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Que vous soyez un humoriste ou un musicien, savoir improviser est un métier essentiel. Bien que cet article ne vous apprenne pas à «improviser», il vous donnera un aperçu du processus de réflexion qui s’y cache et des outils dont vous aurez besoin pour commencer..
En termes musicaux, le terme «improvisation» consiste à interpréter ou à composer de la musique en temps réel, à la volée, à l’improviste, à l’abri ou sous une autre forme. Fondamentalement, vous inventez au fur et à mesure! Cela peut inclure la création de nouvelles idées musicales ou une nouvelle interprétation d'une mélodie ou d'une composition existante. L’important, c’est que ce n’est pas préconçu, mais découle naturellement de vous lorsque vous jouez dans la direction que vous souhaitez.
La chose amusante est que nous sommes tous des improvisateurs! Chaque personne sur la planète invente cela au fur et à mesure. Notre capacité à résoudre des problèmes, à prendre des décisions rapidement et à les mettre en œuvre, à intellectualiser des pensées et des résumés et à les transformer en objets et scénarios concrets en temps réel est ce qui fait de nous une espèce si performante. Ces processus mentaux et émotionnels que nous vivons quotidiennement sont également au cœur de l’improvisation..
Maintenant, l’improvisation est généralement associée au jazz et au blues, mais la vérité est que si vous jouez une musique construite de manière rigide et préformée «exactement» de la même manière jusqu’au moindre détail, votre improvisation!
L’important dans l’improvisation, c’est que tout le monde peut le faire, il n’est pas nécessaire d’avoir un diplôme en jazz ni d’être un prodige de la musique. C'est amusant et une partie essentielle de ce qui vous va bien, vous! C'est évidemment un sujet énorme et je ne peux pas tout couvrir en un seul article, mais je peux expliquer certains concepts fondamentaux et processus de pensée qui sous-tendent une bonne improvisation, le plus utile étant les parallèles entre langage et musique..
Maintenant, l'improvisation n'est pas pour tout le monde. Certains musiciens n'improvisent jamais et pour d'autres, c'est le Saint Graal et la poursuite de leur vie pour la perfection de leur forme artistique. Les musiciens classiques sont un bon exemple de non-improvisateur. Maintenant, je sais que c'est une généralisation radicale, mais pour la plupart, c'est vrai. Cela tient en partie au fait que la musique classique n’est pas un sport improvisé, elle a des règles et des traditions strictes et est lue sur papier. Imaginez un orchestre de 60 musiciens dans une pièce et le chef d'orchestre dit: «Bon, on va jouer à C!» Catastrophe!!
Il y a évidemment des exceptions et je connais beaucoup d'étonnants joueurs classiques qui improvisent très bien. Cela est dû au fait qu'ils ont des intérêts musicaux en dehors de la musique classique, généralement du jazz..
Prenez Gabriela Montero. Cette femme a un talent surnaturel. Elle a apparemment la capacité d'improviser n'importe quelle mélodie qui lui est présentée au hasard. Dans son enfance, son professeur de piano classique décourageait activement ses talents d'improvisatrice en qualifiant ses talents d '"inutiles". Elle était tellement bouleversée par cela qu'elle a cessé de jouer pendant des années. Heureusement pour nous, elle a recommencé et a combiné sa formation classique avec son amour de l'improvisation. Jetez un coup d'œil à son interprétation du célèbre morceau de guitare «Asturias». L'esprit se pliant!!!
Maintenant, d'habitude, la première chose à laquelle vous pensez quand vous entendez le mot improvisation est plus long: solos de guitare indulgents, expériences de forme libre Jazz Tuba de 45 minutes, et intellectuels portant des pulls à col noir polissant égratignant leurs barbichettes! Dire que je suis allé une fois à un concert où le soutien était un gars jouant un pneu de voiture avec une ponceuse électrique pendant une demi-heure! Il portait un cou noir polaire !! La vérité est que l’écriture d’une chanson est une forme d’improvisation, que vous inventez au fur et à mesure, en créant quelque chose de nouveau qui n’existait pas auparavant. Cette création brute est ensuite ajustée, arrangée, produite et présentée au monde comme une pièce finie..
Comment cette idée initiale se produit-elle? D'où est ce que ça vient? Plus important encore, quand pouvons-nous l'exploiter et le transformer en quelque chose de significatif pour l'auditeur lorsqu'il se produit? Lors de l'improvisation, ce processus se produit constamment. De nouvelles idées et histoires musicales sont nées, jouées, embellies, reformulées et abandonnées au profit d’autres encore meilleures à un rythme alarmant. Parfois, nous racontons une vieille histoire d'une nouvelle manière excitante.
L'improvisation se retrouve dans la plupart des cultures, sinon toutes. Il se présente généralement sous la forme de formes musicales traditionnelles transmises de génération en génération, constamment réinterprétées et improvisées par la nouvelle génération de musiciens..
Le blues en est un bon exemple. La "forme de barre" est très simple dans son concept, mais harmonieusement très complexe en même temps. Les mêmes trois accords et gammes simples (pentatoniques) ont été utilisés comme base pour ce qui semble être une quantité infinie de variations mélodiques et d'improvisations. Il en va de même pour les «Ragas», qui sont une forme musicale indienne. Bien entendu, ce qui rend ces variations de "framework" uniques, ce sont les personnalités et le talent des interprètes..
L'improvisation ne se limite pas aux instruments classiques et peut être utilisée par un ou plusieurs ensembles de musiciens et de concepteurs sonores consentants. Les gadgets électroniques et les instruments préparés ont toujours été une grande source d’expérimentation et d’improvisation..
Un concept intéressant est l'improvisation composée. C’est là que la musique est écrite et notée de telle sorte qu’elle soit laissée à l’interprétation des musiciens. Ci-dessous, l'image d'un morceau de Joe Pignato. La pièce est décrite comme "une structure graphique pour un nombre quelconque d'improvisateurs". Comme vous pouvez le constater, il n’existe pas de notes écrites, mais uniquement une chronologie et une indication de l’emplacement du son dans le spectre de fréquences..
notations21.net
La chose intéressante est que bien que la pièce ait une structure, il est impossible qu’elle ait la même sonorité deux fois. Voyant qu'il n'y a aucune indication de ce que les sons doivent jouer, les musiciens improviseraient simplement et prendraient des décisions en fonction de ce qui, selon eux, fonctionnerait de manière sonore..
Lorsque vous vous rendez dans un pays étranger, il y a deux choses que vous trouverez déroutant. Géographie et langue. Ce sont également les deux principaux obstacles à l’expression d’un instrument quand on improvise..
Commençons par la géographie. Savoir où se trouvent les notes sur votre instrument est aussi important que de savoir où trouver de la nourriture et de l’eau dans un endroit inconnu. Pour tout musicien, apprendre la géographie de votre instrument est une nécessité fondamentale. Après avoir enseigné dans un grand institut de guitare (et y avoir assisté), la première chose que vous remarquez, ce sont les étudiants qui se sentent dépassés simplement parce qu’ils ne savent pas où se trouvent les notes. En tant qu’enseignant, il est de votre devoir d’essayer de les mettre au diapason. Pour certains, cela peut se révéler trop..
Pouvoir visualiser les notes avant de les jouer (peu importe que vous jouiez du Gamelan ou du Stylophone) à la fois mentalement et physiquement, tout en les associant théoriquement à une situation musicale (l'harmonie, c.-à-d. Les accords, la clé) est «utile», Mets ça doucement! Ces jeux d’outils visuels prennent généralement la forme de formes, de motifs, de doigtés, etc. Vous ne serez probablement jamais en train de dire les notes réelles dans votre tête lorsque vous les jouez, mais en plaçant inconsciemment vos mains, vos bâtons, votre ponceuse électrique à l’endroit de votre choix. faites le son que vous voulez entendre. Dire que si quelqu'un appelle des accords tels que G7, F13 et C9 et que vous ne savez pas où se trouvent ces notes, laissez les 7 et 13, ces outils ne vous feront pas beaucoup de bien car vous n'aurez aucun point de référence. Un peu comme utiliser un Sextant "à l'intérieur d'un navire".
Dire que vous pouvez être réconforté par ces mots. "Votre seul demi-ton loin d'une note juste".
Cela nous amène à la langue, et la musique est une langue! Voici le problème: lorsque vous parlez, vous utilisez la langue pour transmettre une idée à quelqu'un. Vous ne pensez pas consciemment à la façon dont les mots sont épelés, à la ponctuation ou au nombre de noms et d'adjectifs que vous utilisez, vous le dites simplement. En effet, depuis que vous êtes assez vieux pour parler, vous avez construit un vocabulaire de mots et d'expressions et conversé avec des gens tous les jours. C'est juste naturel.
C'est exactement ce qui se passe quand on joue d'un instrument. Plus vous apprenez, jouez et mettez en pratique, plus votre vocabulaire musical est volumineux, jusqu'à ce qu'un jour, vous n'ayez plus besoin d'analyser la langue pour transmettre l'idée. Ça coule naturellement. Un vocabulaire musical consiste en une connaissance des gammes, des intervalles, des accords, des phrases, des styles, des techniques, des sensations, le timing, la dynamique, le ton etc. Vous les appliquez ensuite à la présentation d'une idée musicale de la même manière que vous appliquez des variations de timing , ton et dynamique du langage parlé, en utilisant votre voix pour améliorer le message que vous transmettez. Simple!
Les similitudes entre la musique et la langue parlée continuent encore et encore. Être un bon auditeur est important, la capacité à détecter les changements d'harmonie et de dynamique et à y réagir rapidement est essentielle. Une oreille attentive vous servira bien. Vous avez également savoir quand garder votre bouche fermée aussi!
Lecture du langage corporel. Une quantité incroyable d'informations est transmise lorsque nous parlons à travers le langage corporel. Garder un oeil sur et regarder les autres musiciens est également très important. Si un batteur hoche la tête, cela peut vouloir dire deux choses. Soit, observez la blonde au premier rang ou préparez-vous à quelque chose qui se passera musicalement. D'habitude c'est l'ancien si!
Enfin, le timing ou la ponctuation. Vous ne (comment puis-je dire cela) vomissez une histoire sur l'auditeur à 100 miles à l'heure sans prendre une respiration. Vous vous rythmez. Vous ajoutez des pauses, de la dynamique et embellissez les idées clés pour attirer l'auditeur afin qu'il entende l'histoire jusqu'à la fin! Il en va de même pour l'improvisation et la composition. Le point le plus important ici est probablement l’histoire, ou l’idée que vous voulez transmettre. Le vocabulaire n'est que l'outil utilisé pour communiquer l'idée!
Vous n'avez pas besoin de lire ou d'écrire physiquement de la musique sur papier pour être un bon musicien ou un bon improvisateur. C'est une bonne compétence à avoir cependant. À tout le moins, vous devriez être capable de comprendre et de communiquer les conventions de dénomination associées aux accords et aux gammes et de pouvoir les appliquer à l'instrument. Voici une conversation pour expliquer mon point.
Vous: "Hé, j'ai cette recette (chanson) et il a besoin de cet ingrédient (accord), pouvez-vous me la chercher à la boutique? (Jouez-la)"
Moi: "Bien sûr, quel est cet ingrédient (accord) appelé?"
Vous: "Je ne suis pas sûr."
Moi: "Peux-tu le décrire?"
Vous: "Je vais essayer. (Cherche une note 'C'). C'est jaune."
Moi: "Est-ce une banane? (Ut majeur?)"
Toi non."
Moi: "Est-ce un melon (C 7)?"
Vous: "Non, c'est un peu acide (une mineure en 3ème peut-être?) Mais douce aussi (une 9e?)."
Moi: "Est-ce un citron (C min 9)?"
Vous: "Non, en fait c'est plus sucré que acide!"
Moi: "Est-ce un pamplemousse? (C7 n ° 9)"
Vous: "Ouais mec, c'est ça"
Moi: "Es-tu drogué?"
Comme vous le voyez, vous perdrez beaucoup de temps à expliquer un concept musical si vous ne connaissez pas la langue. Un bon producteur sera généralement issu d'un milieu musical et saura parler le jargon avec des musiciens. Dans un environnement de production, vous ne pouvez pas dire à un musicien de sonner plus "aubergine" et de s'attendre à ce qu'il comprenne ce que vous voulez dire. Dans une situation de brouillage, vous ne pouvez pas pointer du doigt une frette et attendre du claviste qu'il comprenne ce que vous voulez dire, car il n’a pas de frette. Etc.
Lorsque vous utilisez le langage écrit de la musique (sur papier), vous devez être beaucoup plus conscient de l'orthographe (noms de notes / accords), de la ponctuation (timing / dynamique) et de la grammaire (phrasé), car vous essayez de communiquer l'idée de manière visuelle. à quelqu'un peut-être de l'autre côté du monde sans le dire. Si vous l'orthographiez mal, le lecteur ne pourra pas le comprendre ou interprétera vos idées de manière erronée. De même, si je vous présente un simple tableau d'accords en studio et vous demande de faire une partie basée sur ces accords, pouvez-vous identifier instantanément ce que vous voyez comme un son musical? Voici un exemple de graphique.
Pouvez-vous entendre les accords? Pouvez-vous voir les formes d'accord? Et si je les veux un octave plus haut? Quelles sont les notes les plus importantes dans chaque accord? Quelle gamme va avec chaque accord? Tant de questions! Dans de nombreuses situations de session / concert, la possibilité de créer des parties à partir d'un graphique à la volée est une pratique courante. Parfois, il n’ya même pas de tableau. Vous devez donc régler rapidement les accords lorsque vous écoutez et créer une partie adaptée au style de la musique..
Fondamentalement, si vous voulez sortir dans «Musicland», vous feriez mieux d'apprendre la langue!
Lorsque vous commencez à jouer d'un instrument, la première chose à faire est de trouver ce qui vous a incité à le prendre. Pour les guitaristes, ça riffs et licks, pour les batteurs un battement préféré. En fait, vous passerez la majeure partie de votre temps en tant que débutant à travailler sur du matériel appartenant à d’autres peuples. C'est probablement la meilleure façon d'apprendre. Le problème est que, à un moment donné, vous arrivez à un point où tout ce que vous pouvez jouer est de lécher les autres peuples. Et quand vous vous retrouvez coincé, il vous suffit de répéter tous ces coups de langue et de vous essouffler rapidement..
Cela arrive souvent avec les guitaristes qui apprennent tout de TAB. Il arrive à un point où ils sont incapables de penser par eux-mêmes, ils tombent dans le piège d'apprendre des phrases avancées par cœur au lieu d'apprendre la théorie et les techniques de base qui les sous-tendent. La première chose qu'un élève demandera quand vous leur montrerez un coup de langue est: "Pouvez-vous m'inspirer de ça pour moi?". Ma réponse est généralement: «Non, je vais plutôt expliquer comment je l’ai imaginé, de quelle ampleur il vient, les techniques qu’il utilise et son rapport avec les accords. Ainsi, vous aurez la possibilité de loin et faire vos propres lèche pour le reste de votre vie ".
L'un des meilleurs conseils que je puisse vous donner est de trouver un bon enseignant et d'apprendre à l'oreille. Le processus de formation auditive et de transcription de la musique est terriblement lent, mais les avantages sont énormes. En plus de la théorie et de la technique enseignées par un bon enseignant, le travail à l'oreille deviendra beaucoup plus facile. L'avantage est que l'identification des gammes, des accords et des phrases à l'oreille est essentielle à l'improvisation. Vous vous souviendrez également de quelque chose pour lequel vous avez travaillé fort mieux que de quelque chose qui est gratuit. Si vous essayez de travailler sur un solo et que vous pouvez déterminer quelle note il contient, quels sont les accords et quelles gammes (et positions) sont utilisés avec le son des techniques par 'l'oreille' à mi-chemin!!
L'improvisation est une forme d'art, pas de question. Cela peut prendre beaucoup, beaucoup de temps pour bien réussir. Même si vous jouez depuis plusieurs années, certains jours seront bons et d'autres mauvais. Quel que soit l'instrument, l'objet ou le logiciel que vous jouez, apprendre à improviser est un excellent moyen de s'amuser et de s'améliorer en tant que musicien. Cela vous aidera à sortir des situations délicates et vous en apprendrez toujours quelque chose. Si vous voulez juste jouer avec vos amis, vous aurez probablement besoin seulement d'une compréhension de base des accords et de quelques gammes de bête de somme, comme la Pentatonique et la Majeure / Mineure, etc. Si vous souhaitez aller plus loin, il vous reste toute une vie d'étude. Quoi qu'il en soit, amusez-vous avec elle et soyez créatif!
Votre cerveau est une machine rapide, un peu comme un méga processeur Intel Xeon 100 000 GHz à 10 000 GHz (bien que les performances puissent varier sur certains modèles). Avec la bonne programmation, votre cerveau est capable de créer des sons, des mélodies, des harmonies et des rythmes nouveaux et excitants, le tout en temps réel! Sans les outils pour capturer ces événements improvisés uniques, ils disparaîtront dans l'éther sans laisser de traces et ne plus jamais être entendus, ne vivant que dans la mémoire de ceux qui les ont vus. Ce processus musical se produit partout dans le monde, en ce moment même où vous lisez ceci. Et fera jusqu'à la fin des temps!
Accentsconagua