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Dans l'esprit de nombreux musiciens, la production musicale est soit une sorte de magie, soit un lit superposé. S'il est vrai que l'une ou l'autre est une possibilité, le travail d'un producteur se résume le plus souvent à un travail difficile, à de l'expérience, à de bonnes oreilles et à une réelle idée de ce qui fait fonctionner la musique. Cette série sur la production musicale est basée sur mon nouveau livre, The Music Producer's Handbook, dans lequel je décrirai quelques techniques de production de base tout en éliminant, espérons-le, le voile de mystère du processus. Sachez que nous étudierons la relation entre un producteur et un groupe ou un artiste avec un groupe ou des musiciens de studio. Nous aborderons l'autoproduction plus tard dans la série.
La pré-production est le moment où toutes les chansons et arrangements sont élaborés et affinés avant d'entrer en studio pour enregistrer. Elle peut avoir lieu dans un garage, une chambre ou une salle de répétition et peut durer de quelques jours à quelques mois..
Un long programme de préproduction est généralement une fonction du travail avec des artistes ou des groupes qui écrivent leurs propres chansons et qui sont au début de leur carrière, car les chansons et les arrangements nécessitent parfois de nombreux ajustements. Les artistes et les groupes plus tardifs ont généralement un sens plus aigu de l'arrangement et de l'exécution musicale et sont devenus suffisamment sophistiqués sur le plan musical pour réduire au minimum la phase de préproduction..
Il n’ya pratiquement aucune préproduction de films publicitaires ou de partitions de télévision ou de films puisque le compositeur a l’arrangement assez bien préparé à l’avance et que les musiciens sont assez habiles pour l’apprendre ou le lire sur le champ..
Si le temps le permet, la préproduction est divisée en trois sections: avant, pendant et après les répétitions. Chacun joue un rôle majeur dans le processus de préparation de l'artiste ou du groupe pour l'enregistrement proprement dit..
Avant le début de la première répétition, le producteur prendra généralement le temps de connaître l’artiste ou le groupe, et vice-versa, s’ils ne se connaissent pas déjà bien. Il faut qu'il y ait une période où un rapport et un niveau de confort sont développés pour que tout se passe bien en studio, et la pré-production est le moment où cela se produit..
L'un des aspects les plus importants de la connaissance d'un artiste est d'apprendre quelle est la musique qu'elle aime, qui a été influencée et qu'il écoute maintenant. Un moyen efficace de le faire trouve ses racines dans l’époque des albums de disques vinyles, lorsque le producteur se présentait chez l’artiste et lui demandait de lancer une série d’albums de sa collection, puis de décrire ce qu’ils aimaient et ne faisaient pas. t aime à propos de chacun d'eux. Vous pouvez toujours faire la même chose avec des CD, ou utiliser un téléphone, un iPod ou une liste de lecture iTunes (sans lancer, bien sûr). Parmi les questions à poser, on peut citer:
Qu'aimez-vous ou n'aimez-vous pas de l'artiste que vous écoutez? Pourquoi?
Aimez-vous le son de l'enregistrement? Pourquoi?
Quels enregistrements aimez-vous le son? Pourquoi?
Quels sont certains de vos disques préférés? Pourquoi?
Quelles sont tes plus grandes influences? Pourquoi?
Qu'aimez-vous dans mon travail (le producteur - si vous avez déjà un corpus)? Pourquoi?
Ces questions permettent au producteur de comprendre les influences, les goûts et les dégoûts de l'artiste, ce qui donne au producteur une meilleure idée de ce dont l'artiste ou le groupe a besoin pour entendre leur prochain enregistrement..
Il est également important d'aller dîner ensemble, de passer du temps ensemble et de se familiariser avec certains problèmes brûlants. Par exemple, si le chanteur est très attaché à l'immigration (dans un sens ou dans l'autre) ou si l'état actuel de la politique locale ou nationale incite une quasi-émeute entre les membres du groupe, le producteur sait alors rester en dehors de ces questions pour pouvoir travailler efficacement. plus tard pendant la production. Si la petite amie du batteur vient de rompre avec lui et qu'il se sent assez déprimé, il est bon de savoir de ne pas s'approcher du sujet si vous voulez obtenir une superbe performance. D'autre part, vous obtiendrez peut-être une performance encore meilleure si le sujet est abordé. Le moment est donc venu de trouver le chemin à parcourir..
Bien que le producteur puisse s’associer à la politique de l’artiste ou du groupe, ou donner l’aide d’un grand frère à un joueur déprimé au bon moment pour faire avancer le projet, l’idée est de garder le groupe concentré sur la tâche à accomplir, ce qui fait de la bonne musique. Cela signifie qu'il faut minimiser les distractions, en particulier celles que l'on s'inflige soi-même, comme la controverse sur des sujets autres que la musique..
Un autre élément important à développer par le producteur est la définition des règles de base pour le travail en studio pendant la pré-production. Si le producteur dit d'emblée: «Nous allons travailler de midi à 21 heures tous les jours sauf si nous sommes sur une lancée, mais je vous promets que vous serez chez vous à minuit», les joueurs ont tendance à rester plus concentrés car ils savent ce qui se passe. ce qu’on attend d’eux et pour combien de temps (le temps de travail changera selon l’artiste, bien sûr). Lorsqu’une routine est préparée à l’avance, la préparation des joueurs au quotidien est très différente, même dans les endroits où ils sont plus susceptibles d’arriver à l’heure, car l’heure de début est la même tous les jours. Cela est également utile si l’un des joueurs a une famille, car cela leur permet de retrouver une vie normale tout en travaillant..
Bien sûr, si le chanteur ne peut croasser que jusqu'à 17 heures, heure à laquelle sa voix s'ouvre comme par magie à celle d'un ange, le producteur doit être suffisamment intelligent pour ne programmer aucune session vocale pendant cette période. Et cela fait partie de ce que fait la préproduction - cela permet au producteur d’apprendre les points forts et les bizarreries des joueurs afin de les exploiter au maximum lorsque cela compte..
Les règles de base vont généralement au-delà des heures de début et de fin. Les invités sont-ils les bienvenus dans le studio? Si oui, quand? Est-ce que l'alcool ou les drogues sont autorisés (ce n'est généralement pas un bon choix)? Est-ce qu'un membre du groupe doit être présent s'il ne joue pas (comme lors des overdubs)? Ce ne sont là que quelques-unes des choses à régler et le temps de le faire est pendant la pré-production.
Le vrai gros travail de préproduction se fait pendant les répétitions. Vous pouvez devenir amis avec l’artiste ou le groupe et comprendre leurs bizarreries, touches tactiles, goûts et dégoûts, mais vous devez quand même mettre la musique en forme pour pouvoir l’enregistrer, et cela ne peut se produire que pendant les répétitions. En réalité, il s’agit d’un processus en trois étapes, qui comprend les chansons, les arrangements et l’exécution de la performance. Regardons chacun.
Vous (le producteur) avez probablement écouté des démos ou enregistré des répétitions des chansons avant de commencer les répétitions, mais vous ne savez jamais quel genre de forme elles sont avant de les avoir réellement entendues, ce qui signifie spectacle ou en répétition.
Si les chansons sont bien construites, l’état de préparation des chansons à l’enregistrement dépend des arrangements et de l’exécution de ces arrangements. Si une chanson manque de forme ou est incomplète, il appartient au producteur d’aider l’écrivain à améliorer sa forme ou à en trouver une autre..
Bien que l’écriture de chanson soit en soi un processus trop complexe pour couvrir en profondeur ce post, voici quelques problèmes d’écriture de chansons courants à surveiller:
Pas de focus - Cela signifie que la chanson serpente d’accord en accord sans structure apparente et sans distinction claire entre les sections. Ceci est le résultat de ne pas affiner suffisamment (ou pas du tout) la chanson et de penser qu'elle est finie bien avant l'heure. Parfois, il y a vraiment une chanson là-dedans si vous la décollez un peu, mais en général, le seul moyen de la corriger est de revenir à la planche à dessin pour une réécriture majeure..
Un choeur faible - Un choeur intéressant est généralement différent du couplet. Ce peut être seulement un peu différent, comme ajouter des voix de fond ou un autre instrument, ou un accent ou une anticipation aux mêmes accords et mélodie (comme celui de Michael Jackson). Ne vous arrêtez pas jusqu'à en avoir assez avec la garniture de cordes et corne, ou Coldplay Les horloges avec un retour du riff d’ouverture). Ou ce sera très différent, comme un ensemble différent de changements d’accord ou de mélodie combinés avec des changements d’arrangement comme vertige par U2. D'une manière ou d'une autre, quelque chose doit changer dans le choeur pour soulever l'énergie et garder la chanson mémorable.
Pas de pont - Dans l’écriture d’une chanson, un pont est un interlude qui relie deux parties de la chanson, en créant une connexion harmonique entre ces parties en augmentant ou en diminuant la tension. Un pont est important car il fournit une qualité de base dans toutes les formes d’art - tension et relâchement (musique allant de fort à calme ou fort à fort, peinture de sombre à clair, en photographie, lumière à ombre, etc.), pour garder les choses intéressantes. Presque toutes les grandes chansons ont un pont, mais il y a des exceptions occasionnelles. Les chansons basées sur le blues droit à 12 mesures n'ont souvent pas de ponts, mais peuvent utiliser une dynamique ou un arrangement pour fournir la tension et le relâchement..
Indépendamment du nombre de chansons que vous prévoyez d’enregistrer, vous souhaiterez généralement avoir une chanson en plus ou deux dans votre poche pour plusieurs raisons:
Peut-être que tout dans la session sera magique, le groupe sonnera de manière géniale et l'exécution sera si précise que vous graverez les chansons que vous voulez et qu'il vous restera encore du temps. Cela n'arrive presque jamais, mais si c'est le cas, il est agréable de pouvoir tirer parti de la série chaude et de préparer une chanson en plus ou deux..
Une des chansons ne sonne pas très bien, peu importe ce que vous faites. La sensation n'est pas correcte, le groove a disparu, la température est dépassée - cela se produit, il est donc préférable de passer à autre chose, ce qui ne peut se produire que si vous avez préparé quelque chose de plus.
À certains égards, il est plus facile de se renseigner sur les arrangements en examinant ce qui en fait un mauvais en premier. Peu importe le type de musique, du rock au country en passant par le goth, du rock à la musique extraterrestre, vous voulez que la chanson soit intéressante pour votre public, alors faites attention aux éléments suivants:
Sections trop longues - À moins d'être extrêmement accompli ou de faire un style de musique où cela ne s'applique pas, l'idée est de garder toutes les parties intéressantes et pertinentes. Les intros de deux minutes, les solos de guitare de trois minutes et les sorties de cinq minutes sont presque toujours ennuyeux. toujours Mieux vaut avoir une section trop courte que trop longue. Il y a des exceptions (le classique de Lynard Skynard Oiseau libre, avec ses légers changements d’arrangement, des coups de pied et des accents tous les 16 mesures, ça me vient à l’esprit), mais il faut généralement beaucoup de talent pour arranger ça..
Aucun crochet Intro / Outro - Si nous parlons de musique populaire moderne (pas de jazz ou de classique), la plupart des chansons ont une ligne instrumentale (ou hook) que vous entendrez au début de la chanson, peut-être encore dans le refrain, et à tout moment. l'intro se répète dans la chanson. Un bon exemple serait le riff de guitare d'ouverture du Stone la satisfaction ou le piano dans Coldplay Les horloges. Le développement des hameçons intro / outro est l’un des emplois majeurs auquel le producteur est toujours confronté.
Des instruments qui s'affrontent - Si trop d'instruments jouent dans la même gamme de fréquences, ils s'affronteront. Cela se voit généralement lorsque deux guitaristes jouent sur des supports similaires (ils ont tous les deux Strats et Marshalls, par exemple), mais peuvent se produire entre deux instruments quelconques. Il incombe au producteur de changer de registre, de changer de partie, de changer de ligne ou de changer le son pour que tout se passe bien..
Chansons hors de portée pour le chanteur - Regardons les choses en face, certaines chansons écrites à la guitare et pour la guitare sonnent simplement mieux, qu’elles soient interprétées en A ou en E., mais cela ne signifie pas que le chanteur peut réellement les chanter avec ces touches. C’est au producteur de s’assurer que la chanson est dans la tonalité qui fait briller la chanteuse, sans toutefois priver la chanson de son essence ou de son son (parfois un défi de taille).
Vous pouvez avoir de bonnes chansons et de très bons arrangements, mais si vous ne pouvez pas exécuter la performance, cela ne sonnera toujours pas. Il est inévitable que le producteur soit confronté au problème «Pourquoi cette chanson (ou une partie de celle-ci) ne sonne-t-elle pas correctement?». Peut-être que ça va être agréable à la fois et pas aussi bien l’un après l’autre. Peut-être que ça sonne bien sauf pour une section. Peut-être que ça n'a jamais sonné bien, mais vous pensez que la chanson a quelque chose de spécial et que vous êtes prêt à passer du temps à le faire.
Bien que la musique soit construite autour de la valeur insaisissable de «toucher», ce qui peut être très difficile à définir, certains mécanismes déterminent le degré de précision de la lecture de la musique et, à défaut d'un meilleur terme, son «gros» son. Ces principes s’appliquent à tout type de musique, de la fanfare, au deep house, au reggaeton, en passant par le speed metal, les principes sont les mêmes. Si quelque chose ne sonne pas «bien», c'est probablement dû à l'un des problèmes suivants:.
Jouer avec la dynamique signifie jouer avec moins d'intensité à certains endroits d'une chanson et plus fort ou plus d'intensité à d'autres endroits. La plupart des jeunes groupes sont inconscients de la dynamique et jouent sur un seul volume tout au long de la chanson (ou de toutes les chansons, d'ailleurs), ce qui peut vite devenir ennuyeux pour l'auditeur. Si le groupe joue la chanson de manière dynamique, la chanson respire en termes de volume. Passer de fort en silence ou encore plus bas à fort est un autre exemple de «tension et de libération».
Le vrai secret pour jouer de manière dynamique est la suivante: Lorsque vous jouez fort, jouez le plus fort possible, et lorsque vous jouez doucement, jouez aussi doucement que possible, puis recherchez un troisième niveau entre les deux.!
Pour un très bon exemple de dynamique, écoutez Sent comme l'esprit d'équipe de Nirvana où les vers sont calmes, les pré-choeurs sont plus forts et les choeurs rugissent.
Le chronométrage comporte trois parties qui, si elles ne sont pas exécutées de la même manière par chaque membre du groupe, rendent le morceau insondable: le début et l’arrêt du morceau, le groove, les attaques et les sorties. Regardons chacun.
Chant commence et s'arrête (début et fin) - Vous pouvez appeler le début et la fin d'une chanson «débuts et fins», à l'exception du fait qu'il y a parfois des arrêts et des départs au milieu d'une chanson. Le truc ici est de s’assurer que tout le monde commence et arrête la chanson en même temps. Ceux-ci ne peuvent pas être laissés pour plus tard, ou traités avec une attitude "Ce sera mieux en studio". Répétez chaque départ et chaque arrêt jusqu'à ce que tout le monde soit enfermé et le sache sur le bout des doigts! Si le son ne retentit toujours pas après cinq ou six tentatives, demandez à chaque membre du groupe: «Comment jouez-vous? Comme c'est le cas avec la plupart des choses qui ne sont pas étroitement liées, il y a au moins un joueur qui joue peut-être différemment des autres. Peu importe la façon dont la chanson commence ou se termine, tout le monde doit la jouer de la même manière - sans exception.
Le groove - TOUTES les bonnes musiques, qu’il s’agisse de rock, de jazz, de musique classique, de rap ou de nouvelles musiques de l’espace que nous n’avons pas encore entendues, ont un groove puissant. Vous entendez toujours parler de «groove», mais de quoi s'agit-il??
Le groove est le pouls de la chanson et comment les instruments respirent dynamiquement avec elle.
Une idée fausse commune d’un groove est qu’il doit avoir un temps parfait, mais un sillon est créé par la tension contre le temps égal. Cela signifie qu'il ne doit pas être parfait, juste même, et toutes les performances ne doivent pas nécessairement avoir le même niveau d’égalité. En fait, cela rend le groove raide s'il est trop parfait. C’est pourquoi la quantification des parties et l’alignement de chaque hit d’une station de travail lors de l’enregistrement prennent souvent la vie d’une chanson. C'est trop parfait parce qu'il n'y a pas de tension. Il a perdu son groove.
Faire sonner la section rythmique avec le reste du groupe est beaucoup plus difficile que vous ne le pensez puisque les guitaristes n'écoutent pas toujours le batteur, un claviériste peut avoir du temps métronomique tout en ayant du mal à coordonner sa main gauche avec la le bassiste et les chanteurs oublieront souvent qu’il ya un groupe qui joue derrière eux. La clé est que tous les membres du groupe s'écoutent les uns les autres!
Attaques et rejets - Les attaques et les libérations (parfois appelées «articulations») sont l’un des éléments les plus négligés, mais les plus importants, dans le jeu simultané. Les attaques et les libérations font généralement référence à une phrase que vous jouez ou chantez. La partie attaque est facile - tout le monde commence à jouer ou à chanter exactement au même moment de la même manière. Les rejets sont ce qui est négligé. Une version est la façon dont vous terminez une phrase et est aussi important que la façon dont vous le démarrez. Encore une fois, tout le monde doit jouer exactement de la même manière.
Le renversement d'une section à l'autre, comme une ou deux mesures entre le couplet et le refrain, le refrain et le couplet, le couplet et l'outro, le refrain et le pont, etc., est souvent négligé. se concentrer car il est généralement joué un peu différemment du reste de la section. Pour le batteur, il s’agit généralement d’un roulement de tom ou de caisse claire dans la section suivante, mais à moins qu’il s’agisse d’une construction, la plupart des joueurs non expérimentés en enregistrement joueront parfois quelque chose au hasard. Cela ne fonctionnera pas car vous constaterez qu'un retournement nécessite une ligne précise qui doit être jouée pour rester serré avec la batterie.
Chaque chanson a besoin du tempo parfait pour chanter. L'une des choses que nous découvrons très tôt en enregistrant des disques, c'est qu'un simple BPM (battement par minute) peut faire toute la différence dans le rendu d'une chanson. Juste un peu lent et la chanson semble traîner; un peu rapide et il se sent mal à l'aise ou devient difficile à jouer. Par conséquent, il est très important d’établir le BPM idéal de la chanson avant de l’enregistrer..
Même si les répétitions de préproduction semblent bien se dérouler, il est très important de réaliser un enregistrement de démo de préproduction, de préférence ailleurs que sur votre espace de répétition, car vous ne savez jamais vraiment ce que le joueur joue tant qu'il n'a pas été enregistré. De plus, il est important de sortir le groupe de son environnement de répétition sûr et confortable pour qu'il sache que lorsque les choses sonnent différemment dans un nouvel environnement (comme elles le feront), ce n'est pas nécessairement une chose négative..
La démo de préproduction ne doit pas forcément être chère ni prendre beaucoup de temps. En fait, le moins cher et le plus rapide, mieux c'est. Ce que vous essayez d’apprendre, c’est de savoir si tout le monde joue bien ensemble et si les arrangements et la structure des chansons fonctionnent, alors il suffit de quelques passages de chaque chanson au maximum, sauf s’il ya un accident de train majeur. Les erreurs de performance sont acceptables, tant que vous pouvez entendre la forme complète de la chanson et ne vous inquiétez pas des overdubs ou des superpositions, à l'exception d'un survol rapide pour vérifier une idée. La perfection n’est pas l’objectif de la démo, mais des informations sur la structure, l’arrangement et les différentes parties du morceau sont disponibles..
Après l’écoute de l’enregistrement (même juste pour la lecture pendant l’enregistrement), vous devez voir ce qui doit être corrigé ou amélioré, ce qui devrait avoir lieu à un autre cycle de répétitions. Cela aidera également les joueurs à entendre ce qu'ils jouent contre tous les autres. Il n’est pas rare d’entendre des commentaires du genre "Je ne savais pas que tu le jouais comme ça" pendant un playback.
L'idée derrière tout cela est de réduire les parties afin que l'enregistrement réel se fasse efficacement sans surprises et que les joueurs n'aient plus qu'à se concentrer sur leurs performances au lieu d'avoir à apprendre de nouvelles parties. Bien souvent, lorsqu'un joueur apprend la nouvelle partie du studio, sa performance a tellement souffert qu'il faut une session supplémentaire pour capturer une superbe performance. On espère que la préproduction élimine cette.
Dans le prochain article, nous verrons comment travailler avec un artiste ou un groupe en studio..
Accentsconagua