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À mon avis, rien de plus inspirant que de travailler avec des musiciens talentueux et expérimentés dans un studio d'enregistrement. J'apprécie toujours énormément ces sessions. Votre arrangement est entièrement organisé et le mixage des pistes d'accompagnement est prêt. maintenant vous êtes juste assis dans votre studio en attendant que le joueur arrive.
Les collections d'échantillons sont bien sûr abondantes pour tous les principaux instruments d'orchestre et de jazz, sans oublier une vaste gamme d'instruments "hors des sentiers battus", allant de l'ethnie et des autochtones à la plus farfelue! Mais un vrai joueur peut apporter beaucoup plus à votre musique.
Si enregistré dans un réglage approprié avec le bon type de microphone, le son est garanti pour être absolument authentique pour une chose. L'autre grand facteur est la créativité des musiciens de la session. Ils apportent leur talent et "prennent" en charge votre arrangement de chanson et la valeur ajoutée qui en découle est très souvent inestimable.
Voici un extrait d’un arrangement que j’ai fait il ya quelque temps et qui comporte une flûte traversière portant la mélodie. La pièce continue ensuite dans une section de pont. Une belle sonorité et une intonation sont cruciales lorsque l'instrument en question est aussi avancé dans le mix.
Voici un autre extrait dans un style quelque peu celtique; cette fois un violoniste. Si je me souviens bien, ce joueur jouait un rôle que j'avais précédemment écrit avec un logiciel d'écriture de partition, mais il serait extrêmement difficile d'imiter le son et le style d'intonation particulièrement beaux avec des échantillons d'instruments..
Bien sûr, enregistrer de «vrais» joueurs apporte son propre ensemble de problèmes spécifiques à résoudre. Celles-ci vont du microphone à utiliser à la meilleure préparation de la piste pour le joueur qui arrive. Votre objectif général devrait être d'essayer de rendre l'expérience la plus confortable et naturelle possible pour le joueur de session..
N'oubliez pas qu'ils tenteront probablement de jouer un rôle qu'ils n'ont jamais vu auparavant, tout en essayant de s'acclimater à la configuration de votre studio et à la piste elle-même, le tout en même temps. Dans ce didacticiel, nous examinerons une gamme d’instruments situés à l’extrémité classique du spectre et verrons comment préparer au mieux une session avec l’un d’eux..
Si nous considérons l'orchestre symphonique comme une «famille» d'instruments (cordes, bois, cuivres, etc.), vous remarquerez que j'ai choisi un ou deux de chaque groupe et que j'ai également inclus la harpe, ce qui nécessite une approche légèrement différente. La plupart des musiciens classiques ont un point commun: ils lisent normalement très bien la musique, car cela faisait partie intégrante de leur formation en musique ancienne. Il est donc fort probable qu'ils s'attendent à voir une partie notée le jour même..
Je ne dis pas que les musiciens classiques n'improvisent pas ou ne veulent pas improviser. Certains le font très bien. Mais il est probable qu'ils se sentiront beaucoup plus à l'aise avec une partition imprimée devant eux. Je vais donc supposer que vous prévoyez d'écrire votre partie, ce que vous ferez probablement avec un logiciel de notation.
Une fois que vous avez votre arrangement en tête, combien de détails devriez-vous inclure dans la pièce? Dans le monde classique, toutes les nuances sont couvertes: expression, phrasé, marques d'archet, etc. Il n'y a pas de bonne réponse à cela, mais j'ai tendance à privilégier l'approche «à nu», car vous pouvez toujours travailler sur les détails avec l'entrée des joueurs. pendant la session.
Voici une intro de chanson qui comporte une partie de violoncelle. Ensuite, la partie de violoncelle plonge dans un registre inférieur lorsque la voix principale entre.
La partie que j'ai donnée au joueur pour l'intro est écrite ci-dessous (certes plutôt courte!). J'ai essayé de leur donner un nombre de barres clair dès le début de la chanson. Il y aurait également eu une piste de clic silencieuse dans leurs écouteurs pour aider à les repérer..
Lorsque j'écris des parties de cordes, j'ai tendance à laisser de petites marques car elles seront discutées au cours de la session, et le joueur saura comment jouer techniquement la partie pour que le son soit celui que je veux..
Voici un autre exemple MP3, suivi de la partie notée. Cette fois, un violon joue la mélodie:
La partie que j’ai donnée au joueur à ce moment-là n’aurait contenu aucune marque en creux, mais je les ai ajoutées ci-dessus, en fonction de l’évolution de la performance. Il est important de connaître les limites précises de l'instrument, ainsi que le type de son qu'il peut produire dans sa plage de tons lorsque vous écrivez la partie..
Pointe: C'est une bonne idée de disposer d'une sorte de dictionnaire d'orchestration pouvant donner des plages et décrire les caractéristiques de base de l'instrument. Il y a un nombre. Mon préféré est 'The Essential Dictionary of Orchestration' de Dave Black et Tom Gerou. Ceci est peu coûteux, sans chichis et aussi en format de poche; il est donc facile à transporter.
J'ai travaillé avec tout ce qui précède dans mon propre studio, des violonistes jouant dans un style «celtique» et avec une approche plus classique, flûte de jazz et flûte classique. J'ai aussi enregistré plusieurs fois la harpe celtique, mais une harpe orchestrale une seule fois. A cette occasion, j'étais très inquiet de savoir si l'instrument allait vraiment s'intégrer dans mon studio, qui a un plafond assez bas..
Lorsque la joueuse est arrivée, elle m'a surpris en refusant de me permettre de l'aider à décharger l'instrument de son break. (De toute évidence, elle pensait au coût de l’instrument et à mon manque d’expérience dans la réalisation de celui-ci!) Elle a rapidement fabriqué un chariot adapté à cet usage, quelque part dans le véhicule. Je suis heureux de dire que la hauteur de l'instrument a effacé la hauteur de mon studio… mais seulement d'environ deux pouces!
Voici un exemple de la sonorité de la harpe celtique. Ceci est tiré d'une introduction de la chanson.
En termes généraux, l’utilisation d’un microphone à condensateur de qualité raisonnable devrait produire des résultats acceptables. Un microphone à condensateur à large diaphragme comme un AKG C414 ou un Neumann U87 serait un choix professionnel typique pour une telle situation, mais de nombreuses autres options sont également possibles..
Le placement du microphone est crucial. En général, il est préférable de placer le microphone assez près de l'instrument, afin de réduire le bruit ambiant dans la pièce. Voir le tableau ci-dessous.
Le son ambiant naturel de la pièce deviendra de plus en plus apparent lorsqu'un microphone est placé plus loin de la source sonore. En fait, le niveau sonore diminue d’un facteur de 6 dB lorsque la distance double, ce qui est assez.
La quantité de son direct par rapport au son de la pièce peut être contrôlée à la fois par la distance du microphone à la source du son et, dans une moindre mesure, par la polarité du microphone (cardioïde ou omnidirectionnel)..
Serez-vous en train de prendre l'instrument en mono? Ma préférence serait d’enregistrer tous ces instruments sur une piste mono avec une seule source de microphone, à l’exception de la harpe, qui pourrait tirer parti d’une paire de microphones stéréo installée à une faible distance..
Voici un tableau qui donne des conseils spécifiques et des suggestions de microphones:
En pratique, il me semble souvent que je me retrouve debout à côté du joueur pendant qu'il se réchauffe, en essayant d'écouter le point "doux" où le son de l'instrument est le plus efficace. C’est l’endroit où votre microphone doit être concentré et c’est là que vous devriez chercher à l’installer. Cependant, vérifiez également que le lecteur ne gêne pas sa vision de la musique. Les violonistes et violoncellistes auront besoin d'espace pour incliner leurs instruments.
Avec la flûte, j'ai remarqué que le son peut varier beaucoup selon la position de votre microphone. Trop près de l'embout buccal et vous risquez de vous retrouver trop mélangé avec le son, mais trop près des touches et le son commence à devenir dominé par le cliquetis des doigts sur les claviers. C'est assez surprenant de voir comment un bon microphone captera le plus petit son, aussi négligeable qu'on puisse le penser à ce moment-là.
Un peu de distance de l'instrument finit souvent par être l'option la plus sûre, surtout si vous envisagez d'utiliser une compression plus tard, car cela soulèvera un peu le bruit de fond. Les erreurs sont faciles à commettre et j’ai certainement été surpris par le passé; et me suis retrouvé à l'écoute plus tard pour prendre des prises avec le bruit étrange ou deux qui ne devraient pas être là, longtemps après que le joueur a disparu!
La harpe est unique en ce sens qu'elle comporte 47 cordes organisées de manière non chromatique. Le joueur joue à l'aide d'un jeu de pédales disposées de manière à ce que les deux pieds à la base de l'instrument changent l'accordage de ces cordes..
La plupart des harpistes qui enregistrent régulièrement ont des feutres supplémentaires pour amortir ces pédales, qui pourraient autrement produire un son assez maladroit! Il est généralement préférable de placer une paire de microphones stéréo à une certaine distance de l’instrument, afin d’éviter les bruits de pédale indésirables et les bruits de doigt sur les cordes..
Dans le prochain article, j'examinerai comment enregistrer des instruments de jazz, ce qui nécessite une approche totalement différente. Nous examinerons également d'autres problèmes techniques vitaux, tels que la configuration d'un excellent mixage de casques et l'utilisation appropriée de la compression et de la correction du réglage..
Accentsconagua