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Le label "photographe de paysage" est facilement ce que la plupart des gens utilisent lorsqu'ils sont confrontés à des photographies de Guy Tal. Mais l'auteur n'est pas un "photographe de paysage", mais plutôt quelqu'un qui photographie, écrit et respire les lieux qu'il connaît le mieux..
Je connais le travail de Guy Tal depuis un certain temps, mais je n’avais jamais échangé de paroles avec lui jusqu’à présent. Son travail de couleur est quelque chose que j'admire, non seulement pour la grandeur du paysage, mais aussi pour le calme qui respire de chaque rectangle. Cela donne l'impression d'ouvrir une fenêtre sur d'autres espaces, non seulement pour regarder «une superbe photo», mais aussi parce qu'on sent qu'il y a plus de signification dans l'image que de simples lignes et composition. Il y a de l'émotion.
Récemment, j'ai découvert des œuvres en noir et blanc de Guy Tal et j'étais excité et perplexe. La couleur et le noir et blanc sont en quelque sorte, de mon point de vue, des disciplines différentes, alors j’avais l’impression que j’avais une bonne raison de choisir une interview qui aurait du sens et ne répondrait pas seulement à mes questions. mais aussi, je suppose, ceux que vous voudriez aussi demander à Guy Tal.
Au sens large du terme, je suis un artiste et un écrivain à plein temps, bien que ces labels ne fournissent souvent pas une véritable idée de ce que je fais (je suppose que je ne suis pas le seul parmi les artistes). J'ai passé plus de quatre décennies dans divers contextes.
J'ai été soldat, professeur d'université, consultant et gestionnaire en technologie, et bien d'autres choses encore. J'ai finalement trouvé ma vocation dans une région reculée de l'ouest des États-Unis, connue sous le nom de Plateau du Colorado - un vaste et magnifique paysage de déserts, de canyons, de montagnes et de forêts que je connais très bien et qui inspire mon travail..
Comme la plupart des gens, j'ai d'abord pris une caméra pour documenter les événements et les personnes de ma vie. Adolescente, j'aimais explorer les champs et les vergers autour de ma maison. Un jour, pour des raisons que je ne me souviens même pas, j'ai emprunté la vieille Minolta de mon père et je suis allée me promener.
J'ai fini par passer des heures à photographier tout, des insectes et des fleurs aux arbres et aux nuages. C'était vivifiant et excitant. Mon enthousiasme a vite été réduit lorsque j'ai récupéré mon film et que je me suis rendu compte que pas une seule image n'y était correctement exposée, mais l'expérience était si profonde que j'ai décidé de m'améliorer, et la caméra est devenue un compagnon pour presque toutes mes explorations depuis..
Pour être précis, je vis non seulement de la photographie, mais aussi d’enseigner, d’écrire et de parler de sujets créatifs. Si quelque chose, ma passion ne fait qu'augmenter avec le temps. Si jamais je me sentais comme une profession de 9h à 17h, je perdrais sûrement l'intérêt très rapidement. Il y a de bien meilleurs emplois que la photographie créative, mais pas beaucoup de vies meilleures.
Il est peut-être intéressant de noter que je ne compartimente pas ce que je fais. Il n'y a pas de «photographe photographe» distinct de «écrivain Guy» ou «hors travail Guy." Il n'y a qu'un seul Guy. La photographie n'est qu'un moyen de me partager avec le monde, mais je ne le sépare pas de qui je suis, ou de tout ce que je fais. Je suis une personne très silencieuse qui préfère travailler dans la solitude et qui s'efforce de créer un travail propice à l'intimité et à l'introspection..
Je pense que l'utilisation d'une telle catégorisation simpliste est souvent préjudiciable à un artiste et à ce qu'il essaie de traduire dans son travail. Quand vous regardez Starry Night de Van Gogh, par exemple, vous ne le décrivez pas comme «une peinture à l'huile d'un artiste postimpressionniste néerlandais» (à moins que vous n'ayez passé beaucoup trop de temps à l'Académie)..
La connaissance de la biographie de van Gogh et les motivations de ses choix de style, de couleur, de sujet et de média donnent une impression beaucoup plus profonde. Les catégories aident à diviser les choses par des caractéristiques objectives; mais au final, l'art est peut-être la forme d'expression la plus subjective. Plus vous en saurez sur l'artiste, son inspiration, ses origines, sa philosophie et ses croyances, ainsi que la progéniture d'une œuvre spécifique, plus votre expérience sera riche..
Alors, je suis quoi? Je suis quelqu'un qui cherche à mener une existence significative, et pour moi cela signifie communier avec la nature, en l'utilisant souvent comme métaphores pour interpréter ma propre existence et établir ma propre vision du monde. Je cherche à être inspiré et à partager mon inspiration.
Je cherche le bonheur, non pas au sens superficiel du terme, mais en termes de satisfaction et de satisfaction profondes et durables avec ma vie, et je trouve qu'aider les autres à trouver la même chose élève ma propre expérience. À cette fin, je recherche des expériences significatives dans tout, dans ce que je fais, dans l’endroit que j’ai choisi pour ma maison, dans mes relations avec les autres et dans les choses que je trouve belles. Je ne suis pas sûr qu'il existe un terme simple qui puisse décrire correctement.
Oui beaucoup. C’est un domaine dans lequel je me distingue de la plupart des photographes paysagistes. Je ne passe pas beaucoup de temps à poursuivre des choses uniquement pour leur beauté visuelle. Je veux dépeindre ma relation avec le paysage que je photographie et ma relation avec les lieux de ma maison est beaucoup plus riche et complexe que tout ce que je pourrais avoir avec un paysage avec lequel je ne suis pas intimement familier, aussi attrayant que possible..
En d’autres termes, j’ai beaucoup plus de choses à «dire» et beaucoup d’histoires sur des lieux qui me tiennent à cœur, où je passe mes journées et mes nuits - des lieux qui ont été le théâtre de certains des événements les plus mémorables et les plus importants de ma vie. la vie et avec laquelle je suis intimement familier, que je ne le ferais avec une montagne, une rivière ou une plage au hasard où je ne suis qu'un visiteur occasionnel.
Je ne souhaite pas simplement documenter le vernis extérieur d'un lieu. Je veux en donner une interprétation et, pour ce faire, j'ai besoin d'un certain niveau de familiarité et de relations avec cela pendant une période assez longue..
C'est une question difficile à répondre de manière générale. Plus j'interagis avec d'autres artistes, plus je reconnais que nous trouvons chacun notre propre chemin vers notre travail. Pour ma part, je dois être dans un certain état d'esprit et être inspiré par quelque chose afin de produire une bonne image selon mes propres normes. Avant de devenir artiste à plein temps, je vivais dans une ville et je créais des images chaque fois que je pouvais m'éloigner du travail..
À l'époque, je croyais que la seule différence entre ce que je faisais et quelqu'un qui le faisait professionnellement était le temps que je devais y consacrer. J'avais tort. Etre capable de me plonger dans l'expérience sans distraction et de vivre littéralement avec mes sujets est une expérience très différente, et mes images aujourd'hui ne sont pas les mêmes que celles que j'ai créées à l'époque. Ils peuvent représenter des sujets similaires, mais ils n'ont pas le même sens.
De nos jours, je ne sors pas explicitement pour chercher des choses à photographier. Au lieu de cela, je cherche à être inspiré et à croire que les images me parviendront dans le cadre de l'expérience. Une image de trophée faite lors d’un voyage précipité dans un lieu emblématique ne me bouge tout simplement pas de la même manière que celle qui se révèle à moi alors que je parcours des endroits anonymes, écoutant, regardant et sentant, prenant mon temps, bougeant à ma place. son propre rythme, penser à la vie et profiter de l'expérience.
Le paysage et la vision ne sont pas des concepts séparés. Le paysage informe, inspire et fait évoluer la vision, et la vision me permet d'apprécier de plus en plus l'expérience de vivre dans le paysage..
Je trace une ligne entre "enseigné" et "inspiré". Les compétences peuvent être enseignées, mais les sentiments ne peuvent qu'être inspirés. Je peux décrire mes propres expériences et expliquer pourquoi elles ont un sens pour moi et espérer que mes élèves seront inspirés à chercher les leurs. Je reconnais également que différentes personnes peuvent trouver leur inspiration dans différents lieux, sujets et manières. Je les encourage à ne pas simplement imiter le travail des autres, mais à utiliser leurs outils pour s'exprimer.
Je n'ai pas dit que je ne suis pas un photographe, mais plutôt que, se référant à moi simplement en tant que photographe, passe à côté des aspects les plus importants de ma personnalité et de ce que je fais. La photographie est simplement un ensemble d’outils et de processus et, grâce aux outils photographiques, je suis également un photographe et moi enseignons des techniques photographiques. Dans mes ateliers, cependant, je passe aussi beaucoup de temps à discuter de sujets créatifs, d'éléments de design visuel (composition, couleur, perception, etc.).
Les gens réagissent de différentes manières, ce qui est prévisible. Ceux qui viennent à l'atelier simplement pour revenir avec des images de trophées poursuivront ces sujets, mais je tiens à souligner que ce ne sont pas l'objectif principal de l'atelier..
J'essaie de créer une atmosphère où les participants ne se sentent pas pressés de rivaliser avec leurs pairs et peuvent passer leur temps à mettre en pratique les compétences acquises. Je ne récompense jamais personne pour une "meilleure image". Au lieu de cela, je leur demande de partager leur travail et d’expliquer les motivations sous-jacentes. Toutes les interprétations sont valables.
Je pense que la séparation est davantage une perception que n'importe quelle caractéristique objective, comme une palette ou un processus. C'est une manière différente de faire l'expérience d'un sujet ou, au contraire, une manière différente d'exprimer des significations différentes.
J'ai eu une progression très nette dans mon approche du travail en noir et blanc. Dans le passé, je me suis retrouvé à ne voir que ce que je cherchais. Si je voulais faire des images en noir et blanc, c'est tout ce que j'ai vu et si je cherchais des images en couleur, c'est tout ce que j'ai capturé..
Je me suis rendu compte qu'une telle séparation stricte était finalement le reflet de mes propres limites. Mon cerveau devait penser à un médium ou à un autre, puisque je pensais à l'image et à l'esthétique plutôt qu'à des interprétations..
Avec plus de pratique et d’habileté, je me suis moins préoccupé des images et plus conscient de ce que je voulais dire sur un sujet donné. Le choix du médium est devenu un sous-produit de ce que je voulais dire sur un sujet donné. J'aime y penser en termes d'alphabétisation visuelle. Avec la pratique, vous acquérez un plus grand vocabulaire et vos pouvoirs d’expression sont étendus..
Si vous parlez aussi bien le langage couleur que le langage noir et blanc, vous n’avez pas nécessairement besoin de penser à l’un ou à l’autre, vous recherchez simplement celui qui correspond le mieux à ce que vous souhaitez exprimer. La même chose est vraie pour la langue parlée. Les personnes qui parlent couramment plusieurs langues savent que certaines notions sont mieux exprimées ou n'existent que dans certaines langues et pas d'autres.
Comme je le mentionne dans l'un de mes livres électroniques, je pense que la photographie en noir et blanc est l'un des accidents les plus fortuits de l'histoire des arts visuels. Depuis ses débuts et pendant de nombreuses décennies, toutes les photographies étaient monochromes et la plupart des téléspectateurs y sont conditionnés et ne la considèrent pas intuitivement comme un changement par rapport à la réalité..
Chaque jour, les principaux organes de presse accompagnent leurs reportages factuels d’images en noir et blanc, sans réaction en retour. Je soupçonne que si la photographie en couleur venait en premier, ce ne serait pas le cas.
Cela dit, dans la création d’images artistiques, le noir et blanc offre des outils et des moyens d’expression impossibles avec la couleur, précisément parce qu’il s’agit d’une rupture avec la réalité, qui n’est pas intuitivement perçue comme telle..
Dans une image en noir et blanc, vous pouvez représenter un sujet donné dans presque toutes les nuances sans heurter la sensibilité du spectateur. Cela n'aurait pas été possible si nous n'avions pas été conditionnés pendant tant d'années à accepter les images en noir et blanc comme des représentations visuelles valables. Par pure coïncidence, l’histoire libère les artistes photographes en noir et blanc des contraintes littérales qui lient par ailleurs la photographie couleur..
J'hésite à prédire comment les gens me connaîtront à l'avenir. Pour moi, le noir et blanc fait autant partie de mon vocabulaire visuel que la couleur, et je l’utilise là où je le juge approprié. Si j’ai eu mon mot à dire, j’espère que l’on se souviendra de moi en tant qu’artiste, écrivain et professeur, plutôt que des contraintes étroites de couleur ou de noir et blanc..
Mes objectifs ne diffèrent pas en fonction du support que j'utilise. La photographie ainsi que l'écriture sont les outils que je possède. J'essaie de mettre beaucoup plus l'accent sur les choses que je veux exprimer dans mon travail, plutôt que sur la mécanique des outils utilisés pour les exprimer..
Ils sont tous des moyens d'atteindre un but; personne n'est plus ou moins valable que les autres et ni plus ni moins valable que d'autres moyens artistiques tels que la peinture, la musique ou la sculpture. Ils ont chacun leurs forces et leurs faiblesses, mais ne sont pas aussi importants que l’impression qu’ils ont finalement avec leur public..
Je m'en remettrai à la sagesse de Hermann Hesse: «Il n'y a de réalité que celle contenue en nous. C'est pourquoi tant de gens vivent une vie aussi irréelle. Ils prennent les images en dehors d'eux pour la réalité et ne permettent jamais au monde intérieur de s'affirmer. "
Je travaille dans une seule réalité, c’est ma propre vision du monde. Cela peut s'exprimer de différentes manières et dans différents médias, mais c'est toujours la même réalité.
On a beaucoup parlé du rôle des contraintes dans l'art. Même si nous louons la liberté artistique, des contraintes sont indispensables pour que le travail soit focalisé de manière à ce qu'il soit plus efficace pour obtenir l'effet souhaité. Et, en fin de compte, aucun de nous ne peut maîtriser tous les arts, toutes les langues et tous les styles..
Nous finissons par choisir les contraintes qui correspondent le mieux à ce que nous souhaitons exprimer. Pour certains, les contraintes sont aussi étroites que la photographie en toutes couleurs ou la photographie en noir et blanc, ou le haïku, ou le pentamètre iambique. Pour d'autres, ils peuvent être élargis à la photographie, à la poésie ou à la peinture..
D'autres sont encore capables de maîtriser plusieurs disciplines et de produire un travail significatif dans chacune d'elles (Léonard de Vinci était-il un peintre, un scientifique, un ingénieur, un musicien, etc.?). Cela ne reflète en rien la valeur du travail, mais simplement la sensibilité personnelle de l'artiste.
Quant à qui voit plus ou moins; certaines personnes peuvent produire de riches œuvres en couleurs ou monochromes, tandis que d’autres ne peuvent créer une image significative, quel que soit le support utilisé. La différence ne réside pas dans les outils, mais dans l’esprit, les compétences, l’imagination et la créativité de l'artiste qui les utilise.
Dans mon travail d’aujourd’hui, la décision n’est pas prise explicitement, mais implicitement. Au-delà des mécanismes simples d'utilisation d'un appareil photo, la compétence la plus importante qu'un artiste photographe puisse posséder est la capacité de visualiser efficacement. C’est-à-dire d’imaginer toutes les manières possibles d’exprimer un concept et de choisir celui qui convient le mieux..
Le plus souvent, cela signifie que je saurai instinctivement si un concept est mieux représenté en couleur ou en noir et blanc avant de toucher à la caméra. Mais ce n’est pas une règle absolue. La nature de la créativité est telle que des épiphanies peuvent survenir à tout moment où je suis engagé dans mon travail. Parfois, je me rendrai compte après le fait que ma visualisation d'origine peut ne pas être la plus efficace, et je peux choisir de prendre l'image dans une direction différente pendant le traitement..
Le processus de création n’est pas linéaire, sauf sous ses aspects mécaniques. Lorsqu'il s'agit d'exprimer un concept, de nouvelles idées peuvent guider le travail de différentes manières. Il est important de ne pas s’enfermer dans un seul résultat possible. Cela étouffe la créativité, moteur de l'art..
La réponse est dans la question. La technique est importante, mais sans émotion, imagination, expérience et créativité, vous pouvez au mieux espérer des images bien conçues. Efforcez-vous plutôt de créer des images significatives. Ceux-ci ne peuvent venir que de l'introspection.
La question la plus importante que l’on puisse poser à propos d’une image n’est pas de savoir comment elle a été réalisée, mais pourquoi, et le pourquoi n’est pas contenu dans le sujet ni dans les outils. Cela doit venir de la personne derrière la caméra. Plutôt que de rechercher une esthétique simple, essayez d'exprimer quelque chose que vous avez créé - vos pensées et sentiments sur les choses que vous photographiez ou sur tout ce qui peut passer à travers l'image..
Mark Twain résume le conseil le plus simple et le plus efficace: le dictionnaire est le seul endroit où le succès passe avant le travail. Expérimentez, travaillez, pratiquez, passez le plus de temps possible avec vos sujets, étudiez, faites des recherches, lisez, prenez des cours et soyez prêt à échouer encore et encore avant de réussir..
Il n'y a pas de raccourci. Il existe une mine de connaissances pour vous aider à construire votre fondation, mais essayez toujours d'exprimer quelque chose de vous dans votre travail. N'oubliez pas qu'il y a une différence entre une grande image et une image de quelque chose de grand.
Je pense que le marché de l'édition est en pleine révolution - une démocratisation, où les intérêts des grandes entreprises ne dictent plus ce qui est visible ou non. Avec les eBooks, n'importe qui peut être auteur et toucher n'importe quel public.
Cela a de profondes implications financières et créatives pour quiconque souhaite partager son travail écrit. Je pense que c'est un avantage absolu pour les auteurs et les lecteurs, mais ne doit pas être pris pour acquis. Il impose également une plus grande responsabilité aux lecteurs en termes de recherche, de filtrage et de consommation de contenu écrit..
J’ai l’intention d’offrir davantage de titres dans la série Creative (qui traitera probablement de la composition visuelle et des techniques de terrain). Je prévois également d'offrir un autre type de livre électronique en explorant, oserais-je, des aspects plus philosophiques de l'approche de l'art visuel et les avantages de son intégration dans sa vie.
Accentsconagua