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Dans la première partie de notre série, nous avons discuté des concepts d'immobilité, d'obscurité et de cultivation. Dans la deuxième partie, nous avons examiné le processus de création de l’idée sous une forme cohérente et avons commencé à la développer, à la cultiver et à la façonner..
Dans ce dernier volet de la série, nous allons passer directement à la production à grande échelle, aboutissant à une chanson achevée. Nous allons traverser des pistes intéressantes dans ce tutoriel, liées à la production et à la philosophie. J'espère que vous l'apprécierez.!
Et tant que vous n'avez pas expérimenté
ceci: mourir et donc grandir,
vous êtes seulement un invité troublé
sur la terre sombre. -Goethe
Comme mentionné dans les parties 1 et 2, il ne faut pas sous-estimer l’importance des pistes de travail. Dans mon travail de production, les pistes de scratch forment le cadre ou la colonne vertébrale de la chanson. Tout le reste doit être construit autour des pistes de travail, car ce sont là les éléments qui doivent vraiment se démarquer..
Pour ce morceau particulier, il existe deux pistes de scratch principales: les voix et le piano. Comme je ne peux pas facilement suivre les voix sans référence, j'ai commencé par esquisser la ligne de piano complète pour la mélodie, divisée en sections.
J'ai passé une bonne partie de mon temps à écouter le bon échantillon de piano et, finalement, j'ai opté pour un simple réglage de piano pop Yamaha à partir du sampler EXS24 de Logic. Pour la plupart des gens, il ne s’agit pas d’un échantillon d’instrument particulièrement intéressant, mais il avait exactement le sens exact pour le type de morceau que j’écrivais, ce qui souligne un point important:
Faites le meilleur avec ce que vous avez.
Pour moi, cela signifie à la fois de travailler avec les outils et les instruments dont vous disposez et d’être contenu (pour le moment) avec les compétences que vous avez. Si vous attendez exactement le bon instrument et la performance parfaite, vous risquez d'attendre très longtemps…
Arrangement des pistes de piano
Au cours de cette phase, il est important de faire attention au flux de la mélodie et de toucher tous vos «moments clés» pour ainsi dire. Pour cette raison, j'ai divisé le piano en trois pistes distinctes, une pour les couplets, les ponts et le refrain..
Après avoir disposé l'arrangement du piano, je passe à côté de la piste vocale. Même si cela peut être un bon moment pour pratiquer la voix, l’important ici encore est de construire le cadre. Votre performance n'a pas besoin d'être parfaite - elle doit indiquer le timbre, le volume et le rendu de la performance finale.
J'ai fait plusieurs prises chacun des vers, ponts et choeurs. Pendant ce temps, je me suis rendu compte que je n'aimais pas vraiment la progression des accords pour le pont. J'ai donc apporté quelques modifications mineures pour que la mélodie coule un peu mieux..
Avec le refrain, je me suis retrouvé à emprunter une suite d’accords populaire, mais j’ai trouvé que la prestation vocale le rendait toujours unique. C’est l’une de mes philosophies personnelles que j’aimerais transmettre:
Il est normal d’emprunter et d’imiter aussi longtemps que le résultat reste unique..
Je sais que le dicton traditionnel est que les amateurs imitent et les professionnels volent. Personnellement, je ne suis pas d'accord avec cette idée, car il y a souvent une différence entre emprunter, imiter et voler. Mon sentiment est que tant que ce que vous créez finit par être unique, tout va bien.
Alors, voici une photo de mon arrangement de composition vocale:
Croquis de composition vocale
J'ai pas mal écrit sur le processus d'addition et de soustraction ici, ici et ici. Le résultat est que pour moi, le processus d’arrangement est un processus d’ajout de calques et de sons par-dessus votre "framework" jusqu’à ce que les choses commencent à tomber naturellement..
Dans le contexte de ce morceau, j'ai maintenant les pistes de piano et de scratch vocales, il est donc temps de commencer à construire et à ajouter ces éléments clés.
Si le piano et les voix sont au cadre, la ligne de base et la section rythmique constituent le fondement. Avec ce morceau en particulier, cependant, je voulais que les choses restent simples pour commencer. Pour la basse, j'ai choisi un échantillon électrique simple, sans frette, mais j'ai adouci l'attaque pour mieux me fondre au chant et au piano..
De là, je suis retourné à toutes les idées que j'avais sur la chanson en termes de type de palette que je voudrais utiliser. Les inspirations musicales de ce morceau, sans ordre particulier, sont:
Cela me donne un large éventail de sons, mais il était assez facile de préciser où aller ensuite. Parce que la chanson a été construite avec le piano et les voix en tête, cela m'a permis d'éliminer rapidement certaines des nouvelles saveurs électroniques que BT a tendance à apporter à sa musique. De plus, mes compétences en production ne sont pas vraiment à la hauteur pour pouvoir créer ce type d’effets, alors je suis passé à quelque chose de plus simple..
Peter Gabriel est venu ensuite, et il était facile de voir comment certains de ses airs les plus produits pourraient ne pas fonctionner avec la simplicité relative de cet air. Mais sa mélodie "Here Comes The Flood" fonctionnait toujours comme une inspiration, même si je ne savais pas exactement à quel point.
Cela me laissait donc avec David Gray et Counting Crows, tous deux très dépendants du piano, des guitares et des arrangements pop / rock traditionnels..
En fin de compte, ma prochaine étape (après le piano, le chant et la basse) était une batterie de jazz simple, avec un rythme simple et facile. La chanson ne semblait pas vouloir une production fortement électronique, alors je suis restée simple.
Arrangement initial.
À partir de là, j'ai ajouté des pads d'introduction et quelques lignes de pads dans différentes zones de la chanson. J'ai également ajouté une ligne d'accordéon simple (inspirée de Counting Crows) qui ajoute un caractère et des ornements intéressants au cours du second couplet et du pont construits..
Je voulais me concentrer sur l’intérêt des versets et des ponts au fur et à mesure que la mélodie avance, et les choses semblaient bien aller. J'ai porté une attention particulière à la forme générale de la chanson - en veillant à ce qu'il y ait de la tension et une libération totale. Je l'ai fait en veillant à ce qu'il y ait un bon équilibre d'addition et de soustraction dans les couplets et les ponts, les chœurs ayant toujours le plus d'énergie et de puissance..
En ce qui concerne le refrain, j'ai constaté que quelque chose ne fonctionnait tout simplement pas entre la basse, la batterie et la puissance de la ligne vocale. J'ai d'abord retravaillé la basse, en dupliquant le morceau et en restaurant l'attaque initiale du fretless. Cela a donné à la ligne de base un "coup de poing" supplémentaire. De même, j'ai écrit une nouvelle ligne de batterie juste pour le refrain, avec un rythme relativement simple mais plus puissant..
La dernière étape a été la plus complexe et a nécessité de nombreuses modifications manuelles. Je voulais que les grands succès de l'accord de chœur soient en avance sur le temps. Ce type de léger swing a tendance à donner une sorte de pouls inhérent au rythme général du choeur. Pour moi, le refrain se sent plus 'puissant' de cette façon que si le battement était simplement rectiligne.
pousser le rythme - notez comment les hits ont tendance à tomber juste avant le temps fort
Après avoir pratiqué plusieurs fois, j’enregistre mes prises vocales en quelques sessions, avec des overdubs et des harmonies ajoutées pour plus de précision. Bien que ma voix soit hors d'usage, je suis globalement satisfaite des voix que j'ai capturées et j'ai commencé le processus d'édition des prises vocales..
Pour moi, l'édition vocale consiste à créer un focus et à minimiser les distractions. Les choses que j'ai tendance à surveiller sont le bruit de la pièce, les claquements de bouche et les grandes respirations. Je trouve que la coupe et l’édition manuelle sont la meilleure technique pour les minimiser. Bien qu'un noise gate ou un compresseur / expandeur puisse parfois être efficace ici, rien ne crée de silence, contrairement à l'outil Ciseaux..
modifications vocales
J'ai utilisé le préréglage Logic "Male Creamy Vocal" sur mes bandes de canal, avec quelques modifications aux paramètres d'égalisation et de réverbération. J'ai également retiré le Noise Gate, parce que je l'ai trouvé trop puissant et que j'ai eu pour conséquence de bloquer certaines parties plus calmes de la mélodie. J'aime garder une certaine plage dynamique dans mes mixages, donc la Gate a dû aller.
Après avoir terminé la mise en page vocale et les modifications, j'ai passé beaucoup de temps à écouter l'arrangement. Cela m’a amené à faire quelques changements qui, bien qu’ils soient peu orthodoxes, me semblaient justes..
L'arrangement final
À ce stade, j'avais passé plusieurs jours à finaliser l'arrangement, à suivre les voix, à peaufiner et à peaufiner. Je me suis rendu compte que je pouvais facilement rester dans ce mode pendant plusieurs jours, voire plusieurs semaines, mais un éclair s'est ensuite déclenché dans mon cerveau. Je me suis rappelé le Manifeste du Culte de Done. Le meilleur résumé de ceci que j'ai vu est ceci: Fait est meilleur que parfait.
Comme je l'ai mentionné au début de cette série, cela fait longtemps que je n'ai pas écrit, produit et publié une mélodie. En gardant cela à l’esprit, j’ai décidé que j’étais heureux de me contenter de la façon dont cette chanson s’était formée et qu’il était temps d'arrêter de peaufiner.
Je me suis alors éloigné de l'ordinateur et j'ai écouté la mélodie pour me rendre compte qu'il manquait une chose..
Je suis rapidement allé à mon autre machine sur laquelle des échantillons de ma fille avaient été enregistrés alors qu'elle avait à peu près un an. Je les ai copiées sur ma machine principale, j'ai pris quelques éditions sélectionnées et les ai ajoutées au début et à la fin du morceau avec quelques effets de réverbération simples..
Alors que j'écoutais à nouveau la chanson, cette fois avec des extraits de ma fille, je n'ai pas honte de dire que j'avais les larmes aux yeux. Le processus de création de cet air a été long et ardu pour de nombreuses raisons. Mais au-delà de ça, j'étais simplement content de ce que j'avais créé et je savais que lorsque ma fille serait assez grande pour comprendre, elle serait fière de son papa pour avoir écrit cette chanson pour elle..
Et cela m'amène à un autre point:
Laissez-vous émouvoir par votre musique.
Si votre musique ne vous émeut pas, il y a de grandes chances que vous ne déplaciez pas votre public. Donnez-vous le temps et l'espace nécessaires pour écouter avec un esprit ouvert, un cœur ouvert et des oreilles neuves.
À ce stade, je pourrais entrer dans les détails de mon processus de mixage et de mastering, mais nous l'avons très bien expliqué dans d'autres tutoriels, et ce n'est pas mon point fort. Inutile de dire que j'ai passé les dernières heures à finaliser le mixage, en veillant à ce que la voix se distingue comme il le fallait, en veillant à ce que la gamme dynamique corresponde à mes goûts et en veillant à ce que les autres instruments de l'accord aient le sentiment d'être à la bonne place. J'ai ajouté un compresseur multibande simple sur l'étage de sortie pour une finalisation très légère avant l'impression sur disque..
Ce qui suit, cher lecteur, est le premier air «pop» que j’ai enregistré, produit et partagé avec le public pendant longtemps. J'espère que vous avez apprécié le processus de création avec moi, et j'espère que vous apprécierez la mélodie ou, sinon, au moins, que vous me donnerez des retours constructifs..
Je vous souhaite un grand succès dans vos projets musicaux.
Mélange final: "Je t'aimerai ce soir"
Accentsconagua