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Dans ce tutoriel, nous allons passer en revue tout le processus de création d'une composition instrumentale, des premières esquisses d'une idée au mixage final. Bien sûr, il y a mille façons d'écrire un morceau de musique, ce n'est qu'une méthode.
Vous ne devriez pas vous attendre à utiliser cette méthode pour tout ce que vous écrivez, mais il devrait vous être utile de voir un processus pour développer une composition dans ce style..
Ceci n'est pas écrit pour le film, il n'y a donc pas de drame dicté par l'action à l'écran. En général, je veux que le développement de la pièce me conduise là où il veut aller, alors je ne vais planifier que quelques choses. Je veux créer une piste instrumentale de 1: 30-2: 30 minutes dans un style de soulignement dramatique / thriller. La pièce doit être mystérieuse avec certains moments d’intérêt. C'est tout le planning que je vais faire, on verra où le reste nous mène.
N'oubliez pas non plus que l'un des objectifs de la rédaction de cet article sera de le publier rapidement. Par conséquent, même si nous voulons le rendre meilleur, nous trouverons également de bons endroits pour prendre des raccourcis tels que la répétition de sections ou la mise en boucle d'idées..
La première chose que j'aime faire est de trouver une sorte de fragment de base pour me lancer. Je pourrais passer des jours à regarder une page blanche / un écran sans savoir par où commencer, alors la meilleure chose à faire pour moi est de charger un son et de commencer à faire des nouilles. Vous pouvez commencer avec tout ce que vous voulez, bien que j'essaie généralement de me tourner vers des instruments qui sonnent bien en MIDI, tels que des pianos, des claviers, des harpes ou des percussions à maillet..
Les vibrations m'intéressent pour le moment, je vais donc charger un instrument simple de vibrations dans EXS. Ajoutez une touche de réverbération pour plus de saveur, puis je commencerai à jouer du clavier sans clic, en jouant sur différents motifs et léchages et en essayant de trouver quelque chose d'inspirant.
Il n’ya pas beaucoup de science à ce stade, mais généralement je cherche quelque chose avec quelques exigences de base:
Voici à quoi ressemblaient certaines de mes nouilles:
Après environ 8 minutes de déconner, j'ai atterri sur ce plan que je pensais avoir un potentiel:
Ce que j’aime dans ce lick, c’est à la fois le rythme dynamique des deux premiers temps (Un - et un Deux - et un Trois), mais aussi l’intervalle du triton dans la mélodie du second temps (E Bb Ab E). Remarquez le faible Eb sur les battements 1 et 3, qui est très solide et stable. Je garde également la pédale de maintien enfoncée pendant tout le coup, ce qui donne une sensation de délavage spacieux.
Je n’enregistrais pas en un clic, donc j’ai maintenant besoin de trouver le bon tempo (environ 85 bpm) et de jouer dans une version plus épurée. Je vais aussi le quantifier et redresser les vélocités pour qu'elles soient toutes identiques en utilisant la zone MIDI Region Parameters dans le coin supérieur gauche de la fenêtre Arrangement..
Voici notre lécher nettoyé:
C’est la seule étape dans l’écriture de la pièce où nous allons passer du temps à chercher une idée. À partir de là, l’objectif est de faire passer les idées de nos têtes à la session le plus rapidement possible. Faites confiance à votre instinct. Si vous entendez une ligne de piano froide dans votre tête, abaissez-la puis continuez à avancer. Vous pouvez perdre des heures en répétant ces mêmes mesures jusqu'à ce que vous pensiez qu'elles sont «parfaites», mais à ce moment-là, vous avez tellement entendu le matériel que vous avez perdu toute perspective. Rappelez-vous que la musique est linéaire et continuez-la.
Maintenant que nous avons notre idée initiale, nous pouvons commencer à développer tout le reste. La chose la plus simple que je puisse faire est de sélectionner ma région, d'appuyer sur L et de la faire basculer à l'infini..
À la cinquième répétition, il commencerait à me rendre un peu fou, alors commençons à le pimenter. À la cinquième mesure, j'entends un grave coup de batterie et de basse, alors je vais charger un patch de basse et de batterie taiko et les faire frapper un long Eb..
Le succès du taiko est assez terne, alors agrémentons-le en y ajoutant une note de 32ème note. Ce ne sera pas complètement différent mais ajoutera un peu plus de subtilité. Remarquez que les vitesses augmentent jusqu'à ce que le temps fort soit le plus fort..
Il y a encore plusieurs choses à faire pour rendre l'introduction plus intéressante, mais nous garderons les réglages pour plus tard. Il est important que nous continuions à avancer et à travailler pour obtenir une vue d'ensemble en place.
Au bar 9, nous avons beaucoup entendu parler de l’introduction et les vibrations commencent à s’épuiser un peu, nous devrions donc commencer par apporter notre matériel principal A. J'entends des cordes sur une simple ligne mélodique, que je vais jouer par-dessus les vibrations.
Je vais aplanir les vitesses, quantifier le temps et utiliser la modulation pour créer une dynamique et une forme. Reportez-vous au didacticiel intitulé Comment créer plus de musique MIDI expressive pour plus de détails sur l’utilisation de la modulation de cette manière..
Bien que cette mélodie soit très simple, il y a quelques points importants à noter. Il y a un motif rythmique avec le micro Bb allant dans les notes descendantes. La troisième mesure est le point culminant de la phrase, car non seulement le B naturel est la note la plus dissonante du motif, mais aussi le motif rythmique a été violé. Plutôt que le motif pointillé demi-note à la noire que nous avons établi, nous avons deux demi-notes. Ces deux éléments rendent cette mesure la plus tendue, ce qui permet également au long sentiment de fin de bb de se sentir particulièrement détendu et à l'aise.
Notez que la mélodie est longue de cinq mesures au lieu des quatre habituelles. Non seulement cela nous permet de respirer un peu à cette cinquième mesure, mais c'est aussi une manière subtile de perturber l'équilibre parfait des phrases même qui ajoute une touche d'intérêt et d'instabilité..
Répétons cette phrase, mais cette fois, au lieu d’une mélodie en déclin, je la ferai faire demi-tour et grimper, conservant à nouveau la note la plus dissonante pour le "point culminant" de la phrase avant de vous détendre sur le Mib.
Maintenant que nous avons une mélodie en deux phrases, nous pouvons considérer que notre section A. Puisque nous ne l’avons entendu qu’une seule fois, répétons-le, mais cette fois, nous allons le garder intéressant en intensifiant l’orchestration..
Je vais laisser deux mesures à la fin de la première section A avant de commencer notre répétition, qui fonctionnera comme un moment de respiration et ajoutera à la qualité "mystérieuse" que nous recherchons.
Je vais répéter les cordes, mais cette fois je les doublerai avec un synthé effrayant. J'ai choisi le patch Starry Night, qui est un préréglage dans Sculpture. Je vais augmenter d'une octave et le résultat donne plus de mélodie à la mélodie.
J'ajouterai ensuite plus d'intensité à la sensation générale en faisant en sorte que la basse frappe une note basse en note de mi-violette sur chaque mesure. La partie en elle-même n’est pas très intéressante, mais elle donne une impression de poids à tout ce qui est autour..
L'autre chose qui pourrait varier, c'est notre ligue fatiguée. Je vais donc essayer de la doubler sur harpe pour voir si cela la modifie suffisamment. Je vais l'avoir une octave et aussi très calme, donc il est juste légèrement ressenti.
Alors voici ce que nous avons jusqu'à présent:
Et à quoi ressemble la session: (voir les sections qui sont des pâtes de copie littérales de matériel précédent)
C'est toujours un peu ennuyeux, mais nous avons maintenant un aperçu de ce qui est important à ce stade.
Comme je l’ai mentionné au début, la longueur cible de la pièce n’est que de 1h30 à 2h30. Comme nous sommes déjà à environ 1h15, je n’ai pas vraiment le temps de développer une section B élaborée. D'autre part, la pièce pourrait utiliser une sorte de variation, car répéter la section A une fois de plus serait assez ennuyeux. Donc, pour résoudre ce problème, je vais créer une très courte section B qui est basée sur le matériau A avec seulement quelques modifications minimes..
La chose la plus évidente que je puisse changer est l'harmonie, qui est sur une pédale en mi-te depuis le tout début de la pièce. Je ne vais pas me compliquer du tout. De simples changements d'harmonie peuvent être aussi efficaces que des changements moins courants, je vais donc laisser la section B commencer par un Ab. Pour ce faire, je vais demander à la basse d’établir un joli gros Ab et d’ajuster quelques hauteurs de ton de notre vibes ostinato pour refléter le changement..
Je ferai l'Ab pour deux mesures, puis de nouveau en Eb pour deux mesures. Remarquez comment l’Ab (la corde iv) a l’impression de nous élever, puis le Mib nous rabaisse..
Je pense que notre taiko est un bon endroit, je vais donc établir un modèle très simple, que je vais également imiter avec la basse. Voici les deux parties (la basse est en rouge):
Enfin, je vais ajouter une mélodie aux cordes et au synthé, encore une fois, quelque chose de très simple. Je répète ensuite les quatre mesures entières pour une section B de huit mesures.
Quelque chose d'intéressant s'est passé lorsque j'ai ajouté la mélodie que j'entendais dans ma tête, ce qui était involontaire mais a bien fonctionné. J'avais prévu que le changement d'harmonie soit de si mineur à si mineur, mais à cause des notes mélodiques, nous nous sommes retrouvés avec si mineur / si mineur. Fonctionnellement, cela sert toujours mon but de tension et de relâchement, mais d'une manière différente de celle attendue.
La section B nous a donné une chance de nous reposer du matériau A, donc maintenant, lorsque nous le rapportons, cela ne sera plus si fastidieux. Répétons l'intégralité de la section A une dernière fois pour terminer notre travail. Tout ce que je vais faire est de copier et coller notre deuxième section A et de la placer après la section B. C'est assez simple, mais je vais faire un ajustement pour que ce soit plus une "fin" en enlevant quelques éléments pour la dernière moitié de la section. Je vais tout mettre en sourdine sauf le synthé et la harpe pour la dernière phrase, ce qui donnera à la pièce le sentiment d'être sur le point de se terminer..
Voici l'intégralité de la pièce jusqu'à présent, qui, je dirais, en contient 90%:
Maintenant que la composition de base est en place, il est temps de revenir en arrière et d'ajouter des pièces d'intérêt et de la couleur. Cela ne signifie pas que nous devrions simplement couvrir tout le sujet en percussions et effets, car en soi, la pièce fonctionne généralement. Nous devrions simplement trouver de bons moments pour ajouter de l'intérêt et une touche finale.
Pour mener à bien ce processus de manière efficace, j’ai trouvé utile d’écouter l’ensemble du texte en prenant des notes tout au long du processus pour trouver des idées d’utilisation. Ensuite, la liste devient simplement une liste de contrôle, que vous pouvez parcourir rapidement en cochant un élément à la fois. Comme je l'ai mentionné plus tôt, vous pourriez passer des heures à répéter même deux mesures jusqu'à ce que vous deveniez fou, mais cette technique m'oblige à entrer, à le faire et à passer à autre chose..
En écoutant la pièce, voici ce que je voudrais ajouter..
Toutes ces notes visent soit à combler les lacunes, soit à ajouter un élément pour rendre une section unique d’une autre, soit à nous entraîner dans de nouvelles sections. Maintenant je vais commencer à descendre la liste
Commençons par un son intéressant au début. Intéressant ne signifie pas forcément inhabituel ou complexe, même un tambour puissant peut être un moyen intéressant de nous entraîner. Je vais faire un hit long et profond. Je vais le rendre agréable et profond en EQing du haut de gamme, et longtemps en ajoutant son propre plugin de réverbération.
Ensuite, je vais ajouter un tampon fantasmagorique à l’introduction. Je choisirai un son sous-jacent avec beaucoup de mouvement, ce qui, combiné aux vibrations ostinato, donnera à notre oreille plus de difficulté à essayer de suivre. J'ai chargé le préréglage "Random Wave Groove" dans ES2, qui, à lui seul, sonne trop explicitement comme un synthé.
Une fois que je l’ai mise dans la réverbération et que j’ai lâché le grave, le son sera plus mystérieux. Je vais le faire disparaître au début, puis de nouveau dans la première section A.
Ensuite, nous avons la cymbale gratter dans la mesure cinq, assez facile. Je vais aussi ajouter un peu de réverbération et de délai.
Ensuite, j'ai une note pour ajouter shaker à la première section A. Je vais enregistrer un shaker live, dont les imperfections ajouteront une nuance subtile (à peine perceptible, mais ça aide). Je n'ai marqué que la section A dans les notes, mais je vais l'enregistrer tout au long de la pièce (cela ne prendra que deux minutes!) Afin que je puisse choisir et choisir l'endroit où je pourrais le souhaiter..
Dans ce cas, je commencerai par la deuxième partie de l'introduction. Voici notre nouvelle introduction dans la première section A:
Pour le pad, je vais utiliser quelque chose de très fin et lisse, le preset calmant de EFM1. La plupart du temps, il suffit de maintenir un Mib et un Sib, puis de faire écho de l’intervalle Gb à Mib de la mélodie vers la fin. Je pense aussi qu’il me faut un peu plus de temps pour remplir l’espace à la fin de la première section A afin que je ramène le bloc-notes de l’introduction..
J'ai changé d'avis à propos du son qui nous entraîne dans la deuxième section, je pense que la basse et le synthé suffisent à suggérer la construction et le développement sans que le début de chaque nouvelle section ne soit frappé avec un gros succès. Voici comment la deuxième partie de notre première section A sonne maintenant:
Je vais réutiliser le pad Calming pour la deuxième phrase de la section A, cette fois encore un peu plus fort. Je vais également réutiliser la gratte de cymbale en guise d'introduction à la section B.
Vient ensuite la percussion dans la section B. J'ai gardé le shaker jusqu'à ce point, alors je vais simplement ajouter un élément de lumière supplémentaire: un charley charpentant. Je vais aussi ajouter un rouleau de cymbale qui sort de la section B et nous amène à la dernière section A. Voici le nouveau B:
J'ai arrêté le shaker dans la dernière section A pour commencer à configurer l'idée que les choses se détériorent.
Dans la dernière phrase, je ramènerai à la fois notre pad Calming et le pad Intro en mouvement, ce qui donnera une impression d'espace et les fera disparaître tous les deux avec le synthé à la fin..
Je vais utiliser un ritard pour que la harpe se sente comme si elle renonçait. Pour ce faire, je vais définir un point de tempo où je veux que le ritu commence, mesure 46, et où je veux qu'il se termine, 49.
Ensuite, je vais utiliser l’éditeur de tempo pour créer la carte en faisant glisser le dernier point vers le bas et en écoutant jusqu’à ce que cela semble correct. Je vais aussi ajuster la courbe pour ralentir plus tard dans la phrase.
Enfin, je vais nettoyer le bout de la harpe ostinato pour que les deux derniers sons se terminent très doucement..
Voici notre nouvelle fin:
Voici comment se présente la dernière pièce dans le séquenceur:
Eh bien voilà, maintenant nous allons ajouter quelques notions de base et nous avons terminé!
Beaucoup d’entre vous s’attendraient probablement à ce que, maintenant que tous les éléments sont en place, il est temps de faire un mélange. Eh bien, je pense que la façon dont nous écrivons est une perte de temps. Comme chaque élément a été sous notre contrôle tout au long du processus, nous les avons mélangés pendant que nous travaillions. Si vous en êtes arrivé à écrire le morceau et que vous n'avez pas mixé au fur et à mesure, je serais très surpris. Qu'attendez-vous donc du mixage à la fin??
Notre "mixage" devrait consister en une ou deux passes finales tout en veillant à ce que tout soit en ordre et fonctionne correctement. Je peaufine quelques niveaux ici et là, mais en général, tout sera laissé en place..
Pour un mastering très rapide et sale, j'ai tendance à charger un préréglage Logic, en effectuant peut-être des ajustements subtils si nécessaire. Pour ce morceau, j'utilise en fait Final Pop Master Wide et les paramètres par défaut Multipress, Direction Mixer et AdLimit. Au lieu de Match EQ, je vais utiliser un égaliseur de canal standard et utiliser l'analyseur pour vérifier qu'aucune fréquence n'est hors de contrôle. Souvent, je finis par déloger une partie du bas et monter un rayon sur le haut du bout des doigts.
Bien sûr, ce n’est qu’un moyen rapide et fonctionnel de maîtriser quelques notions de base. Il existe des techniques fantastiques pour faire un travail sérieux et je vous encourage à consulter les didacticiels Audiotuts + Mastering, mais en mettant l'accent sur la sortie de musique, cette méthode fonctionne bien..
Alors, voici la dernière pièce. Généralement, il faut moins d’une heure pour créer un morceau comme celui-ci, moins de deux si je veux enregistrer un tas d’éléments live. Ce n'est pas une œuvre d'art, mais cela fonctionne et répond à nos critères de style et de longueur. C'est de la musique pour servir une fonction (peut-être pour souligner une émission télévisée ou un film), nous ne l'écrivons pas pour créer un débouché pour une véritable expression de soi. Pour cette raison, il est important de disposer de méthodes permettant de produire ce type de musique rapidement et efficacement..
Accentsconagua