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Pour célébrer le dixième anniversaire d’Envato Tuts +, nous allons regarder encore plus loin dans le temps pour explorer les tendances et les styles qui ont caractérisé l’ère dans le graphisme et l’illustration au cours des dix dernières décennies..
Les études de conception et d'illustration ont toujours fourni aux historiens des informations fascinantes sur les tendances changeantes en matière d'esthétique, de modèles d'achat et de culture populaire, mais il est également précieux pour les concepteurs de savoir ce qui a influencé et continue d'influencer leur travail aujourd'hui..
Vous aimez le design vintage ou vous voulez simplement en savoir plus sur la façon dont les designers travaillaient dans le passé? Vous voudrez continuer à lire!
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Les années 1920 ont été l'une des décennies les plus importantes et les plus excitantes pour les arts visuels, et son influence remarquable se fait encore sentir dans l'industrie du design..
«L'âge de jazz» a marqué une ère de nouvelles libertés sociales et de croissance économique et a favorisé les styles de design. Au début de la décennie, des styles plus fluides et réalistes tels que Art Nouveau étaient toujours très populaires dans les arts commerciaux, mais au milieu de la décennie, cela fut radicalement remplacé par de nouveaux styles modernistes qui gagnaient du terrain en Europe.
Affiche de voyage publiée par les chemins de fer victoriens, en Australie, dont le design Art Déco est saisissant.Art Déco, un style défini par des conceptions géométriques et modernistes, des matériaux et des couleurs luxueux, a fait son apparition en France mais a rapidement gagné en popularité, devenant l'un des premiers mouvements internationaux du design et donnant lieu à certains des bâtiments, intérieurs et œuvres d'art les plus prestigieux que le monde n'ait jamais vus.
À New York en particulier, l’économie de l’après-guerre était florissante et, dans cette atmosphère d’excès financier, le design publicitaire a connu une période incroyablement créative. Les affichistes ont adopté sans réserve le style Art Déco, en se concentrant sur la création de dispositions fortement graphiques, avec des palettes de couleurs riches et des styles de type géométrique. Le glamour des filles flapper, les voyages exotiques et les nouveaux panneaux d'affichage dominant la nourriture et les boissons, incitant les téléspectateurs à danser le Charleston ou à acheter du Coca-Cola.
L’artiste franco-ukrainien A. M. Cassandre a conçu cette affiche Art Déco pour Pivolo en 1924. Cet exemple maintenant célèbre de la publicité par affiches présente les traits des formes silhouettées de style Art déco ancien, un style de disposition simple et un type géométrique. © www.cassandre.fr
Les excès des années 1920 ne pouvaient malheureusement pas durer éternellement. La grande dépression a eu une influence sombre sur la conception dans les années 1930, avec une forme plus restreinte de Art Déco qui se concentrait sur des formes courbes remplaçant les paillettes et le glamour de la décennie précédente. Dans l'affiche, nous pouvons voir comment la riche palette de couleurs du début de l'Art déco est remplacée par des tons plus sombres..
Affiche de thé Twining de Charles Loupot, vers 1930L'accessibilité de la technologie moderne aux consommateurs a également été déterminante au cours de cette décennie. L’électricité, l’automobile et le téléphone ont radicalement transformé la vie quotidienne et le design le reflétait de plus en plus..
le Futuriste le mouvement artistique a mis l'accent sur la suprématie de la technologie, de la vitesse et de l'industrie dans un monde en constante évolution. Les concepteurs et les illustrateurs ont concentré leurs efforts sur la création d'un sens du mouvement et de l'échelle. Les dégradés et les textures de style 3D sont également devenus populaires, aidant ainsi le travail sur affiches à se sentir immersif et plus grand que nature..
Affiche "L'Atlantique" de A.M. Cassandre, 1931. © www.cassandre.fr
Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1939, le fascisme a commencé à s’infiltrer dans l’Europe et a menacé de s’étendre sur une plate-forme mondiale au début des années 1940. Cette nouvelle réalité effrayante a conduit à remplacer l’emphase autrefois commerciale du design par une propagande et des images de motivation..
Les créateurs soviétiques inspirés par l’art déco et le constructivisme (mouvement artistique russe mettant en avant l’art comme un objectif social) sont parmi les créations les plus intéressantes de cette période, mais développent un style unique sombres nuances de rouge, noir et gris.
Stylistiquement, le modernisme était en train de devenir un mouvement plus influent, comme l’illustre l’utilisation d’illustrations abstraites, de dispositions irrégulières et de palettes de couleurs minimales. Au début des années 1940, les illustrations réalistes romancées sur la bataille étaient très populaires, mais à la fin de la décennie, les consommateurs étaient prêts pour quelque chose de très différent..
Nous pouvons voir les racines du mouvement moderne du milieu du siècle dans la conception et l’illustration à partir de la fin des années 1940. Coups de pinceau visibles, dessins spirituels et riches couleurs marquent la fin des jours sombres de la guerre et annoncent une période d'après-guerre plus ensoleillée..
Ce kit publicitaire rétro s’inspire du style plus coloré et optimiste de la fin des années 1940
Les concepteurs se sont toujours tournés vers le design des années 50, et avec raison. L'époque était une période incroyablement riche, optimiste et excitante pour le design. Tout comme nous le faisons aujourd'hui, de nombreuses tendances différentes ont trouvé leur place dans le paysage du design des années 50..
En Amérique, une économie en plein essor faisait en sorte que les maisons ordinaires possédaient désormais des appareils de cuisine, des voitures et des téléviseurs, qui étaient tous fortement annoncés au public. Dans les publicités commerciales, nous voyons des illustrations et des photos gaies et atmosphériques dans des tons pastel de crème glacée ou de couleurs vives. Le sens du mouvement, de la jeunesse et de l'enthousiasme généré par ce style d'image est contagieux et a toujours une influence remarquable sur le design publicitaire aujourd'hui..
Illustration de couverture de magazine pour le numéro d’août 1950 de Science et mécanique.Pendant ce temps, d'autres designers exploraient le potentiel du modernisme et lui donnaient une tournure amusante et ludique. La conception à plat a été rendue populaire par le mouvement moderne du milieu du siècle, qui se concentrait sur des motifs et des textures amusants et utilisait des palettes de couleurs simples et épurées dans des tons terreux..
Les années 50 ont également été l'occasion de repousser les limites en matière de typographie et de conception de caractères typographiques. L’exemple le plus célèbre est peut-être celui du concepteur Paul Rand qui réinvente le logo pour IBM en 1956. Avec son lettrage géométrique discret et distinctif, ce style typographique a influencé le caractère animé et gai des autres polices qui ont dominé les panneaux publicitaires et la signalisation la décennie.
La conception graphique des années soixante tendait à se scinder en deux groupes stylistiques principaux. Certains designers ont continué à faire évoluer le style simple et moderniste prisé dans les années 1950, et beaucoup ont été influencés par le Swiss Style, qui a eu une influence considérable sur la mise en page et la typographie au cours de la décennie..
Les années soixante ont également été un moment privilégié pour l'illustration moderniste, avec des artistes tels que Charley Harper explorant les formes géométriques, le design stylisé et les textures granuleuses dans leurs dessins. Leur travail simple et saisissant avait un attrait commercial, ce qui en faisait un choix idéal pour les travaux publicitaires et les impressions textiles au cours de la période..
L'illustration de livre de 1963 représentant des pinsons de Charley Harper est un bel exemple de l'illustration moderniste des Sixties à son aspect le plus fantasque et charmant..L’autre mouvement populaire du design des années 60 était une réaction aux restrictions imposées par le design minimaliste et moderniste. Le design psychédélique a été influencé par le mouvement de l'amour libre, le rock'n'roll et les drogues hallucinogènes.
Le graphisme a fusionné avec l'art, alors que les concepteurs et les illustrateurs devenaient plus expérimentaux et rejetaient les livres de règles traditionnels qui prêchaient les structures en grille et les mises en page ordonnées. Un arc-en-ciel de couleurs acidulées, des lignes fluides et des motifs trippants sont venus définir le look de la scène de la culture pop des années 60, et il est encore beaucoup plus évocateur de la culture populaire des années 60 que son homologue moderniste.
Cette couverture du San Francisco Oracle, Janvier 1967, design psychadélique d’inspiration Art Nouveau 
Le design des années 1970 a connu un renouveau récent en matière de design, de mode et d'illustration. C'est peut-être en partie parce que c'est une ressource si riche pour le design rétro sous tant de formes. La décennie a été définie par un large éventail de cultures pop et de mouvements sociaux, ce qui a permis aux individus d'exprimer qui ils étaient de manière plus extravertie à travers la mode, la musique et les arts. Le punk, le disco et le mouvement hippy ne sont que quelques exemples des tendances culturelles qui ont caractérisé la décennie et leur influence s'est étendue au monde du design.
Modèle de flyer inspiré par les styles de conception centrés sur la musique des années 1970.En graphisme, nous commençons à voir la photographie devenir dominante au cours de cette période, l’illustration jouant un rôle plus important dans la conception de magazines et de publicités. La photographie, comme dans tout ce qui se passait dans les années 70, explorait les extrêmes - c’était soit des niveaux de gris maussades, soit du technicolor disco-bright. Des magazines comme Pierre roulante des photos embellies avec des touches de collage anarchiques, des couleurs vives et une typographie "regarde-moi".
Les progrès de la technologie de composition ont également aidé les années soixante-dix à devenir la décennie définie par une typographie à couper le souffle, à la fois criarde et révolutionnaire. Les effets tridimensionnels, le lettrage incurvé et les proportions caricaturales constituent un type qui repousse les limites du bon goût et est devenu la caractéristique déterminante du design «rétro»..
Dans la décennie de boom et d’excès, le design des années 80 n’a rien de subtil. Surmontant les années 70 pour une valeur «regarder de moi», cette décennie a repris les éléments les plus audacieux du design des Seventies, tels que la typographie disco, et les a exagérés encore plus..
Au début des années 80, le punk exerçait toujours une influence considérable sur la culture populaire. Les concepteurs utilisaient une utilisation anarchique de la couleur pour contraster avec les coupures de journaux et les photographies de mauvaise humeur. Des groupes britanniques anti-établissement comme Les Smith et Le choc a utilisé des éléments de conception traditionnels, tels que les polices serif, et les a réinventés avec une palette de couleurs au néon et des grilles sautillantes, créant ainsi une pochette attrayante et conflictuelle.
Couverture de l'album pour L'appel de Londres de The Clash (Paru en 1979 au Royaume-Uni et en 1980 aux États-Unis) 
Couverture de l'album de The Smiths ' La reine est morte (1986) Vers la fin de la décennie, les styles criards et saturés de néons ont dominé le design commercial et se sont étendus à la musique et aux arts. Certains des traits de design les plus reconnaissables des années 80 peuvent être tirés des styles de caractères incontournables qui ont été développés à partir du milieu des années 80. Des polices de lettrage fortement italiques dans des roses néons et des violets ornés de couvertures d'albums et de panneaux publicitaires.
Bien que tous les dessins des années 80 ne soient pas considérés comme étant «bons» du tout, encore moins du goût, certains designers créaient toujours un travail étonnant, dont certains sont désormais reconnus comme emblématiques et bien aimés en tant qu'exemples de «l'art nostalgique». Des décennies plus tard. Certains des designs les plus incroyables des années 1980 sont apparus sur des affiches de cinéma, avec des motifs de collage complexes, des couleurs très vives et des mises en page très détaillées. Les illustrations étaient hyper réalistes et dramatiques, avec des ombres et des lumières exagérées.
L'illustration promotionnelle pour le film Labyrinthe (1986) est un bel exemple du style de collage illustré très détaillé, privilégié par les concepteurs d’affiche dans les années 1980.
Les conceptions qui ont défini les années 1990 prennent un peu plus de temps à l’esprit que la culture visuelle des hippies 70 et brash 80, mais c’est une décennie extrêmement importante pour le développement du graphisme tel que nous le connaissons aujourd’hui. La technologie de conception numérique a évolué et est devenue plus accessible (rappelez-vous Microsoft Paint?), ce qui signifie que les jours de création de mises en page à la main disparaissaient rapidement. En conséquence, les mises en page ont pris une apparence plus polie et plus nette.
Bien que le design ait peut-être nettoyé son art, ses influences étaient beaucoup plus rudes sur les bords. Le grunge a eu une influence significative sur la culture pop, la mode et le design au début de la décennie, et à bien des égards, cela s'est heurté à l'objectif propre et avant-gardiste des concepteurs qui adoptaient sans réserve le design numérique..
Vous ne pouvez pas mentionner le graphisme des années 90 sans rendre hommage au directeur artistique américain David Carson, fondateur du magazine de musique alternative Ray Gun en 1992. Un monde loin du minimalisme mesuré du design numérique, il "casse la grille", expérimentant le type de collage et la photographie edgy. Il reste l'exemple de conception le plus évocateur de l'ère grunge.
Couvertures du magazine Ray Gun des années 1990Vers le milieu et la fin de la décennie, le minimalisme est devenu l'ordre du jour, ce qui a semblé complètement rafraîchissant après les années grincheuses. Calvin Klein a été le pionnier du graphisme minimal dans ses publicités mettant en vedette une Kate Moss ressemblant à une waif posant à côté d'un logo ultra-simple avec un filigrane. Cela a marqué une nouvelle ère pour le design publicitaire, où moins sont devenus plus, créant la référence pour la publicité de mode épurée que nous voyons dans la presse aujourd'hui..
Alors que les années 90 constituaient la première aventure dans le design numérique pour de nombreux designers, cela était inévitable au cours des années 2000. La conception assistée par ordinateur n'était plus simplement une option, elle est devenue une nécessité, les concepteurs devant concevoir des mises en page qui fonctionnent aussi bien sur des écrans d'ordinateur que sur des appareils de poche tels que les téléphones portables..
Les logos existaient depuis des décennies, mais les années 2000 ont été une période de prospérité pour la stratégie de marque. Certaines des marques technologiques les plus emblématiques, telles que Google, Twitter et Facebook, ont créé et perfectionné leur identité de marque au cours de cette décennie. Au cours de cette décennie, la création de logo est devenue un domaine d’activité prioritaire pour de nombreux graphistes, beaucoup jugeant le succès ou l’échec futur d’une entreprise en fonction de la qualité de la conception de leur marque..
Le logo Facebook original, qui a depuis été redessiné pour rendre le type moins arrondi.Les années 2000 ont été une décennie de grands changements politiques et sociaux sur la scène mondiale, et les conceptions suivies ont souvent été utilisées pour sensibiliser le public à des causes telles que les changements environnementaux et l'impact d'événements tels que la crise financière de 2007..
L’affiche «Hope» de Shepard Fairey pour la campagne présidentielle américaine de 2008 est l’un des exemples les plus mémorables de la conception en tant qu’outil politique. Sur le plan stylistique, il faisait référence aux styles de rue plus anciens, caractéristique du design des années 2000, mais le style sans empattement et le portrait ultra réaliste de Barack Obama lui donnaient une impression de fraîcheur et de pertinence et constituaient un facteur important du succès de sa campagne..
Conception de l'affiche "Hope" de Shepard Fairey pour la campagne 2008 d'Obama.
Bien sûr, nous ne sommes que depuis sept ans dans la décennie, mais les années 2010 ont déjà vu beaucoup de travail incroyable et devraient être une décennie passionnante pour le graphisme et l’illustration. Même s’il peut être difficile d’évaluer les tendances dominantes de la décennie sans recul (et avec encore trois années prometteuses!), On peut déjà se référer à quelques styles qui se sont avérés être presque universellement populaires au début et au milieu. de la décennie.
Vintage Mania a frappé le monde du design graphique au début de la décennie et reste très dominant dans le design. Internet devenant une influence omniprésente dans la vie des gens, les styles vintage, folklorique et «hipster» peuvent être considérés comme des réactions à un monde fou de technologie, même si des textures de style antique et des logos vintage sont utilisés pour marquer des produits tech.!
L’illustration a également connu un renouveau bienvenu au cours de cette décennie, le design plat revisitant certains des traits modernistes du design du milieu du siècle et de l’illustration vectorielle et numérique évoluant comme une forme d’art. Nous commençons à voir un design plus explicitement inspiré par la technologie revenir progressivement dans l'illustration également, avec des dessins low-poly et des dessins au trait s'inspirant du monde en constante évolution du Web et du design d'applications..
