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Vous êtes un artiste unique avec des idées que vous souhaitez exprimer et une musique que vous devez partager. Alors, comment vous assurez-vous de garder vos morceaux intéressants et amusants pour que votre public les écoute??
Dans ce didacticiel, nous examinerons certaines des choses les plus courantes que les gens négligent de garder intéressantes, ce qui leur donne un aspect terne et sans vie, et comment nous pouvons garder les choses vivantes et fascinantes pour retenir l'attention de notre public..
Nous savons tous que les premières impressions sont primordiales et que la règle s’applique à la musique autant qu’à toute autre chose. Les moments d'ouverture de votre morceau peuvent capter l'attention de votre auditeur et le motiver à continuer d'écouter ou de le rendre complètement impressionné et de l'ennuyer. Il est donc essentiel que la première chose que votre auditoire entende soit convaincante..
Les auteurs-compositeurs entament souvent leurs chansons par erreur en jouant un couplet ou les 8 mesures d'ouverture d'un couplet, sans voix principale ni instrumentale. Bien que je comprenne que cela "introduit" l'ambiance de la chanson, écouter quelques accords joués sur la guitare est assez ennuyeux. Si vous voulez commencer votre chanson avec un instrument, utilisez un motif rythmique excitant ou un crochet mélodique. Vous n'êtes même pas obligé d'utiliser du matériel existant ailleurs dans votre chanson..
Les Beatles maîtrisent les introductions accrocheuses (comme tout ce que je suppose). Considérez le début intéressant de la chanson "Je viens de voir un visage" qui commence par un motif de guitare 12/8 très chargé. C'est convaincant, cela n'a rien à voir avec la chanson, et ça marche. Autres exemples: en commençant par un accord ou un hit discordant mais excitant, puis en plongeant dans la chanson comme dans "Hard Days Night" ou "Glass Onion"; commencer immédiatement avec un refrain vocal tel que "She Loves You", "Nowhere Man", "Eleanor Rigby", "Help" ou "Hello Goodbye"; en commençant par un crochet instrumental unique tel que "Ticket to Ride", "Day Tripper" ou "Drive My Car".
Considérez ces deux exemples, où chaque piste commence par un développement rapide. Le début de la chanson est immédiatement excitant et vous donne le sentiment de continuer à écouter..
L'un des moyens les plus faciles d'ennuyer quelqu'un est de trouver une boucle de batterie que vous jugez cool et de la répéter ad nauseum. Il peut être amusant d'écouter deux fois, mais si rien ne change, nos esprits ne tarderont pas à vagabonder et à cesser de prêter attention à votre musique..
Un autre inconvénient des boucles commerciales est qu'elles peuvent rapidement devenir la norme et le cliché. Même si l'auditeur ne peut pas dire avec certitude où il l'a entendu, si la boucle a été utilisée par quelqu'un d'autre, il réalisera que c'est familier. L'utilisation de rythmes et de sons personnalisés garde votre musique unique.
Si vous lisez ce tutoriel, il y a de bonnes chances que vous sachiez comment fonctionne un battement de batterie de base. Si, au lieu de chercher immédiatement des boucles, vous chargez ou créez un kit de batterie, vous serez obligé de penser de manière plus créative. Vous devrez réellement penser au modèle que vous créez, plutôt que de compter sur quelqu'un d'autre pour le faire à votre place..
Dans cet exemple, j'ai utilisé un kit électronique 8 bits avec beaucoup de sons uniques et amusants. Le temps qui en résulte est varié et vif, et je n’aurais pas pu y arriver si je cherchais une boucle dans les dossiers..
La prochaine raison importante de créer vos propres rythmes est qu’il est très facile de les personnaliser et de les changer. Même des changements subtils tels qu'un coup de cymbale décalé ou un motif de batterie varié rendront votre rythme beaucoup plus dynamique tout au long de la chanson que les quatre temps identiques, encore et encore. Regardez le MIDI pour cette boucle particulière:
Les seules choses qui sont exactement identiques sont le charleston (les notes orange sur G3 et G # 3) et le bruit 8 bits sur le dernier temps (les notes jaunes sur le G # 0)..
Tout le reste autour de ces éléments change constamment de petites manières (le kick et le snare qui gardent un groove assez constant) ou de grandes manières (les effets sonores et les hits étranges qui pimentent les choses).
En maîtrisant chaque élément du kit, nous sommes obligés de penser à des moyens de rendre le pattern plus intéressant, ce qui est une bonne chose pour la force de notre rythme. Il est également beaucoup plus facile d’apporter des modifications. Nous pouvons simplement déplacer les notes MIDI sans avoir à essayer de traiter le raccordement audio..
Malgré le conseil d'éviter d'utiliser des boucles, soyons parfaitement honnêtes: les boucles sont utiles. Et ils sont même assez amusants. Jeter une bonne boucle peut vous faire gagner beaucoup de temps et constituer un tremplin créatif pour d'autres idées. Mais si nous allons casser et utiliser encore des boucles de temps en temps au lieu de créer nos propres temps, le moins que nous puissions faire est de faire un petit effort supplémentaire pour les améliorer..
J'ai déjà expliqué comment pimenter vos boucles en automatisant l'égalisation dans un autre didacticiel. Nous allons donc maintenant nous concentrer sur les temps réels dans les boucles plutôt que d'appliquer un effet sur l'ensemble de la piste. Bien que vous puissiez obtenir les mêmes résultats en découpant l'audio, cela sera beaucoup plus facile si vous utilisez des fichiers tels que Stylus RMX ou REX qui ont déjà divisé les temps de vos boucles en notes MIDI individuelles..
La chose la plus simple que nous puissions faire est de travailler avec une boucle. Voici une boucle assez simple:
Il suffit de regarder le MIDI pour voir qu’il est très uniforme et répétitif..
Rendons cela plus intéressant en réorganisant les notes MIDI pour créer des remplissages. Pour ce faire, je vais d'abord identifier quelles notes MIDI constituent les sons importants ou intéressants de la boucle, en utilisant des frappes directes comme des coups de pied et des caisses claires pour les rythmes et des petites frappes comme des chapeaux sont des craquements pour le remplissage.
Quelques notes suffisaient à déplacer, mais nous avons maintenant une boucle de batterie variée et vivante..
Une autre façon d'utiliser des boucles de manière plus intéressante consiste à varier et à mélanger de manière constante différentes boucles. Cette chanson a été créée en utilisant 7 boucles de batterie et de percussion différentes:
Voici une image des boucles utilisées dans la séquence:
Chaque piste est une boucle différente et chaque couleur une variation. Notez que les mêmes régions reviennent sans cesse, mais l’idée ici est de garder les choses constamment variées. Vous utilisez un petit ensemble de matériaux pour donner de la cohésion à votre chanson, mais vous les modifiez constamment pour garder l'auditeur sur ses gardes..
Voici l'intégralité de la chanson qui utilise ces boucles, elle aussi entièrement construite à partir de boucles de basse, de guitare et de cuivres, avec le même concept:
L'une des plus grandes erreurs que j'entends dire, c'est de rendre leurs mixages trop chargés. Bien qu'ils puissent penser qu'ils atteignent la plénitude, ils finissent par être encombrés. Si vous avez la batterie, la basse, la guitare acoustique, une guitare solo et un piano jouant des accords et un remplissage, un chanteur et des chanteurs de fond jouant tous en même temps, comment puis-je savoir quoi écouter? Ce n'est pas parce que tu l'as compris que tu devrais l'utiliser.
Si vous avez à la fois un piano et une guitare, l'une des choses les plus faciles que vous puissiez faire pour créer une variation est de les faire jouer à tour de rôle. Par exemple, demandez au guitariste de jouer le premier couplet et au piano le deuxième. Vous pouvez également leur attribuer une fonction différente, par exemple en faisant en sorte que la guitare joue des accords et que le piano ne joue que des léchages et des remplissages entre les lignes vocales. Dans les deux cas, jouer les deux instruments les uns sur les autres causera beaucoup de tort à votre mixage..
Découvrez cet exemple, que j'ai entièrement construit à partir de boucles fournies avec la logique.
Le "vers" joue trois fois, mais à chaque fois avec une paire d'instruments différente. Tandis que la batterie et la basse restent les mêmes tout au long de la mélodie, les couplets contiennent soit de la guitare violon et électrique, soit de la guitare banjo et acoustique, soit de l'acier à pédale et de la guitare acoustique. Si le violon, l'électrique, l'acoustique, le banjo et l'acier à pédale essayaient tous de jouer sur le même couplet, ce serait une folie compliquée. En les diffusant et en donnant à chaque joueur son tour de briller, l'auditeur peut se concentrer sur l'instrument du moment et ne pas être obligé d'essayer de filtrer le désordre de manière auditive..
Une flûte solo ou un hautbois solo peuvent sembler beaux et lyriques, mais dès que vous les jouez tous les deux à l'unisson, vous perdez l'unicité et la couleur de chacun. Bien que vous puissiez créer de nombreux sons intéressants et efficaces en utilisant différentes combinaisons d'instruments, ce sont généralement les méthodes les plus simples qui donnent les meilleurs résultats et communiquent vos idées de la manière la plus claire..
Quelque chose est intéressant quand il teste nos attentes. Après des années d'écoute de la musique, nous nous sommes tous habitués à de nombreuses conventions, dont un exemple de base est même des phrases de 2, 4 ou 8 mesures. En jouant avec la longueur de nos phrases, nous pouvons rendre les choses plus intéressantes et sortir du commun.
Dans cet exemple, la section A de la pièce se lit principalement en trois phrases:
La pièce aurait pu créer une barre supplémentaire pour une belle phrase même quatre barres, mais cela aurait été long et inutile. En raccourcissant la phrase d'un trait entier, la pièce reste en mouvement et répond légèrement aux attentes de l'auditeur. En nous lançant pour une autre boucle, la troisième phrase ne s’arrête pas à trois mesures, mais continue pendant 5 secondes avant de recommencer la section A. De même, la dernière phrase de la deuxième section A coupe la phrase de 3 barres à seulement 2 barres, entraînant ainsi l’arrivée inattendue de la section B.
À titre de comparaison, écoutez cet exemple où les phrases ont été étendues pour inclure la quatrième mesure. Je ne sais pas pour vous, mais ça me rend assez impatient.
Une chose importante à noter dans la version originale est que, bien que les phrases soient des longueurs inhabituelles, la pièce a toujours un élément de fluidité. Nous n'utilisons pas des longueurs étranges pour choquer l'auditeur ou les jeter complètement au dépourvu, mais simplement pour rendre plus intéressant l'écoute de la pièce. C’est le genre de technique subtile qu’un non-musicien ne remarquerait jamais, et nous ne le voudrions pas vraiment..
La majorité de la musique occidentale est en 4/4, avec une piste occasionnelle en 3/4, 12/8 ou 6/8. L'utilisation d'une signature temporelle moins commune telle que 5/4 ou 7/8 peut ajouter une touche unique à votre chanson, mais uniquement si cela est fait efficacement..
Des signatures impaires peuvent être utilisées pour dissuader les gens de s’engager dans un groove confortable. Led Zeppelin utiliserait souvent cette technique. Considérez la chanson The Ocean, qui vous fait bouger la tête quand tout à coup une barre de trois vous prend au dépourvu..
Mon utilisation préférée des temps étranges dans la musique pop est "Solsbury Hill" de Peter Gabriel. La chanson alterne entre 4/4 et 3/4 (vous pourriez le considérer 7/4) mais elle est faite de manière si douce que vous ne remarquez rien d’étrange si vous ne faites pas attention. Il atteint la finesse en gardant une grosse caisse très ferme sur chaque note et une structure de shaker consistante. Le groove n'est jamais interrompu, il n'y a donc jamais de raison de penser que le temps est inhabituel, mais le phrasé est juste assez étrange pour que nous puissions sentir que quelque chose de différent se passe. En supprimant cette note de quart de finale, la chanson continue également de progresser..
J'ai déjà écrit un tutoriel sur l'utilisation de The Rule of Three et de la musique. Le concept dit fondamentalement que si vous répétez une chose exactement la même fois, il est temps de passer à autre chose. Consultez le tutoriel original pour un regard plus en profondeur.
La bénédiction et la malédiction de la technologie musicale aujourd'hui sont que nous pouvons atteindre la "perfection" avec notre musique. Les rythmes peuvent être d'une précision inhumaine, les hauteurs ne peuvent jamais vaciller d'une fréquence mathématique parfaite, et nos mélanges peuvent répondre à l'automatisation à la milliseconde près. Bien que toutes ces choses puissent être utiles, il est très facile de se retrouver avec une piste qui semble sans vie et sans cœur. L’un des moyens de ramener ce contact "humain" consiste à incorporer de petites imperfections.
Découvrez la première minute de cette pièce:
En plus du piano, il ne reste plus qu'un long pad tenant les mêmes hauteurs tout le temps. J'avais un quatuor à cordes jouer les mêmes notes très doucement sous le pad. Les fluctuations naturelles de l’inclinaison, de l’accord et de la résonance des cordes ajoutaient une touche imprévisible qu’il aurait été impossible de réaliser en tenant simplement mon doigt appuyé sur le pad. Bien que j'aurais pu très facilement étendre le MIDI sur toute la longueur de l'introduction et le laisser ainsi, nous aurions laissé un son ennuyeux et statique. Au lieu de cela, en ajoutant de légères imperfections, nous pouvons ajouter un intérêt subtil. Le combo pads / cordes ne détourne pas le piano, qui est l'élément le plus important, mais il a une sensation organique qui lui donne une touche plus vivante..
Il est peu probable que vous disposiez d'un lecteur en direct à chaque fois que vous souhaitez ajouter une touche humaine à votre musique, alors qu'aurions-nous pu faire d'autre avec ce pad? Nous pourrions automatiser un filtre, en permettant à différentes fréquences du pad de passer à différentes heures. Nous pourrions automatiser le volume de sorte que le coussin fluctue et semble "respirer" à mesure qu'il devient plus fort et plus silencieux. Nous pourrions superposer plusieurs pads différents, en les faisant se relayer à tour de rôle et se superposer les uns aux autres. Toutes ces techniques seraient utilisées dans le but d'empêcher le pad de sonner comme une machine, le faisant plutôt ressembler à un élément imparfait et organique..
La ligne de démarcation entre innovation et excentrique est ténue. Souvent, lorsque quelqu'un est considéré comme "en avance sur son temps", c'est parce que les gens n'ont pas encore comblé les écarts entre ce qui est standard et ce que l'artiste exprime. Imaginez si Eddie Van Halen essayait de jouer un solo déchirant, déchirant la guitare mille fois par minute, en 1955. On l'aurait soit moqué, soit même enfermé. Il a fallu des décennies de rock pour évoluer pour préparer le terrain à ce genre de jeu..
Si vous voulez que votre musique soit intéressante, vous devez être unique à votre manière, mais pour que les gens soient attentifs, vous devez leur donner une sorte de point de référence. Par exemple, sans l'orchestre à cordes martelant, "Viva la Vida" ne serait qu'une autre chanson de Coldplay. La progression des accords et la mélodie n'ont rien de révolutionnaire, mais l'orchestration unique de la musique pop rend la chanson particulièrement intéressante..
Cela peut être une fine ligne entre "intéressant" et "erratique", ce qui est l'une des raisons pour lesquelles des changements subtils cohérents peuvent être si efficaces. Des minimalistes comme Philip Glass et Steve Reich ont fait une carrière complète en partant du principe qu'il n'est pas nécessaire de changer constamment d'humeur ou de couleur pour créer un bon morceau de musique, mais que votre musique doit être juste assez intéressante pour que votre auditeur reste à l'écoute. engagé.
Accentsconagua