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Mon nouveau livre, «The Studio Musician's Handbook» (écrit avec le bassiste Paul ILL) est sur le point de paraître et je pensais que ce serait un bon moment pour un avant-goût exclusif..
Le livre présente un regard jamais vu auparavant dans le monde du musicien de studio et couvre tout ce que vous devez savoir si vous aspirez à le devenir, par exemple combien d'argent vous pouvez gagner, quel type de côtelettes vous avez besoin, comment vous obtenez. concerts, et les nombreuses façons de le devenir. Même si vous n’avez jamais l’intention de gagner votre vie en tant que musicien de studio, mais que vous jouez beaucoup en studio (même si c’est le vôtre), le livre contient un certain nombre de pointeurs que vous pouvez utiliser à chaque session, tels que des conseils pour l’équipement, l'étiquette de la session et un guide du joueur pour chaque instrument.
Voici un extrait du chapitre 2 qui illustre les différences entre jouer en direct et en studio, suivi de la «procédure de session standard» utilisée par pratiquement tous les musiciens de studio..
Toutes les performances musicales sont vraiment sur "le moment". La musique live arrive dans le moment pour ce moment. La musique enregistrée capte ce moment pour qu'il puisse durer éternellement. Le premier est comme un fil d'actualités télévisé en direct d'un événement tandis que le second est comme une statue sculptée du même sujet.
Vous avez probablement beaucoup d'expérience en live, mais jouer en studio est une expérience totalement différente. Le processus de pensée est différent, la mentalité est différente, l'approche est différente et la chaîne de commandement est différente.
Pour contraster ces deux expériences différentes, passons des différences les plus simples à celles qui sont, dirons-nous, un peu plus subtiles..
1. Répertoire
La plupart des concerts live changent rarement de répertoire sans répétition. Les musiciens ne se produisent qu’en marge de la communauté jazz et se préparent à «voler» chaque spectacle. Un musicien de session doit être prêt à changer de matériel à la volée. S'il s'agit d'une date d'enregistrement unique pour un chanteur / compositeur, la chanson peut revêtir un caractère complètement nouveau en quelques instants. La session peut commencer avec l’artiste jouer la mélodie par lui-même. Au fur et à mesure que la section rythmique rentre dans le groupe, ils sont censés non seulement l’apprendre «à la volée», mais aussi proposer les parties appropriées qui contribueront à rendre la chanson non seulement aussi mémorable que possible, mais aussi accessible et agréable à la fois. artiste et producteur, mais aux auditeurs qui peuvent faire de la chanson une partie de la bande originale de leur musique. Pas de pression!!!
2. Contrôle
Sur scène, tout ce que vous jouez disparaît dès que vous le jouez. En studio, ce que vous jouez est sous un microscope et sera probablement analysé, disséqué et réorganisé, le tout dans le but de rendre la performance plus forte..
3. équipement
Le matériel que vous utilisez lors d'un concert ne sera pas toujours traduit en studio. Vous choisissez l'équipement pour un concert basé sur la polyvalence, la durabilité et la robustesse générale. La seule chose qui compte dans le studio est le son. Même si une seule taille convient à un concert, cela en fait un enregistrement ennuyeux, surtout si vous enregistrez plusieurs pistes ou plusieurs chansons. Le studio nécessite un large éventail de possibilités sonores. Vous devrez donc apporter différents instruments, amplis et pédales pour vous y rendre..
4. Leadership
Lors d'un concert, vous avez un chef de groupe qui appelle les chansons, les compte, éventuellement dirige les solos et termine les chansons. En studio, vous répondez à une hiérarchie composée du producteur, de l'artiste et de l'ingénieur (dans le cas des sons). Le producteur est le décideur ultime, avec l'autorité finale sur tout ce que vous jouez.
5. Nuance
Les petites choses comptent en studio. Tout ce que vous jouez peut être critique, aussi les nuances sont-elles aussi importantes que le corps de ce que vous jouez. Lorsque vous jouez en direct, les nuances disparaissent dans le vent, surmontées par le volume de la scène, l'acoustique et l'attention des joueurs et du public. En studio, tout ce que vous jouez est scruté, ce qui crée trop de pression pour certains joueurs. Sur scène, les membres de votre groupe écoutent peut-être fort (s’ils sont bons), mais le public sera enthousiasmé par la musique. Pas de pression, juste jouer. En studio, il faut être génial à chaque fois, chaque prise.
6. Le "Feel" en direct par rapport au "Feel" en studio
Soyez assuré que regarder le dieu de la batterie, Steve Gadd, jouer en direct avec Eric Clapton est une expérience totalement différente de celle de son travail en studio avec Ol 'Slowhand. Il y a certainement une sensation différente requise lorsque vous jouez en studio. Les joueurs connaissant bien les deux idiomes ont tendance à faire preuve de plus de finesse et de retenue dans le studio et à se déchaîner de manière différente. N'oubliez pas que la musique d'un studio se termine par un appareil d'enregistrement ou de diffusion. La musique live se disperse dans l'éther. Le studio demande au musicien de jouer sur un ensemble de variables différentes créées par la chaîne de signal après l'instrument et les besoins de la session..
7. étiquette
Vous pouvez vous permettre d'être un imbécile lors d'un concert en direct, car les autres joueurs vous toléreront (jusqu'à un certain point) tant que vous jouez bien ou que le public vous aime. Pas si en studio. Pour amener la musique au niveau où elle doit être, un échange constant est nécessaire avec tout le monde dans le studio. Si pour quelque raison que ce soit, vous vous sentiez mal à l'aise, il est fort probable que vous ne serez pas invité à revenir. Il y a trop de grands joueurs avec des personnalités accommodantes qui attendent leur chance.
8. C'est un travail difficile
Cela ne veut pas dire que jouer ou chanter lors d'un concert de 4 ou 5 heures n'est pas difficile, mais vous jouez beaucoup de chansons différentes tous les sets et obtenez la gloire des retours du public. En studio, les seuls commentaires que vous recevez sont ceux du producteur, de l'artiste et peut-être de l'ingénieur. 99% du temps, ils analysent comment mieux jouer un rôle que de chanter en vous louant. Et le niveau de concentration est nettement supérieur de quelques crans. Lors d'un concert, vous pouvez parcourir la musique en vous perdant presque dans votre jeu. En studio, chaque note compte et requiert votre plus grande attention. Il n’est pas inhabituel de passer des heures sur la même chanson (ou même la même phrase), à la jouer ou à la chanter sans arrêt, jusqu’à ce qu’elle s’intègre parfaitement. Par contre, certaines sessions exigent que vous jouiez parfaitement la première fois (ou en quelques prises), ce qui crée une pression qui lui est propre..
9. préparation
Les concerts live exigent presque toujours une répétition suffisante. La plupart des sessions d’enregistrement se déroulent avec peu ou pas de préparation. En conséquence, un musicien de session doit être très adaptable et pouvoir apprendre la musique «à la volée»..
10. approche
On peut demander aux musiciens de studio de changer d'approche au milieu d'une prise! Imaginez que vous êtes à une date marquante pour la télévision et que le producteur et le superviseur musical sont assis avec le directeur de l'émission en train de vous écouter faire une superposition d'orgues Hammond sur une scène de poursuite qui commence dans un bar-ghetto à pied et se termine avec le méchant et le flic sautant dans leurs voitures respectives, le méchant devançant notre héros. Alors que les voitures filent à toute vitesse dans un quartier industriel, la scène se fond dans un gros plan de la mère du policier à l'église, perdue dans la prière. Vous jouez sur une piste d'accompagnement préenregistrée sur le Hammond, en jouant vos meilleurs morceaux de Jimmy McGriff ou de Jimmy Smith, inspirés par le blues qui grandit. À la fin, vous vous dites: «Cela a été formidable.»
Mais après une brève pause au cours de laquelle vous regardez à travers le verre de la salle de contrôle votre auditoire de trois personnes en conversation intense, la sup musique s’appuie sur la réplique et dit: «C’était plutôt bien. Maintenant, à la barre dix-sept sur votre tableau d’accords, pouvez-vous lui donner un son plus «rock», comme Deep Purple? Puis, pour les six ou sept dernières mesures, pouvez-vous passer à une sensation plus évangélique? Et au fait, nous allons tuer la piste autour de la mesure 32, mais nous allons laisser tomber le clic, faites donc une transition en solo, passez de la musique «rocker» à l’Évangile, OK? Et rappelez-vous qu'il y a encore 11 mesures après la mesure 32, alors n'oubliez pas de compter! ». Et vous pensiez que votre prise était transparente!
11. allure
Au début d'une session, les musiciens de studio entendent souvent: «Nous aimons vraiment ce que vous faites, mais nous n'aimons pas le son. Nous allons changer quelques petites choses ici. »Maintenant, pensez à ces innombrables concerts que vous jouez. Il est rare, voire jamais, que les performances en direct cessent d’être modifiées, mais il est très courant, dans tous les contextes d’enregistrement, que les acteurs de la production et de l’ingénierie s’arrêtent à mi-prise et disent: «Vous vous en sortez bien, mais nous devons peu de choses. »Souvent, après une série de prises, tous les membres du groupe de studio entendent au casque:« Vous êtes bien dans la zone, mais nous devons changer la caisse claire »ou« C’était une excellente en solo, mais pouvez-vous le refaire sur votre Strat cette fois?
Un joueur de session doit toujours être prêt à se déplacer au rythme déterminé par l'environnement. Les choses peuvent changer à la volée d'une vitesse vertigineuse à une méticulosité rampante. Si vous avez réservé avec un producteur comme Roy Thomas Baker, vous pouvez être esclave de la même chanson de base plusieurs jours à la fois, mais si Comedy Central vous appelle pour une série de signaux pour une série de dessins animés, vous devrez peut-être compléter trente cinquante courts morceaux de musique en moins de trois heures, vous devez donc être prêt pour les deux et tout le reste!
12. Création versus interprétation
Les musiciens en direct sont généralement censés recréer un répertoire préexistant, où les chats de studio créer le répertoire. Les célèbres Funk Brothers de Motown ont contribué à créer la bande-son de plus d'une génération de consommateurs de musique, et vous pouvez parier que la culture musicale populaire, des bars à la musique aux artistes-interprètes, va dupliquer leurs plans et leurs parties pendant des décennies et peut-être même des siècles à venir.
13. L'ensemble de compétences requis
Nous examinerons cela plus en détail au chapitre 8, mais examinons brièvement les différences. Pour les musiciens de section rythmique, un niveau différent d’alphabétisation musicale est requis. Non seulement faut-il être capable de bien lire la musique, mais les meilleurs musiciens de la session peuvent accéder à une variété de styles et de sensations à tout moment. Il faut également de très bonnes oreilles et des papilles gustatives pour arriver au sommet de la hiérarchie des musiciens..
Si vous vous demandez souvent pourquoi Led Zeppelin était si bon, pensez aux milliers de sessions enregistrées par Jimmy Page et John Paul Jones dans les studios londoniens entre 1962 et 1968. Ensemble et séparément, ils jouaient de tout, de Tom Jones. "Ce n'est pas inhabituel" chez Donovan «Hurdy Gurdy Man» aux Kinks ' "Tu m'as vraiment eu" chez les pierres «Demande de majestés sataniques». Tous ces travaux en studio ont non seulement affiné leurs côtelettes déjà redoutables, mais ils ont également informé leurs papilles gustatives et affiné leurs oreilles..
14. Artiste vs. Entertainer
Les musiciens vivants divertissent, les musiciens de studio créent le divertissement. C'est comme la différence entre aller voir des acteurs dans une pièce de théâtre et des acteurs sur le grand écran. Le même objectif est atteint, mais le théâtre change de performance en performance alors que le film est un document unique destiné à résister à l'épreuve du temps et à résister aux expositions répétées. Etes vous compétent pour la tâche? Les chances sont que vous êtes! Vous devez juste être prêt à faire le travail.
15. Variables de lieu et situations de studio
La performance en direct présente presque toujours les mêmes circonstances pour le musicien. Son instrument, ses collaborateurs et sa liste de set (voir Répertoire ci-dessus) ne changeront généralement pas beaucoup ou sans avertissement. Pas si en studio. Hormis les grands groupes de studio des années 60 et 70, les musiciens de studio ont souvent l'habitude de voir de nouveaux visages, jouent presque toujours de nouveaux éléments et, bien que les lieux changent, les lieux ne changent pas de la même façon. Certes, l'acoustique et la foule peuvent changer de concert de nuit en nuit, mais presque tout le reste reste identique. Pas si en studio. Le musicien de session apprend à attendre des changements à tout moment, car la mélodie peut se transformer et il peut être invité à jouer un rôle ou un instrument différent..
16. Le pack Live Wolf et le studio Lone Wolf
La plupart des concerts nécessitent un groupe et une distribution importante, à moins que vous ne soyez un DJ ou un chanteur / compositeur. Les musiciens de l'enregistrement se réunissent généralement dans un studio et arrivent seuls. Il existe donc une camaraderie différente de la mentalité «nous sommes tous ensemble dans ce bus!». Les musiciens enregistreurs sont indépendants et peuvent travailler avec des personnes différentes à chaque fois qu'ils jouent de la musique. Pas habituellement pour les joueurs en direct.
Comme vous pouvez le constater, il y a beaucoup de différences entre jouer en live et en studio, mais vous ne pouvez pas dire que l'une est meilleure ou plus excitante que l'autre, car ils ont tous les deux leurs points hauts et bas. Mais il ne s'agit pas de savoir ce qui est le mieux, mais de connaître les différences afin d'être mieux préparé à ce que vous pourriez affronter..
Bien que bon nombre des éléments ci-dessous s'appliquent également au jeu en direct, l'accent est mis sur le professionnalisme. Tous les éléments s'appliquent à chaque session d'enregistrement, à l'exception peut-être de l'enregistrement dans votre propre studio..
Arriver tôt. Vous devriez toujours arriver au moins une demi-heure avant le temps fort de la séance. Cela signifie que si votre session commence à 19 heures, vous devez être là à 6h30 ou plus tôt pour être prêt pour 7 heures. Vous ne pouvez pas vous attendre à arriver à 18h55 et que tout soit cool. Si la session commence à 19 heures, déterminez si cela signifie un temps de chargement ou un temps d'arrêt effectif. N'oubliez pas que si vous faites attendre vos employeurs, vous ne travaillerez probablement plus pour eux..
Eteins ton telephone! La session devrait être votre priorité principale avec le moins de distractions possible. L'un des moyens les plus simples d'y parvenir est d'éteindre votre téléphone portable. Si vous le laissez, non seulement vous risquez de gâcher une bonne prise si la sonnerie retentit, mais parler au téléphone est le meilleur moyen d'arrêter le rythme d'une session, et c'est aussi irrespectueux envers tous les autres participants. session aussi bien. Ne prenez même pas la peine de le mettre sur "vibrer", car vous perdrez votre concentration aussi facilement que lorsque la sonnerie est activée. Eteignez-le, puis laissez-le à l'extérieur du studio dans le salon pour ne pas être tenté de l'utiliser..
Assurez-vous que vos instruments sont en bon état de fonctionnement. Cela signifie que vous devriez les faire vérifier par un professionnel afin que chaque note soit vraie sans aucun bruit indésirable..
Assurez-vous de vérifier votre accord sur le «A» de la piste. Si la chanson n’est pas syntonisée sur le standard A-440, une note d’accord sera enregistrée sur la piste sur laquelle vous pourrez vous accorder. Il est très facile d'ignorer l'accordage de votre instrument lorsque vous effectuez un suivi, car parfois, le désaccord n'est pas si évident, mais il vous dérangera (sans parler du producteur et du compositeur) chaque fois que vous l'entendez. joué pour toujours et à jamais, il est faux et vous ne prenez pas le temps de le réparer.
Réchauffez-vous doucement. Vous devez vous réchauffer et tout le monde s'attend à ce que vous le fassiez, mais essayez de rester aussi silencieux que possible afin de ne pas vous distraire. Plus vous vous échauffez, plus tout le monde l'appréciera.
Ne faites pas de bruit inutile. Moins on parle, mieux c'est. Ne laissez pas vos écouteurs découverts ou ne les baissez pas lorsque vous ne les avez pas sur la tête. Un peu de courtoisie comme ça peut aller très loin.
Ne vous plaignez pas de la température. Cela ne sera jamais parfait pour tout le monde, il est donc inutile d'en parler, car cela devient simplement une distraction. La seule exception est que si il fait si froid que cela gêne physiquement votre jeu ou cause des problèmes avec votre instrument.
Rester éveillé! Écoutez tout ce qui se passe et soyez prêt à jouer à tout moment. Si vous jouez avec d'autres musiciens de studio, observez le leader et arrêtez de jouer lorsque le leader s'arrête.
Ne parlez pas après une prise jusqu'à ce que l'ingénieur ou le producteur dise que tout va bien. Rien ne peut gâcher une prise ou faire beaucoup plus travailler pour l’équipe de production que de faire des commentaires sans réfléchir à la fin d’une prise. Même si vous pensez que la prise devra être répétée, gardez tous les commentaires pour vous. Parfois, une prise qui fait mal à vous peut être agréable à tout le monde.
Semble toujours intéressé par la musique. Il est facile d’être un peu complaisant lorsque vos capacités excèdent ce sur quoi vous avez été appelé, mais essayez de dépasser ce sentiment. Il est préférable de ne disposer que de suffisamment de côtelettes pour cet emploi. Rien de plus et rien de moins. Se montrer est un bon moyen de ne pas être demandé. Et essayez de ne pas regarder devant dans le tableau lorsque vous jouez, c’est un bon moyen de perdre votre place..
Restez en dehors de la salle de contrôle. Sauf demande expresse de votre part, restez en studio. Et si on vous demande d'entrer pour écouter un enregistrement, ne mangez pas la nourriture du stand à moins que ce ne soit offert. Ce n'est pas forcément là pour vous!
Faites des graphiques, des notes ou des feuilles de triche à l'avance. Encore une fois, cela relève de la préparation. Si vous avez un peu de temps avant le temps fort de la session, demandez à entendre la chanson (s'il y a une démo ou si vous allez faire des overdubs) afin de pouvoir créer un tableau ou des notes. Vous ne voulez pas perdre de temps à quiconque pour quelque chose qui pourrait si facilement être fait à l'avance. De plus, si vous devez marquer vos graphiques, faites-le pour que tout le monde puisse le lire plus tard. Faites en sorte que toutes vos notes soient lisibles..
Ne faites pas vos bagages tôt. Ne partez pas jusqu'à ce que vous soyez officiellement excusé, et assurez-vous de nettoyer votre quartier lorsque vous serez licencié.
En suivant ces conseils, vous serez bien embauché la prochaine fois..
Accentsconagua