui accorder moins d’attention ("Oh, d'accord, c’est toujours le même personnage"). Nous pouvons ensuite consacrer plus d’attention à la mélodie ou à tout autre élément décrit.
Par exemple, nous avons très vite l’impression que c’est un schéma qui pourrait durer éternellement:
Et après un court laps de temps, nous n’avons plus besoin d’investir beaucoup d’énergie pour anticiper ce qui pourrait arriver.
Mais cette idée plus complexe nécessite plus d’énergie pour être écoutée et ne fonctionnerait donc pas aussi bien qu’une partie de fond:
De grands sauts, un mélange de sauts et de pas, de mouvements de haut en bas, de staccato et de legato, etc. Il y a trop de nouvelles informations qui nous parviennent à chaque instant. La simplicité est la clé si vous voulez que votre pièce soit intéressante mais pas distrayant.
Bien sûr, il y a beaucoup d'exceptions. Parfois, des notes entières et des arrière-plans simples sont exactement ce qu'il faut.
Par exemple, vous avez peut-être déjà un motif d'accompagnement très actif, mais vous avez besoin d'un moyen de corriger certains accords manquants ou de coller les éléments ensemble..
Et parfois, un manque de vie et de mouvement est souhaité. Beaucoup de musique de film utilisera un long drone pour garder la musique au même endroit. Ça ne va nulle part, ça reste dans une sensation de manque de vie.
Le problème n’est pas que les parties de fond d’arrière-plan soient intrinsèquement mauvaises, c’est que, comme pour tout le reste, elles doivent être utilisées avec une intention déterminée.
Dans une pièce où l’énergie est extrêmement basse et l’ambiance sombre, des notes entières peuvent être parfaites. Mais si vous souhaitez que votre musique soit rapide, excitante ou énergique, des notes entières ennuyeuses vont vous retenir..
Aucune de ces techniques n'est particulièrement complexe ou difficile à comprendre, et cela fait partie du problème. Il ne faut que quelques efforts pour rendre votre musique plus intéressante, plus animée et plus amusante à écouter..
Qu'est-ce que tu penses? Avez-vous trop souvent recours à des notes entières et à des fonds ternes? Ou avez-vous d'autres techniques pour rendre les pièces plus intéressantes? Partagez votre opinion dans les commentaires!
Accentsconagua