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Ce que vous allez créerLiu Kang est l'un des personnages les plus emblématiques du monde de Mortal Kombat. Dans ce didacticiel, George Patsouras expliquera comment peindre un Liu Kang inspiré par Bruce Lee dans Photoshop. Puisque cela concerne la peinture de portrait, vous pouvez utiliser ces techniques pour recréer la peinture de Liu Kang ou créer quelque chose de tout à fait seul. Commençons!
La première étape consiste à créer un nouveau document pour votre peinture. Il suffit d'aller dans 'Fichier'> Nouveau
Vous serez invité à décider des dimensions de la toile, ainsi que de la résolution. Tapez '300' pour la résolution, car il s'agit d'une taille d'impression standard qui nous permettra d'obtenir un portrait assez détaillé. Prenez l'habitude de travailler avec une grande toile en peignant! Nous pouvons maintenant décider de la taille de la toile. Habituellement, pour les portraits, je trouve que 9 pouces par 11 pouces fonctionne mieux, mais il n'y a pas de règles à ce sujet. Allez simplement avec ce qui vous semble correct - souvenez-vous que nous pouvons facilement rogner, agrandir et encore manipuler l'image si nécessaire, alors n'hésitez pas à expérimenter pour obtenir les meilleurs résultats possibles..
Utilisez l'outil Dégradé (G) pour remplir la toile avec un ton gris très clair afin d'éviter que vos yeux ne soient submergés pendant le processus de dessin. Puisque nous allons d'abord aborder le travail en ligne, la couleur ne sera même pas prise en compte à ce stade..
Nous sommes presque prêts à commencer à dessiner! Cependant, avant de lancer un seul trait, il est essentiel d’étudier tout document de référence utile avant de commencer sur le sujet. Dans ce cas, j'ai fait référence à des captures d'écran du film original 'Mortal Kombat', ainsi qu'au jeu vidéo 2012, et même à Bruce Lee, dont le personnage est inspiré. J'avais imaginé que Liu Kang avait les mains posées ensemble, alors j'ai aussi regardé quelques photos de référence (les mains peuvent être très difficiles à dessiner / peindre, le matériel de référence à cet égard est particulièrement utile). Mon objectif avec cette image était de mélanger à peu près toutes les incarnations pour créer quelque chose d'unique, tout en restant fidèle au personnage..
Une fois que nous avons mis en place nos références et acquis une solide compréhension du sujet, il est temps de commencer à dessiner. Je crée un nouveau calque et sélectionne une couleur noire pure comme couleur de premier plan. J'utilise un pinceau assez petit et dur (de 8px à 12px devrait être parfait, en général) à ce stade avec une très faible opacité de 20%. Cela garantit que mes travaux préliminaires seront relativement lâches et me permettront de me concentrer sur les gestes et les proportions sans me perdre dans les détails. Gardez à l'esprit que ce ne sont que des directives. Si vous pensez que quelque chose d'autre fonctionne mieux pour vous, n'hésitez pas à expérimenter et à modifier le didacticiel en fonction de vos besoins..
Je commence par tracer un cercle pour la tête et trace une ligne verticale directement en deux pour établir la ligne de symétrie sur le visage. Ensuite, je dessine un autre «axe» pour les yeux, qui aide également à établir la perspective du visage. La technique que j'utilise pour dessiner les têtes est exactement la même que celle décrite dans Andrew Loomis "Dessiner la tête et les mains". La méthode de la "boule et l'avion" garantit que le visage sera toujours correctement proportionné, quel que soit l'angle, donc je le recommande vivement. matériel si vous êtes sérieux au sujet de dessiner des têtes.
Une fois que la tête est mal fixée, je commence à dessiner rapidement les mains, en les considérant comme des blocs énormes par opposition aux doigts individuels. Je marque rapidement où se trouvent les doigts. N'oubliez pas de penser aux mains comme un groupe de cylindres lorsque vous les dessinez et les peignez. Cela facilitera non seulement le dessin et la peinture, mais vous obtiendrez également des résultats plus crédibles en utilisant cette technique..
Une fois que tout est défini et lisible de manière vague, il est temps de commencer à peaufiner le croquis pour lui donner un aspect plus net. Vous pouvez le faire de deux manières, vraiment; Vous pouvez nettoyer le calque existant à l'aide de l'outil Gomme (E), ou vous pouvez simplement créer un nouveau calque par-dessus et dessiner sur le travail de trait existant. Je préfère généralement ce dernier point car mon travail en ligne est toujours un peu compliqué lors de mon premier passage. Dans ce cas, j'abaisse l'opacité du calque d'origine jusqu'à environ 60% et je crée un nouveau calque intitulé "Esquisse". À l'aide de l'outil Pinceau avec une opacité de 25%, je dessine par-dessus le travail au trait existant et je renseigne également les détails..
Une chose que je dois mentionner à ce stade est que la composition est à peu près symétrique, ce qui signifie que nous n’avons pas nécessairement besoin de dessiner toute l’image; Seulement la moitié suffirait, car nous pouvons facilement le dupliquer et le retourner. Tout d'abord, faites glisser un guide pour diviser la composition en deux. Pour ce faire, assurez-vous que les règles / guides sont activés (Commande / Ctrl + R). Maintenez simplement la règle verticale et faites-la glisser à mi-chemin sur l'image pour créer un nouveau guide, qui divisera la composition en deux. Vous pouvez déplacer le guide à nouveau si vous souhaitez vous assurer que la composition est divisée de manière égale. Une fois que cela est fait, affinez simplement le travail de trait d'un côté autant que vous le pouvez. Quand il est finalisé, dupliquez simplement le calque (cliquez dessus avec le bouton droit de la souris et sélectionnez "Dupliquer le calque") et retournez-le horizontalement (Commande / Ctrl + T, cliquez avec le bouton droit de la souris, sélectionnez "Retourner horizontalement"). Assurez-vous qu’il est placé correctement sur l’image (c’est-à-dire pas trop près du calque existant et pas trop loin). Ici vous pouvez voir le travail de la ligne finale:
La prochaine étape est la plus facile, et sans doute la plus importante: choisir un thème de couleur. Je savais dès le départ que je voulais des tons chauds tout au long de l'image, car cela cadrerait parfaitement avec le personnage. J'utilise l'outil Dégradé (G) pour remplir rapidement la couleur de fond avec une couleur rouge assez sombre.
Avec notre thème de couleur à l'esprit, il est temps d'établir nos couleurs de base pour chaque élément de la peinture. Pour garder les choses organisées, tout en couches. Dans ce cas, j'ai créé un calque pour Skin, Bandana et Hair et les ai nommés en conséquence. Le choix de couleur le plus délicat serait la peau; Nous devons choisir une couleur qui représente un bel équilibre entre la pêche et le thème de couleur général de l'image. Le truc n’est pas trop: aller trop loin avec la saturation et garder le teint assez brillant par rapport au fond.
Le choix des couleurs locales pour le bandana et les cheveux est beaucoup plus simple en comparaison; Le bandana est fondamentalement une variation de couleur de fond plus lumineuse et plus saturée, tandis que le cheveu est simplement une variation de couleur de fond beaucoup plus sombre et légèrement moins saturée. J'applique les couleurs sur tous les éléments cités exclusivement avec un pinceau à bords durs et une dureté à 100% pour une définition nette et nette, et veille à ne pas peindre en dehors des lignes que nous avons déjà établies.
Une fois que nos tons de base sont clairement définis, la prochaine étape consiste à décider de l’éclairage. Demandez-vous d'où vient la source de lumière et ombrez-vous en conséquence. Dans ce cas, j'ai choisi une lumière standard à 45 degrés, ce qui est excellent pour aider à définir les formes de la figure. Je décide de me concentrer sur l'ombrage de la peau. Je sélectionne donc un ton rouge foncé plus foncé, légèrement plus saturé pour les ombres, et une couleur beaucoup plus lumineuse et légèrement plus chaude pour les reflets..
Mes choix de couleurs sont assez proches de la couleur de base que nous avons établie, car je préfère travailler dans des plages de couleurs assez limitées à ce stade pour me concentrer strictement sur les valeurs. Certains artistes préfèrent travailler uniquement en niveaux de gris pour se concentrer sur les valeurs et ajouter des couleurs à un stade ultérieur. Personnellement, je trouve cette méthode assez longue, mais j'apprécie son importance avec les valeurs et l'éclairage, aussi je m'assure de me concentrer sur cela dès les premières étapes du processus de peinture. Rappelez-vous également que les couleurs peuvent facilement être modifiées très tôt. Si vous n'êtes pas satisfait de vos choix de couleurs au début, n'hésitez pas à le supprimer et à le remplacer par autre chose..
Une fois que nous avons défini notre source de lumière, l'étape suivante consiste à la pousser encore plus loin pour la rendre encore plus évidente. Faire cela est aussi simple que de choisir une couleur de surbrillance plus brillante de la peau; Dans ce cas, je sélectionne simplement le ton le plus clair avec l'outil de sélection de couleur (Alt + clic gauche) et choisis un ton beaucoup plus brillant et légèrement plus jaunâtre pour refléter la couleur de surbrillance. Rappelez-vous toujours de faire de légères variations pour vos choix de peau pour un résultat plus crédible. Par exemple, n'utilisez pas simplement la même teinte de couleur en ajustant uniquement la luminosité; Faites également quelques ajustements à la couleur aussi; Par exemple, si vous peignez une peau sur un fond rouge, assurez-vous que cela se reflète sur la figure en reproduisant les tons rougeâtres dans les zones ombrées de la peau. Assurez-vous également que votre couleur de surbrillance présente également des variations dans le ton. Habituellement, un ton jaune vif, choisi ici, donnera des résultats assez crédibles..
Nous avons suffisamment travaillé pour ombrager la peau; Il est maintenant temps de peindre les cheveux! La technique est la même que l’ombrage de la peau; Commencez par peindre les reflets reflétant la même source de lumière de gauche. Choisissez un ton plus brillant, légèrement moins saturé et plus chaud, et commencez à assombrir les cheveux. Commencez par considérer les cheveux comme de gros cheveux, par opposition aux lignes fines, ce qui vous donnera un effet de paille que nous ne voulons pas. Pour éviter cela, utilisez un pinceau plus gros que vous ne le pensez nécessaire; Détailler les cheveux trop tôt ne sera pas seulement très long et difficile, mais les résultats ne seront pas aussi beaux et naturels que si vous utilisiez des brosses plus grosses à ce stade. Vous remarquerez que j'ai à peine touché le côté droit des cheveux à ce stade, car cette zone est assez ombragée. Vous remarquerez également que j'ai aussi essayé quelques égratignures inspirées par «Bruce Lee».
Je décide que le fond est un peu trop saturé et rougeâtre à mon goût; Je veux des tons plus naturels qui complimentent également mieux le teint. Je décide donc de le modifier rapidement en utilisant l'outil Teinte / Saturation de Photoshop (Image> Réglages> Saturation de la teinte) et en modifiant légèrement le ton pour un rendu plus verdâtre-jaunâtre. teinte.
J'améliore encore les résultats en utilisant l'outil "Balance des couleurs" de Photoshop (Image> Réglages> Balance des couleurs) et joue les verts dans les options "Ombres" pour un effet d'apparence encore plus naturel. Je remarque que les ombres ressemblent aussi un peu au feu, ce qui est excellent étant donné le personnage utilisé également. J'utilise un grand pinceau à bords doux pour ajouter quelques légères flammes. Je ne veux pas qu’elles soient clairement définies, cela enlèverait trop d’attention à la figure. Au lieu de cela, je choisis d'être discret pour rester concentré sur la silhouette.
En parlant de la figure, nous devons faire une légère variation de couleur sur lui pour refléter également le nouvel ombrage de fond. Je sélectionne à nouveau l'outil Balance des couleurs (Image> Réglages> Balance des couleurs) et joue un peu les verts pour les ombres. Cela unifie l'image et rassemble vraiment tout. Je décide également de faire un peu plus d'ombrage sur les cheveux, reprenant un ton plus clair et légèrement plus jaunâtre pour refléter l'ombrage déjà établi. J'utilise également des pinceaux plus petits à ce stade, mais avec des bords assez doux pour garder les cheveux agréables et lisses. De plus, j'utilise un pinceau à bords doux avec une opacité de 33% pour atténuer les transitions dures sur la peau pour une sensation beaucoup plus douce et naturelle..
Je suis satisfait de mes choix de couleurs, mais j'aimerais les pousser encore plus loin pour vraiment aider la silhouette à ressortir de l'arrière-plan. Pour ce faire, je décide de jouer les couleurs complémentaires ici, donc je présente davantage de tons cyan et verdâtre pour l'arrière-plan. À ce stade, je peins tout manuellement avec un pinceau assez gros et à bords mous. L'utilisation de couleurs complémentaires neutralise les tons, ce qui est très bien ici car nous voulons que l'accent soit mis sur la figure et non sur l'arrière-plan. Bien sûr, nous devons également trouver un bon équilibre. Je garde donc certaines des tonalités les plus chaudes sur le côté gauche de l'image, non seulement pour l'unifier avec la figure, mais également pour augmenter l'éclairage déjà obtenu. établi ainsi.
Je décide également de jouer les coupures sur son visage, alors je choisis un ton un peu plus brillant, je peins les parties plus claires de la cicatrice et je les place également au hasard autour de cette zone pour donner à sa peau plus de texture. La technique est un peu aléatoire et confuse, mais ironiquement, cela fonctionne bien pour l'effet que nous essayons d'obtenir ici, alors ne soyez pas trop «prudent» ici. Il suffit d'aller avec ce qui se sent bien.
J'introduis aussi vaguement un ton bleu verdâtre sur le côté droit de la peau; Cela proviendrait d'une source de lumière invisible située à droite, mais resterait également conforme aux tons que nous avons définis à l'arrière-plan (il s'agit essentiellement d'une variation beaucoup plus lumineuse et saturée des tons plus verdâtres à l'arrière-plan). L'ajout de ce ton aide non seulement à unifier davantage la silhouette avec l'environnement, mais également à faire ressortir la structure et l'anatomie du visage, ce qui est toujours un avantage. Il est à noter que je gère cela dans une nouvelle couche. Ajouter une autre source de lumière aussi tard au cours du processus de peinture est un peu risqué, je l'avoue, donc je m'assure de le conserver sur un calque séparé au cas où je ne serais pas satisfait des résultats. C'est pourquoi peindre avec un programme comme Photoshop est très bénéfique, vous n'avez jamais à vous soucier de prendre ce type de risque, car le retour à l'image d'origine prend littéralement quelques secondes. Alors n'ayez pas peur d'être audacieux et d'expérimenter!
J'aime l'effet produit par la source de lumière ajoutée. Je décide donc de la jouer davantage en l'intégrant du côté droit de l'image. Pour aider à unifier l'image, il est important que tous les éléments de la figure soient affectés par cette source de lumière, comme ce serait le cas dans la réalité. J'ajoute le ton bleu / vert vif du côté droit de son visage, du côté droit des mains et enfin du côté droit des cheveux. Encore une fois, j'utilise plusieurs couches ici juste pour m'assurer de ne rien gâcher et de les fusionner uniquement lorsque je suis complètement satisfait du résultat. Il est à noter que j'utilise un pinceau à bord doux pour cette étape; La source de lumière ajoutée n'a pas besoin de trop de définition car ce serait trop distrayante, donc un aspect plus doux est définitivement préféré à cet égard..
Je suis satisfait du résultat de l'image, mais je veux qu'elle soit un peu plus sombre et plus granuleuse, alors je décide de lui donner plus de cicatrices. Encore une fois, ceci est un ajout assez risqué, donc je m'assure de le manipuler avec un nouveau calque. Je choisis un ton plus foncé et beaucoup plus saturé pour les coupures et les bleus, et fais particulièrement attention à ce qu’ils suivent la forme de l’anatomie pour un résultat beaucoup plus naturel. Une fois satisfait de l'effet, je le fusionne avec la couche de peau. À ce stade, je décide également d'introduire davantage de tons «rougeâtres» sur le bandana. Pour ce faire, je sélectionne un ton rouge assez brillant et saturé et l'applique sur le bandana avec un pinceau à bord doux, avec une opacité relativement faible. Cela crée une grande harmonie de couleurs et aide à séparer davantage les cheveux, le bandana et la peau, ce qui est toujours un avantage.
L'image est à peu près terminée à ce stade; Je dois simplement améliorer légèrement les couleurs avec l'outil "Balance des couleurs" de Photoshop, en reproduisant davantage de tons cyan et verdâtre pour les "Ombres" et plus de tons jaunâtres pour les "Surbrillances" afin d'unifier et d'enrichir encore les tons de couleur. J'espère que vous avez apprécié ce tutoriel et veillez à laisser vos questions / commentaires ici, car je serais ravi de répondre à vos questions. Bonne peinture!
Accentsconagua