Share
"Fly Away" est une composition introspective et assez sombre sur une période difficile et déprimante de la vie d'une personne. J'ai choisi cette chanson pour ma critique car il semble que l'écrivain se débrouille lui-même et subisse une catharsis en même temps. Cela crée du mouvement et donne aux paroles et à la mélodie quelque chose d'évoluer. Il est possible que la voix de la chanson conseille quelqu'un d'autre, mais je ne le pense pas et cela pourrait fonctionner de toute façon.
Ceci est une critique de "Fly Away" par Once, Nevermore. Vous pouvez consulter l'atelier original ici.La chanson a un flot de conscience presque sans forme. Dans une certaine mesure, cela est souhaitable compte tenu du sujet abordé, mais je pense que la chanson pourrait utiliser un resserrement formel.
Je préférerais voir deux sections A suivies d'une section B et ajouter une quatrième ligne à chaque section. Il est souhaitable que les trois premières lignes aient la même rime ou une rime proche et la répétition du mot "you" ne me dérange pas à l'occasion, mais pas à chaque fois..
Les quatrièmes lignes doivent être écrites dans une mélodie différente sur une structure d'accord différente et avec un phrasé différent pour atténuer la monotonie. De plus, je rapprocherais le phrasé de la troisième ligne de la première. La quatrième ligne pourrait être une phrase répétée comme celle-ci:
Bien que tes ailes soient cassées, tellement battues et cassées.
Construire puis redescendre.
Cela pourrait conduire à la "fuite" de la deuxième section A. Il serait extrêmement plaisant à l’oreille de choisir la même rime à chaque quatrième ligne de vos sections A. Ils sont loin, mais l'oreille a une bonne mémoire.
La longue section instrumentale qui précède la première section B est trop tôt pour moi. Avec l'ajout du changement de mélodie dans chaque section A, la chanson n'a pas encore besoin de ce départ. Ma suggestion est de passer directement ou presque directement dans votre section B. Le ton de celui-ci est beaucoup trop similaire à la section A de toute façon. Je créerais une tension mélodique ici. Construire puis redescendre.
Enfin, envisagez de placer votre seule pause instrumentale (autre que votre intro et outro) après la troisième section A. Vous pouvez ensuite le suivre avec les sections et les sections A ou B en fonction de ce qui permet une meilleure fermeture mélodique après votre réécriture. La chanson finira par être plus courte et elle doit l'être. Une bonne longueur pour la plupart des chansons est comprise entre 2:45 secondes et 3:30 secondes.
Il y a peu de nouveauté…
La métaphore de voler est une bonne idée, bien qu'elle ait été utilisée à plusieurs reprises auparavant. Il y a peu de choses qui sont encore nouvelles sous le soleil, alors allez-y et travaillez plus que vous en avez, mais avec votre propre touche.
Les ailes, le vent, les nids et autres constituent un fourrage lyrique utilisant cette métaphore. Le plus grand défaut lyrique que je vois dans cette chanson est le manque de développement de la catharsis émotionnelle..
Essayez de révéler progressivement que la chanteuse est son pire ennemi plutôt que de le révéler si tôt. Cela ne me dérangerait pas que de légères références montrent que la chanteuse se parle à elle-même plutôt qu’à quelqu'un d’autre aux deux tiers de la chanson. Permettez à l'auditeur d'être induit en erreur ou du moins de poser des questions. Quand tu laisses tomber ton indice, sois subtil.
Les yeux dans le miroir "pourraient faire l'affaire.
La vraie révélation est cependant l'auto-blâme. Cela crée de l'espoir et de la croissance. Construisez vers elle et conservez-la pour la fin. Assurez-vous que vos paroles montrent que le chanteur est perdu et qu'il ne l'a pas encore compris. Peut-être que le premier conseil de la section A est simplement de s’échapper sans savoir exactement pourquoi. Il est normal de reconnaître qu'il manque quelque chose mais de ne pas laisser savoir de quoi il s'agit avant plus tard..
Ces paroles ont une surpopulation qui nuit à la mélodie. La ligne de monstre est trop lourde sur les syllabes et est de toute façon une contradiction. S'éloigner de la douleur et affronter les monstres sont deux réactions différentes.
La ligne médiane de la section B présente le même problème d'encombrement. Assurez-vous que vos paroles débordent d'une conversation et d'une manière naturelle par rapport à la mélodie. Les chansons ont besoin de respirer.
À la fin de la chanson, je ne suis pas sûre d’aimer les références à «idiots» et à «salopes». Les deux se sentent moins sensibles que le reste de la chanson. Je préférerais entendre «le tueur c'est vous, la victime c'est vous» ou quelque chose qui ressemble davantage à une dichotomie.
Le contraste est vraiment nécessaire ici.
Certaines de mes suggestions de mélodie ont été couvertes dans la section formulaire. J'aime beaucoup le ton de la mélodie initiale, mais après trois épisodes, je voulais entendre quelque chose de différent dans la quatrième ligne nouvellement ajoutée. Même sur la troisième ligne, essayez de faire varier la mélodie d'une note ou deux.
J'aimerais aussi voir une structure mélodique très différente dans la section B. Le contraste est absolument nécessaire ici non seulement dans la mélodie, mais également dans le phrasé et la structure des accords. Je pouvais voir une forme de six lignes avec les lignes 3 et 6 qui riment. La ligne 6 correspond à la longueur de vos lignes 4 et 5 actuelles, de sorte que votre ligne 3 soit équilibrée en conséquence.
Je sais que cela peut sembler beaucoup trop mathématique, mais la forme, même lâche, est agréable à l'oreille et tellement plus mémorable..
Si vous pouvez retravailler vos paroles pour réaliser une session d’auto-assistance évoluant progressivement, je pense que vous aurez une pièce très originale. J'aime l'idée de se référer à l'ennemi et finalement de réaliser que l'ennemi, c'est vous, le chanteur. Rien n’est plus typique de la nature humaine et pourtant cela prend tant de temps à la plupart d’entre nous. C'est le dernier endroit que nous cherchons à blâmer! Dans ce style de chanson, je ne pense pas qu'il soit nécessaire de révéler quels sont les problèmes réels.
J'ai mon propre nom pour ce style de paroles: aquarelle. Il atténue les faits mais crée de subtiles couches de sentiments.
La douceur est séduisante mais dans ce cas, c'est trop bien.
Cette chanson s'inscrit dans la catégorie alternative ou alt-rock à mon avis. J'imagine que c'est fait avec une main très légère ou avec une sensation beaucoup plus nerveuse.
Tout dépend de la capacité de l'écrivain à injecter une mémorabilité forte dans la section B.
Il y a plusieurs façons d'y parvenir mais elles sont difficiles à énoncer. Étudiez les grands dans ce style d’écriture et notez comment ils réalisent des départs contagieux dans leurs refrains et leurs sections de B. Si vous le pouvez, terminez avec une section B après votre pause instrumentale et marquez-la simplement. À l’heure actuelle, malgré les accords angoissants qui la précèdent, la section B ressemble beaucoup trop aux versets. La douceur est séduisante mais dans ce cas, c'est trop bien.
Certes, ceci est une bande de travail et doit être jugé comme tel. La sélection par les doigts est un peu à la poche, mais la voix est attrayante et insère suffisamment la chanson pour obtenir ce que l'auteur essaye d'accomplir. Ça peut être amusant de faire bouger les choses mais d'ajouter quelque chose d'inattendu comme un violoncelle.
La deuxième section B devrait commencer à combler le manque de densité de la première et donner une sensation plus liquide. Évitez définitivement les longues introductions dans les démos. Allez à la chanson. L'astuce consiste à attirer rapidement l'attention de l'auditeur et à le conserver.
Évitez également les longs interludes entre les sections, à moins que la piste ne le demande vraiment. Un écrivain atteint un certain élan, puis le cède avec des remplissages inutiles. Autant que possible, continuez à rouler.
Ne leur donnez aucune raison de s'égarer avec l'un de ces bustes groove.
Nous nous installons tous trop facilement quand nous sommes impatients de terminer une composition.
Merci à l’écrivain pour ce titre agréable et intéressant. Pour ma part, je suis heureux de voir ce style d'écriture prospérer à nouveau. Il y a cependant une ligne de démarcation entre l'indulgence de soi et l'écriture émotionnelle intelligente. Les pièges sont que nous risquons de devenir un sac triste ou, à l’autre extrême, d’écrire des paroles loufoques empreintes de clichés informatifs. Il est tellement plus facile de conseiller un ami que de se conseiller soi-même.
Je pense que dans cette chanson, l'auteur parle à son propre cœur en tant qu'entité séparée. Elle a besoin de casser doucement une dure vérité à ce coeur. Ce n'est pas un sujet facile à écrire et je m'attends à ce que ce soit une entreprise longue et laborieuse. L'écrivain a pris un bon départ dans cette direction.
Si souvent les paroles pourraient être alors beaucoup plus affectif, si nous les compositeurs prenions simplement plus de temps. Je l'ai certainement prouvé fidèlement à moi-même plus de fois que je tiens à compter. Nous nous installons tous trop facilement lorsque nous sommes impatients de terminer une composition. Indiquez ce que vous voulez dire et à quel rythme vous voulez le dire. Ajoutez juste ce qu'il faut d'ironie et de sensibilité. Enfin, enveloppez-le dans la forme et la rime et donnez-lui la toile de fond d'un morceau de musique extrêmement évocateur..
Quoi de plus facile? Presque tout!
Accentsconagua