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La production musicale est un travail souvent mal compris par tout le monde, à l'exception du producteur, ou sous-estimé dans la portée de son travail. Cette série sur la production musicale est basée sur mon nouveau livre, The Music Producer's Handbook, dans lequel je décrirai quelques techniques de production de base tout en éliminant, espérons-le, le voile de mystère du processus. Sachez que nous étudierons la relation entre un producteur et un groupe ou un artiste avec un groupe ou des musiciens de studio. Nous aborderons l'autoproduction plus tard dans la série.
L'étape de superposition peut être quelque chose d'aussi simple que de réparer ou de remplacer quelque chose dans les pistes de base (comme la basse, la guitare rythmique, les solos ou la voix principale), par des couches sophistiquées et des ajouts de cors et de cordes, de multiples guitares, claviers et chants de fond. C’est aussi la phase du projet où le plus grand nombre d’expérimentations est fait, car même les pièces les plus méticuleusement conçues se révèlent parfois ne pas fonctionner et nécessitent quelques modifications..
Un trait commun à la plupart des artistes est la créativité qui leur donne idée après idée des parties, des lignes, des embellissements et des améliorations. Plus l'artiste est créatif, plus les idées naissent, et c'est le problème. Parfois, un artiste a tellement de bonnes idées qu'il faut beaucoup de temps pour toutes les essayer. Avant même de le savoir, vous êtes en retard. C'est déjà assez grave, mais une multitude d'idées peut éloigner une chanson de sa véritable intention, allant même à l'encontre de l'inspiration initiale. Un exemple serait un artiste qui a écrit une chanson qui était à l’origine une chanson pop, mais il ne reste plus qu’à entendre ce que cela donne avec une sensation de reggae. Si la chanson convient parfaitement au nouveau style, elle ne contient peut-être plus l'essence de l'inspiration originale de l'artiste. C'est à vous, en tant que producteur, de mettre un terme à l'expérimentation et de concentrer l'énergie sur l'endroit où l'artiste brille le mieux.
Parfois, un artiste propose une bonne idée après une bonne idée sur de nouvelles lignes et parties pendant les overdubs, et bien que la plupart d’entre elles puissent fonctionner, cela rend simplement la chanson différente et non meilleure. Encore une fois, il appartient au producteur de concentrer l’énergie de l’artiste et des musiciens sur ce qu’elle doit être et de décider que la direction que vous avez choisie était la meilleure..
Parfois, la créativité massive d'un artiste peut jouer en votre faveur. Par exemple, si vous n'êtes pas sûr de la sensation d'origine de la chanson, exprimez-le à l'artiste pour faire preuve de créativité et, avant même que vous ne le sachiez, une meilleure idée apparaîtra. Mais généralement, la première inspiration de l'artiste est la meilleure, et c'est probablement celle qui vous a attiré en premier..
Cela arrive toujours au moins une fois dans la phase d'overdub. Un joueur joue quelque chose par erreur ou pendant les échauffements qui éclaire tout le studio et le producteur dit: «Pouvez-vous rejouer, mais faites quelque chose de différent à la fin?» Ou «Pouvez-vous jouer comme ça dans cette section à la place ? ”Et alors la poursuite est lancée pour récupérer cet éclaircissement dans une bouteille et le verser sur une partie ou une section qui manquait auparavant.
Mais les choses ne sont généralement jamais aussi simples qu'elles le paraissent, car la partie brillante a été modifiée pour s'adapter à la nouvelle section ou modifiée pour mieux servir la chanson. Un passage rapide prend des heures et avant même que vous le sachiez, vous avez passé toute la journée à travailler sur cette pièce unique. C'est généralement ce qui se passe pendant les overdubs. Au moment où tout le monde a élaboré la partie parfaite, le joueur est trop fatigué pour l'exécuter de manière convaincante.
En ces temps où une pièce entièrement nouvelle est en cours d'élaboration, j'ai constaté qu'il faut parfois deux sessions pour que cela se réalise réellement. Le premier jour, vous prenez cette brillante graine d'une idée et vous la déterminez où elle s'inscrit correctement dans la chanson. Le deuxième jour, c'est quand l'idée fleurit vraiment lorsque vous pouvez l'exécuter correctement. Garder cela à l'esprit peut vous faire économiser d'innombrables heures supplémentaires à la fin d'une longue journée. Laissez-le tranquille et revenez demain quand tout le monde sera frais. Ça va probablement être exécuté parfaitement la première prise.
Parfois, les overdubs vont plus vite et se font mieux si les membres du groupe autres que ceux qui jouent, amis ou entourage ne sont pas autorisés dans la salle de contrôle. Trop de gens peuvent faire peur à une interprète timide ou pire encore, la faire jouer devant la foule au lieu de se concentrer sur le travail à accomplir. Si les visiteurs ou les membres du groupe doivent venir au studio, maintenez-les hors de la salle de contrôle et laissez-les rester dans le salon jusqu'à la fin de la partie..
En général, il est préférable que les épouses ou les maris, les amies ou les copains, les amis et les associés, les cintres ou les personnes non essentielles, ne soient pas autorisés à assister aux sessions, sauf dans des circonstances extraordinaires (comme une soirée de reproduction ou la remise d'un instrument oublié) . Plus le nombre de participants est élevé, plus le rassemblement est susceptible de devenir une fête et une fête n’est pas propice à l’enregistrement. Il y a un moment et un endroit pour cela, mais ce n'est pas ici. À moins que la personne ne soit essentielle à la tâche à accomplir, faites-la rester à la maison.
Peu importe qui joue et quel type d’instrument ils utilisent, il est toujours préférable que vous puissiez les amener à enregistrer dans la salle de contrôle avec vous. C'est facile avec la guitare, la basse, les touches électroniques et même les voix, et plus difficile pour tout le reste. Si le musicien est capable d'entendre exactement ce que vous entendez ainsi que l'immédiateté de la communication, sans parler de l'absence d'écouteurs, le lecteur obtiendra généralement de bien meilleures performances..
La plupart des studios sont maintenant équipés des câbles et du matériel nécessaires pour garder un ampli dans une autre pièce pendant que le lecteur joue dans la salle de contrôle. Jouer dans la salle de contrôle n’est généralement pas une option pour plus d’un joueur à la fois (ce qui ne se produira probablement pas pendant les overdubs sauf s’il s’agit d’un cor, d’une corde ou d’une section vocale), ou avec des instruments silencieux, comme des percussions, guitares acoustiques ou cordes.
Bien que cela ressemble à un blasphème, de nombreux chanteurs détestent les écouteurs et préféreraient beaucoup chanter dans la régie avec un micro de scène tenu dans la main, comme le Shure SM-58. Cela ne vous permettra peut-être pas de gagner des récompenses haute fidélité pour le son des voix, mais une superbe performance l'emportera sur la qualité audio tous les jours. De plus, le son de la plupart des micros de scène, même s'il n'est certainement pas aussi fidèle qu'un Neumann vintage de plusieurs milliers de dollars, est meilleur que vous ne le pensez (tant qu'il est en bon état) lorsqu'il est acheminé dans un préampli de microphone de haute qualité et assez bon à peu près n'importe quel but d'enregistrement.
Il existe plusieurs techniques de surimpression couramment utilisées que tous les producteurs devraient connaître. Bien que les techniques suivantes se réfèrent principalement aux voix, elles peuvent être utilisées pour presque tous les instruments..
Si vous êtes dans le même studio où vous avez suivi vos bases, ne tombez pas dans le piège de garder exactement la même configuration d’instrument au même endroit que lorsque vous avez fait vos bases (à moins que vous ne répariez les pistes de base, bien sûr). Déplacez la voix ou l'instrument dans la grande partie du studio. Tous les instruments sonnent mieux quand il y a de la place pour que le son se développe. Vous pouvez réduire les reflets indésirables de la pièce en plaçant des déflecteurs autour du micro, du lecteur ou du chanteur..
Le doublage d'un chant principal est utilisé aussi longtemps qu'il y a des enregistreurs multipistes. Les Beatles l'ont fait quand ils n'utilisaient que des bandes magnétiques à quatre pistes et n'avaient vraiment pas de piste à revendre, ce qui vous dit à quel point il est puissant..
Doubler un chant (faire chanter deux fois la même ligne ou la même phrase sur deux pistes et les reproduire toutes les deux en même temps) fonctionne pour deux raisons; cela renforce le son de la voix et masque toute incohérence dans la partie.
Bien que la technique de doublage puisse convenir à un grand nombre de chanteurs, elle ne sonne parfois pas très bien si les deux pistes vocales sont rejouées au même niveau. Essayez d’ajouter la deuxième voix entre 6 et 10 dB de moins que la piste que vous jugez la plus forte. Cela ajoutera un peu de soutien à une voix par ailleurs faible sans avoir à jouer le double..
Voici un exemple de chant simple, doublé mais mélangé à 10 dB en dessous du lead et doublé au premier niveau.
Exemple 1 - Exemples de double voix principale
Empilement vocal
L'empilement vocal est un dérivé du doublage, technique habituellement utilisée sur les chants de fond d'harmonie. Tout comme le doublage, l’empilement permet de renforcer le son d’une partie vocale tout en atténuant les incohérences dans le réglage..
Un exemple d'empilement vocal serait un groupe vocal en trois pièces chantant une partie en harmonie à trois parties. Une fois leur premier passage terminé, ils doubleraient les parties exactes en le chantant exactement de la même manière, puis même en triple-piste ou plus, dans le but d'obtenir un son plus riche. Une petite astuce qui donne un son plus puissant à la pile est de faire en sorte que les chanteurs prennent du recul par rapport au micro à chaque passage vocal, tandis que l’ingénieur augmente le gain du micro pour compenser la distance. L'ambiance accrue de la pièce améliorera naturellement le son sans moyens artificiels.
Une autre astuce serait que les chanteurs changent de partie à chaque passage. En d’autres termes, le chanteur de la partie la plus élevée de l’harmonie à 3 voix passera au plus bas, celui de la partie médiane à la plus haute et la partie basse à la partie centrale. Bien entendu, cela suppose que les chanteurs sont des professionnels capables de changer les parties vocales sans trop de problèmes et que leurs voix sont en réalité capables de jouer les nouvelles parties..
Voici un exemple de groupe qui ne chante pas bien les harmonies, mais finit par bien sonner une fois que tout est empilé. Chaque partie comptait trois membres du groupe qui ne chantaient qu'une partie de la triade d'harmonie. Ils ont fait un pas en arrière quand ils ont doublé. Vous entendrez chaque partie, puis doublée, et l'harmonie finale.
Exemple 2 - Harmonies vocales empilées
Les instruments peuvent être doublés ou empilés de la même façon que les voix et, bien que la même performance puisse être très bien doublée (doubler), vous atteindrez bientôt le point de rendements décroissants, sauf si vous modifiez quelque chose pour le rendre différent. Un micro, un préampli de micro, une pièce dans laquelle enregistrer, ou une distance différente du micro contribueront à augmenter le son lors des overdubs ultérieurs..
Pour les guitares, deux guitares (une Les Paul et une Strat, par exemple) et deux amplificateurs (une combinaison classique, le Fender et le Marshall) combinées à différents réglages de micro, permettront à une multitude de pistes de guitare de mieux vivre ensemble dans le mix . Souvent, vous constaterez qu'il faut moins d'overdub si chaque overdub de guitare a un son distinctement différent.
Voici un exemple de partie de guitare empilée avec différents emplacements de micro et amplificateurs..
Exemple 3 - Guitares empilées
Le mois prochain, nous examinerons le processus de mixage et de mastering du point de vue du producteur..
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