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sa série sur la production musicale est basée sur mon nouveau livre, The Music Producer's Handbook, dans lequel je décrirai quelques techniques de production de base tout en expliquant, je l'espère, quelques détails sur le processus qui élimine le mystère. Sachez que cette partie de la série examine la relation entre un producteur et un groupe, ou un producteur avec un artiste accompagné d'un groupe de musiciens ou de musiciens de studio. Nous aborderons l'autoproduction plus tard dans la série.
Dans la troisième partie, nous examinerons l’un des éléments les plus critiques du métier de producteur: obtenir les meilleures performances de l’artiste et des musiciens..
Il est important qu'un producteur s'interface correctement avec l'artiste car le succès de tout projet dépend d'une collaboration simple et efficace. Cela dit, il est parfois difficile de choisir qui est l'artiste sur un projet..
Il est généralement assez évident de savoir qui est l'artiste (ou le chef musical d'un groupe) lorsqu'il s'agit d'un disque ou d'une démo, mais il existe de nombreux autres concerts de production musicale où l'artiste est une entité légèrement différente. Par exemple, si le jingle est une date, le compositeur ou une personne de l’agence de publicité peut être considéré comme un artiste, et s’il s’agit d’une date pour un film ou la télévision, le réalisateur, le (s) producteur (s), le ou les superviseurs de la musique , les directeurs de studio ou l’un de leurs représentants doivent également être considérés comme des artistes.
Quel que soit le type de projet, il est préférable de toujours montrer un respect amical et respectueux envers l'artiste. Lorsque vous enregistrez, vous êtes un atout précieux pour leur processus créatif et commercial et vous êtes généralement considéré au moins comme un pair et au plus comme une figure parentale ou un enseignant. Au cours de votre enregistrement dans la sphère d'activité, vous évoluez dans l'univers musical, professionnel et social de l'artiste, à mi-chemin entre un invité de marque et un partenaire de leur entreprise musicale..
Une fois qu'un artiste commence à vous faire confiance sur le plan musical, cette confiance peut également se propager à un niveau personnel. Il est facile de devenir un confident puisque le lien intime qui s’établit entre vous (le producteur) et l’artiste se développe, mais il peut être dangereux de s’approcher de trop près. Il est facile pour des problèmes personnels de gêner la musique, et bien que le producteur doive les traiter, il est facile pour le public de s’éloigner de la musique si le producteur est trop impliqué personnellement. De nombreux producteurs veillent à fixer des limites leur permettant de rester concentrés sur le travail à effectuer et à ne s'impliquer dans les affaires personnelles de l'artiste que si cela a un impact négatif sur la musique..
En ce qui concerne toutes les interactions tangentielles pouvant survenir lors d'une session, considérez toute personne associée à l'artiste (comme un conjoint, un membre de la famille, un petit ami ou une amie, un invité, un conducteur, un assistant personnel ou un membre du personnel) comme un «artiste». Bien qu'il soit facile de rejeter ces personnes comme étant sans importance pour le processus de production, les traiter à la légère peut attirer le mépris de l'artiste sur vous.!
Même si un musicien est complètement à l'aise avec son environnement, vous pouvez faire quelque chose pour l'aider à faire passer sa performance à un autre niveau. À moins qu'ils n'aient déjà beaucoup d'expérience en studio, la plupart des musiciens peuvent être très conscients de ce qu'ils jouent, surtout après avoir entendu une reproduction qui révèle des défauts dont ils ignoraient l'existence jusqu'à ce moment-là. Il est important que leur confiance ne faiblisse pas et qu'il vous incombe directement d'empêcher que cela se produise. Voici quelques astuces qui vous aideront.
L'une des choses les plus difficiles lors de la création d'un disque est d'essayer d'enregistrer un chanteur qui est mal à l'aise. Même un professionnel chevronné ne peut parfois pas faire de son mieux si les conditions ne sont pas idéales. Considérez certaines de ces suggestions avant et pendant une session vocale.
Alors que les joueurs de studio expérimentés peuvent créer une bonne piste sans guide ni «gratter», presque tous les joueurs préfèrent en avoir une contre laquelle jouer. Le guide vocal sert non seulement de repère à certaines sections de la chanson, mais ajoute au groove et à la sensation qui aide un joueur à donner le meilleur de lui-même. Un des autres avantages est que le chanteur principal peut également donner des directives et des rappels aux joueurs au fur et à mesure que la chanson avance..
Il n'y a pas de règles particulières pour un scratch vocal. Certains chanteurs ne voient pas d'inconvénient à être dans une cabine de chant tout en effectuant un scratch, mais presque tous les chanteurs veulent pouvoir voir tous les joueurs au cours d'une chanson, car ils n'aiment pas se sentir déconnectés du reste du groupe. En conséquence, de nombreux chanteurs préféreraient être dans la pièce avec les autres joueurs. La piste de grattage ne sonnera pas aussi bien dans cette situation à cause des fuites (principalement à cause des fuites de la batterie), mais si cela aide la performance du groupe et du chanteur, c'est ce que vous voulez faire..
De nombreux chanteurs, producteurs et ingénieurs peuvent prendre la voix à la légère, car elle sera refaite ultérieurement dans de meilleures conditions, mais le producteur intelligent est toujours préparé au cas où une magie impossible à reconquérir. Traitez cette voix avec sérieux, car vous ne savez jamais quand vous pourriez capturer la foudre dans une bouteille et que cela finira par être un gardien..
Il fut un temps, dans les années 70, où quelques projets à budget élevé mettaient une semaine entière juste pour obtenir le bon son de caisse claire. S'ils ont peut-être atteint le nirvana de caisse claire musical, 99,99999% des sessions doivent aller plus vite que cela et elles le devraient. Plus vous prenez du temps avant l'enregistrement, moins vous passerez réellement à l'enregistrement, car l'attention des lecteurs diminue proportionnellement au temps passé à obtenir des sons. Bien que vous souhaitiez que le son soit de la meilleure qualité possible, une piste de qualité médiocre avec une bonne ambiance est beaucoup plus utilisable qu'une piste bien enregistrée, mais musicalement périmée..
Cependant, obtenir des sons est un mal nécessaire dans l'enregistrement et il faut au moins un peu de temps pour la tâche. Un bon producteur sait quand passer à autre chose quand cela prend trop de temps et l'ingénieur essaie juste de composer les 5% finaux du son, ou sait quand continuer quand le son ne fonctionne pas vraiment.
Les bonnes pistes proviennent de la concentration du participant et du confort des joueurs. Bien que le confort environnemental soit utile, un joueur jouera ou chantera mieux quand il s’entend bien et dans les bonnes proportions par rapport aux autres joueurs ou chanteurs. C'est pourquoi le mixage des écouteurs (parfois appelé «cue») est si important.
Peut-être que le plus grand préjudice pour une session se déroulant sans heurts est l'incapacité pour les joueurs de s'entendre à l'aise dans les écouteurs. C’est l’une des raisons pour lesquelles les ingénieurs expérimentés consacrent tant de temps et d’attention au mixage de mémoires et aux téléphones eux-mêmes, au lieu de laisser un assistant le faire. En fait, les néophytes de studio sont assurés de considérer le casque et le mixage comme une réflexion après coup, au lieu de passer autant de temps que nécessaire pour obtenir un son de qualité. S'il est vrai qu'un joueur de studio expérimenté peut se débarrasser d'un mélange de téléphones défectueux ou déformé tout en offrant de belles performances, de bonnes «boîtes» permettent d'accélérer et de simplifier une session et de prendre une variable qui est probablement le plus grand désavantage d'une session. hors de l'équation.
La piste de clic, ou l'enregistrement tout en écoutant un métronome, est devenue une réalité dans la plupart des sessions de nos jours. Jouer au même tempo est non seulement plus agréable, mais cela permet également d’effectuer un montage copier-coller entre les performances d’une station de travail audio numérique. Avoir une piste basée sur un clic facilite également des choses comme le retard et la synchronisation de la réverbération lors du mixage.
Jouer à un clic peut présenter un certain nombre de problèmes, comme une fuite du clic dans les micros et le fait que certaines personnes ne peuvent tout simplement pas jouer suffisamment longtemps pour sauver leur vie. Cela étant dit, la plupart des joueurs d'aujourd'hui sont amenés à jouer avec un clic ou des boucles. Le problème consiste alors à aider le joueur à entendre le clic plus qu'autre chose..
Bien souvent, fournir un métronome au téléphone ne suffit pas. À quoi sert un clic si vous ne pouvez pas l’entendre, ou pire encore, ne pouvez pas vous en servir? Voici quelques astuces pour rendre le clic non seulement écoutable, mais aussi couper les mélanges les plus denses et ressembler aussi à un autre instrument de la piste..
Pour obtenir les meilleures performances, vous devez garder les joueurs constamment concentrés. Pour le producteur, la meilleure façon de le faire est de bien gérer la session..
Amener les joueurs dans la salle de contrôle pour écouter une lecture peut être perturbant ou utilisé pour renforcer de manière stratégique l'élan de la session. Si les joueurs écoutent une lecture après chaque prise, l’énergie ralentit au fur et à mesure que les joueurs enregistrent dans la salle de contrôle, puis se retirent par la suite. Même si les joueurs écoutent une lecture sur leur téléphone, l’élan peut être interrompu. Cela prend généralement une minute ou deux jusqu'à ce qu'ils se sentent à nouveau à l'aise, ce qui peut vous éloigner de la prise parfaite plutôt que de la rapprocher.
L'un des meilleurs moyens de faire passer votre message tout en conservant une énergie élevée est d'être sélectif lors de la lecture dans la salle de contrôle. Il est généralement préférable d'amener les joueurs pour une écoute après le premier couple et chacun est au point de se sentir à l'aise avec le son et le studio. À ce stade, ils peuvent obtenir un point de référence indiquant où ils se trouvent et où ils doivent se rendre. Ne les ramenez pas dans la salle de contrôle jusqu'à ce qu'ils aient soit ce qui pourrait être un gardien, ou si une autre écoute les aidera à jouer quelque chose de mieux. Moins de visites à la salle de contrôle contribuera à maintenir l'énergie et la dynamique à venir.
L'une des meilleures capacités à développer pour un producteur est de déterminer quand il est temps de faire une pause. Parfois, une pause de dix minutes peut injecter une nouvelle énergie dans une session de drapeau, de sorte que le producteur doit toujours garder le doigt sur le pouls des joueurs pour jauger leur concentration. Le danger est que vous appeliez une pause juste au moment où les joueurs s'embarquent et qu'il sera difficile de la récupérer après la pause, mais généralement les joueurs vous diront qu'ils veulent continuer ou qu'ils vont continuer. confirmez qu'une pause est nécessaire aussi. Il est généralement préférable de prendre une pause au moins toutes les trois heures environ, en fonction de l'état d'avancement de la session..
Les pauses-repas peuvent être dangereuses dans la mesure où elles doivent être manipulées avec précaution afin que vous puissiez remettre les joueurs dans un sillon par la suite. Si la pause est trop longue, il faudra peut-être aussi longtemps aux joueurs pour récupérer leur attention. Il en va de même si vous leur permettez de quitter le studio pour aller manger ailleurs. C'est pourquoi il est toujours préférable de faire apporter de la nourriture. L'un des plus gros problèmes à éviter est un gros repas, car une digestion normale ralentit naturellement la capacité du joueur. se concentrer ensuite. Gardez l'heure du repas courte, les portions réduites et ne laissez absolument pas d'alcool pour que tout le monde reste au frais et que la séance se déroule comme prévu.
À l'époque où la majeure partie de la musique était enregistrée dans des studios commerciaux, tout tournait autour du «lock-out» de 12 heures. Cela signifie que même si vous ne payez que 12 heures, personne ne peut utiliser le studio pour les 12 autres. l'équipement du musicien et l'équipement de la salle de contrôle peuvent rester configurés.
Avec 87% de la musique provenant de studios personnels ces jours-ci, rester en place n'est pas un problème, mais la mentalité que vous pouvez jouer aussi longtemps que vous le souhaitez peut réellement jouer lourdement sur la conscience de la session. Si vous payez pour une journée de 12 heures dans un studio commercial, il n'est pas rare de vouloir profiter de chaque minute en restant dans le studio longtemps après le point de burn-out. Cela peut être contre-productif dans l’ensemble, étant donné que l’épuisement professionnel tend à rattraper tout le monde, jour après jour, ce qui rend de plus en plus difficile la concentration et rend le temps utile de plus en plus court dans le studio. Si vous ne payez pas pour le temps, il est facile de ne pas trop penser au temps et de rester bien au-delà du travail productif.
Les professionnels du studio ont constaté qu’il était préférable de limiter la journée à 8 ou 9 heures, mais de ne pas dépasser cette limite si vous êtes vraiment proche de quelque chose de formidable et que tout le monde veut continuer, ou une échéance approche. Une des tâches principales du producteur est de détecter quand le point d’épuisement est atteint et de mettre fin à la session à ce moment-là..
L'une des évaluations les plus difficiles à réaliser pour un producteur est de savoir quand vous avez les pistes de gardien que vous devez faire un bon disque. Lors du suivi de base, l’ultime résultat est une performance sans faille avec un groove exceptionnel et une sensation agréable, mais il est très difficile d’atteindre ces trois attributs. Sachez que si vous prenez suffisamment de temps et de temps, la solution parfaite est à votre portée. Il n'est pas rare de faire des dizaines de prises jusqu'à ce que la parfaite apparaisse (le point de repère de Jimi Hendrix, All Along The Watchtower était Take # 28).
Mais il est parfois préférable de déterminer que, même si la piste n’est pas parfaite, vous en avez assez pour travailler. Pouvez-vous couper et coller plusieurs prises ensemble pour obtenir ce dont vous avez besoin? Devez-vous passer à une autre chanson et revenir à cette chanson plus tard pour un autre essai? Une fois encore, quiconque vous payera aura dicté ses besoins avant même que vous ayez commencé à le suivre. Si votre travail consiste à terminer un certain nombre de chansons dans un délai donné, vous devrez peut-être choisir des représentations pour respecter le délai. Si votre travail consiste à obtenir le meilleur produit possible, vous pouvez alors jeter le calendrier et le budget par la fenêtre..
Quoi qu'il en soit, le suivi de base peut prendre fin en quelques heures (comme dans le cas de l’enregistrement d’un projet de jazz direct) ou peut durer des mois, voire des années (comme un groupe traditionnel à gros budget), mais le producteur en dépend faire comprendre que la mission de capturer exactement ce qui est nécessaire pour cette phase d'enregistrement a été accomplie.
Le mois prochain, nous examinerons le processus de superposition..
Accentsconagua